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出版者:吉林美术

作者:关威//胡飞

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2009-2

价格:11.80元

装帧:

isbn号码:9787538630923

丛书系列:

图书标签:

• 美术基础
• 绘画技法
• 素描
• 色彩
• 速写
• 构图
• 透视
• 艺术学习
• 绘画入门
• 基础教程

《色彩的魔术师：从理论到实践的色彩运用指南》 这不仅仅是一本关于颜色的书，它是一段探索色彩丰富世界的旅程。从古老壁画中沉淀的矿物色，到现代设计中跳跃的数字色，色彩以其无穷的魅力，触动着我们的情感，塑造着我们的认知。本书将带领读者深入理解色彩的本质，揭开它隐藏在视觉背后的秘密。 第一部分：色彩的语言 色轮的奥秘： 我们将从最基础的色轮开始，理解三原色、三间色、复色的关系，以及它们之间是如何相互作用、相互影响的。你会学会如何通过色轮来预测和搭配出和谐或具有冲击力的色彩组合。 色相、明度与饱和度： 这三原要素是构成色彩的基石。本书将详细阐述它们各自的含义，以及它们如何单独或共同影响我们对颜色的感知。你将学会精确地描述和调整每一种颜色，赋予它们独特的个性和情绪。 色彩的心理效应： 为什么红色会让我们感到兴奋，蓝色会带来平静？色彩与人类情感和心理有着千丝万缕的联系。我们将深入探讨不同颜色所引发的心理联想，以及它们如何影响消费者的购买决策、空间氛围的营造，甚至是艺术作品的情感表达。 文化中的色彩： 色彩的意义并非普适，它深深植根于不同的文化和社会背景中。从东方文化中象征吉祥的红色，到西方文化中象征庄重的黑色，本书将带领你领略色彩在不同文明中的多重解读，让你在跨文化交流中更具洞察力。 第二部分：色彩的实践 调色板的艺术： 告别盲目的色彩堆砌，掌握科学的调色方法。本书将介绍多种实用的调色技巧，包括如何混合出纯净的颜色，如何利用补色来增强对比，以及如何创造出富有层次感的色彩渐变。 光影与色彩： 光线是色彩的灵魂。我们将探讨不同光源（如自然光、白炽灯、荧光灯）对颜色的影响，学习如何在不同光照条件下准确捕捉和表现色彩。理解光影的互动，将使你的作品更具立体感和生命力。 不同材质的色彩表现： 丝绸的光泽、木头的纹理、石头的粗糙……不同的材质对色彩的吸收和反射方式各不相同。本书将指导你如何观察和表现不同材质的色彩特性，让你的画面更具质感和真实感。 色彩构图的智慧： 色彩不仅仅是点缀，更是构图的有力工具。你将学会如何运用色彩来引导视线、营造氛围、突出主体，以及构建画面的平衡与韵律。从大胆的撞色到柔和的同色系，探索色彩在画面组织中的无限可能。 数字时代的色彩： 在数字媒体日益普及的今天，屏幕色彩的准确性至关重要。本书将介绍数字色彩模型（RGB、CMYK），以及如何在不同设备上保证色彩的一致性，让你的作品在屏幕上呈现出最佳效果。 第三部分：色彩的应用 绘画中的色彩： 无论是油画、水彩、丙烯还是国画，本书都将提供针对性的色彩运用建议，帮助你在不同的绘画媒介中游刃有余地驾驭色彩。 设计中的色彩： 从平面设计、网页设计到产品包装，色彩是传达品牌形象、吸引用户注意的关键。本书将分享在不同设计领域中色彩的成功案例和实用原则。 摄影与后期中的色彩： 掌握色彩平衡、色温调整、色彩风格化等后期处理技巧，让你的摄影作品更具艺术感染力。 生活中的色彩： 从家居装饰到服装搭配，色彩的运用无处不在。本书将为你提供实用的建议，让你在日常生活中成为一位出色的色彩搭配师。 本书特色： 理论与实践并重： 既有严谨的色彩理论阐述，又有大量生动的实例分析和练习指导。 循序渐进，由浅入深： 从基础概念到高级技巧，适合不同层次的读者。 图文并茂，直观易懂： 大量高质量的图片和图表，清晰地展示色彩的原理和应用。 实用性强，即学即用： 提供的技巧和方法均可直接应用于实际创作和生活中。 无论你是初学者，还是希望提升色彩运用能力的艺术家、设计师，亦或是对色彩充满好奇的爱好者，《色彩的魔术师》都将是你探索色彩奥秘、释放创造力不可或缺的伙伴。打开这本书，你将开启一段发现色彩之美的奇妙旅程，让色彩成为你表达世界、沟通情感的最强大工具。

