中国书画家经典作品集-曾鲸严用晦像长卷考评 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河北教育出版社出版

作者:王骁 编

出品人:

页数:127

译者:

出版时间:2005-9

价格:128.00元

装帧:平装

isbn号码:9787543456310

丛书系列:

图书标签:

• 曾鲸
• 中国书画
• 曾鲸
• 严用晦
• 长卷
• 艺术史
• 绘画
• 书法
• 作品研究
• 明清艺术
• 艺术鉴赏

《盛世翰墨：中国古代书画艺术流变与鉴赏》 一部跨越千年的艺术史诗，一次深入笔墨精神的探索之旅 本书旨在为中国古代书画艺术爱好者、研究者及收藏家提供一部全面、深入且具有高度学术价值的参考著作。我们聚焦于自魏晋南北朝至清末民初数千年间，中国书画艺术在不同历史阶段的演变脉络、风格特征、代表人物及其作品背后的文化意涵与审美取向。全书结构严谨，内容翔实，力求以宏大的历史视野，细致入微的个案分析相结合的方式，展现中国传统绘画与书法艺术的辉煌成就。 第一编：法度肇始——魏晋南北朝至唐代的奠基与确立 本篇将探讨中国书画艺术体系的初步确立阶段。从顾恺之“以形写神”的早期绘画理论，到南朝谢赫提出的“六法”，为后世奠定了美学基础。重点分析王羲之、王献之父子如何将书法推向“尽善尽美”的境界，确立了楷书、行书的典范。唐代是书画艺术的鼎盛期，我们详细梳理了吴道子“吴带当风”的雄健画风，李思训、李昭道开创的青绿山水一派，以及阎立本、韩干在人物画领域的杰出贡献。在书法方面，颜真卿的浑厚雄强与柳公权的骨法用笔，标志着唐楷的巅峰，并探讨了张旭、怀素的狂草艺术对后世情感表达的影响。 第二编：格局拓展——宋代的审美转向与技法革新 宋代是中国艺术史上一个至关重要的转折点。文人阶层的崛起深刻影响了书画的创作理念，从注重“形似”转向追求“意韵”与“趣味”。 山水画的革新： 详细论述了董源、巨然开创的江南“披麻皴”与“矾头”技法，奠定了后世文人山水画的基础。北宋范宽的浑厚博大、郭熙的“寓意于景”，展现了人与自然的宏大对话。南宋李唐、刘松年、马远、夏圭的“马一角，夏半边”，则以精炼的构图和深远的意境，开创了南宋山水画的独特面貌。 人物花鸟： 深入解析了宋徽宗赵佶在花鸟画领域的“写生”理念及其对院体的规范作用。苏轼、米芾等文人对书画的理论阐述，特别是“论书”、“论画”中蕴含的哲学思想，是本章的理论核心。 书法艺术： 宋代“尚意”书风的形成，以苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”为代表，探讨了他们如何从唐人法度中解放出来，强调个性和书写过程中的心手相应。 第三编：意在笔先——元代的文人画高歌与程式的成熟 元代，由于士人“失意”于朝堂，将更多的情感寄托于笔墨之中，文人画（士人画）正式成为主流。本篇重点剖析了“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙——的艺术成就。 笔墨语言的深化： 探讨了他们如何将书法用笔融入山水画中，以枯涩、简淡的笔墨表现高洁的隐逸情怀，尤其是倪瓒“折笔”、“折苔”的极简主义风格。 元代书法： 赵孟頫提出的“复古”主张，使他对晋唐书风的推崇达到了新的高度，同时他也以行草书在当时独领风骚。而“吴门书派”的兴起，则为明代的艺术繁荣埋下了伏笔。 第四编：流派纷呈——明代的南北对峙与装饰趣味 明代书画艺术呈现出多元化、世俗化倾向。我们将其划分为几个重要的艺术群体进行分析： 早期吴门画派的雅正： 以沈周、文徵明为代表，他们继承了元代遗风，强调诗、书、画的结合，形成了温润、秀雅的江南风格。唐寅、仇英则在人物、界画方面各领风骚。 “浙派”与“院体”的延续： 对戴进、吴伟等在宫廷画院中的努力进行梳理，展现了他们对雄强笔墨的继承。 晚明“个性解放”： 松江派董其昌的“南北宗论”对后世影响深远，尽管存在争议，但其对笔墨意趣的强调，为清初的艺术发展设定了理论框架。同时，晚明如徐渭的“泼墨大写意”与陈淳的花卉写意，标志着艺术家主体意识的空前高涨。 第五编：集古开新——清代的程式化与碑学兴起 清代初期，书画艺术在摹古与创新之间进行拉锯。 “四王”的集大成： 重点研究王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过“集古”的方式，将前代名家的笔墨技法融会贯通，形成了程式化的院体风格。 “四僧”的颠覆： 分析了弘仁、髡残、八大山人、石涛这四位艺术大师，如何在“遗民”身份下，以奇特的造型、强烈的个性和笔墨的解放，对既有程式进行颠覆与重构。尤其是石涛“我自为家”的艺术宣言，对后世影响深远。 碑学对帖学的挑战： 书法方面，乾嘉时期碑学的兴起，使得金石入书成为一股不可逆转的潮流。邓石如、何绍基等人的创作，预示着书法的审美趣味将从妍美转向雄强古朴，为近代书法变革做好了铺垫。 结语：笔墨精神的永恒价值 本书的最终目的，是引导读者超越单纯的“形似”鉴赏，进入对中国艺术“神似”与“笔墨精神”的深刻理解。通过对历代经典作品的梳理与考证，我们得以洞察中国文人如何在笔墨的方寸之间，寄托家国情怀、哲学思考与生命体验，从而领会中国书画艺术作为中华文明独特载体的永恒魅力。 本书特色： 1. 体系完整： 涵盖自魏晋至晚清近两千年的书画发展脉络，脉络清晰。 2. 图文并茂： 选取历代具有代表性的高清摹本与拓本，佐以详细的技法解析。 3. 理论深度： 结合历代书画家理论著作，深入剖析其创作理念。 4. 鉴赏指南： 对历代主要的皴法、点法、用墨技巧进行归纳总结，兼具实用鉴赏指导价值。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种传统的宣纸质感和现代印刷工艺的完美结合，拿在手里就仿佛能感受到历史的厚重与艺术的温度。内页的排版布局十分讲究，留白恰到好处，使得那些经典画作得以充分呼吸，不会有拥挤感。我尤其欣赏它对细节的处理，比如每一幅作品的题跋注释都清晰可辨，字体选用也与整体风格高度统一，既保留了古籍的韵味，又不失现代阅读的便利性。装帧的坚固程度也让人放心，这样的书籍是值得珍藏的艺术品，而不是快消品。我试着反复翻阅了几次，那些油润的墨色和细腻的线条在光线下呈现出不同的质感，这说明印刷技术的水平非常高，能最大限度地还原原作的神韵。对于喜爱传统艺术的读者来说，从物理层面就能体验到收藏级作品的魅力，这本身就是一种享受。

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这本书最大的魅力或许在于它所构建的艺术鉴赏框架，它不仅仅是一本作品集，更像是一本“如何看画”的教程。作者的论述角度非常新颖，他