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作为一名平面设计师，我深知基础素描功底对于提升作品质感的极端重要性。这本书的硬实力主要体现在它对“结构”和“体块”的强调上，这正是我们数字艺术领域常常忽略的“骨架”。它并非一本专注于古典写实临摹的教材，而是将素描的原理高度抽象化，服务于更现代的视觉表达。例如，书中关于人体动态速写的章节，不是纠结于肌肉的精确解剖，而是侧重于如何用最简洁的线条抓住人物的重心和运动轨迹，这种“抓住本质”的训练方式，非常适合快速捕捉灵感和构建设计草图。在光影的处理上，它引入了物理学的概念，但讲解得非常形象，比如对比“漫射光”和“点光源”对物体边缘的影响，这对于我在三维软件中设置灯光环境有着直接的指导意义。我特别欣赏作者对“观察者视角”的强调，反复提醒读者不要画你“知道”的东西，而要画你“看到”的东西，这种思维上的转变，让我的设计草图瞬间变得更有生命力和空间感。这本书是为那些希望用艺术语言构建更稳固视觉框架的专业人士准备的“内功心法”。

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我一直对水彩画抱有一种又爱又怕的心态，总觉得水彩的“不确定性”难以掌控，很容易把画面弄得一团糟。这本书在水彩部分的处理上，展现了一种非常成熟且富有条理的教学体系。它没有回避水彩的特性，反而巧妙地利用了“湿画法”和“干画法”的交替运用，来展示如何将偶然的“水痕”转化为有意境的肌理效果。最让我惊喜的是关于“留白”的阐述，作者用细腻的笔触说明了，留白不仅是画面的一部分，更是光和空气的载体，这彻底颠覆了我过去“把画面填满才算画完”的观念。书中提供的示范作品，从简单的静物到复杂的风景，每一步的笔触力度、水分控制都有明确的标注和解释，这一点对于习惯于数字化创作的我来说，提供了非常宝贵的实体媒介的触感指引。虽然我还没能完全掌握书中的所有技巧，但这本书提供了一种强大的“调试工具箱”，让我知道在遇到特定问题时，应该从哪个角度去思考和解决。它成功地将一个看似虚无缥缈的媒介，规范化、系统化了，极大地增强了我继续探索的信心。

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这本书的装帧和纸张质量令人印象深刻，这在如今的教材中是相当少见的。厚实的铜版纸保证了即便是最细腻的铅笔排线和最丰富的色彩渐变都能完美呈现，这对于需要反复翻阅和临摹的学习者来说，简直是一种享受。我最喜欢的一点是，它没有固步自封于某一种画种或某一个流派，它的跨度非常广博。除了基础的线条和明暗，它还涉及了简单的透视几何、基础的人体比例乃至初级的构图法则。这种广博性使得它更像一本“艺术词典”的入门版本，能让你在学习一门具体技法的同时，对整个艺术领域的全貌有一个初步的认知。比如，它会很自然地将中国传统绘画中的“计白当黑”理念与西方素描中的负形构图联系起来讨论，这种跨文化的对比，极大地拓宽了我的视野。虽然某些深奥的理论点可能需要结合其他资料来加深理解，但作为一本引路者的书，它已经做到了极致的平衡：既有足够的深度去引导探索，又保持了必要的广度来激发兴趣。

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说实话，我一开始是被这本书的封面吸引的，那个极简却又充满力量感的几何图形，让我感觉这绝对不是一本老生常谈的“教你画花鸟”的教程。阅读之后，我发现内容果然非常前沿和实用。它在教授基础技法时，总是巧妙地融入现代设计的思维方式。例如，在讲解纹理表现时，它不是教你如何细致描摹木头的纹理，而是教你如何用几种关键的笔触或色块去“暗示”出那种质感，这在追求效率的现代插画和概念设计中极其宝贵。书中对“动态平衡”和“视觉流线”的分析，放在构图章节里，让原本枯燥的“三分法”活了起来，它告诉你，构图的核心是引导观众视线的运动，而非仅仅是物体在画面中的位置。更贴心的是，它为自学者设置了“自我评估”的环节，每完成一个阶段的学习，都有相应的练习和自我诊断的建议，这一点对于缺乏老师指导的群体非常友好。这本书的独特之处在于，它将“技法”与“设计思维”无缝衔接，让每一个练习都指向最终的“有效表达”，而不是停留在“画得像”的层面。

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这本画册简直是为我这种零基础的入门者量身打造的，里面的内容详略得当，不像有些教程上来就堆砌晦涩难懂的专业术语，让人望而却步。作者的讲解非常亲切，仿佛一位经验丰富的老画家手把手在教你。比如在素描章节，对于光影的理解，不是简单地告诉你“亮面、灰面、暗面”，而是通过剖析不同光源下的物体受光情况，让你真正理解“为什么”会形成这样的明暗关系。特别是对透视的讲解，配上了大量的实例图和步骤图，即使是复杂的建筑透视，也能被分解成一个个易于理解的小模块。我以前总觉得画不好，是因为手不听使唤，但看完这本书后，我意识到问题出在观察和理解上，这本书帮我建立了扎实的底层逻辑。对于色彩部分，虽然没有深入到复杂的油画颜料调配，但对于基础的色彩关系、冷暖对比的把握，以及如何利用色彩来营造空间感，介绍得非常到位。这本书的价值在于，它教你的不是临摹的技巧，而是“看世界”的方式，是艺术思维的启蒙。我强烈推荐给所有刚拿起画笔，渴望系统学习的朋友们，它绝对是你艺术旅程中的第一块坚实基石。

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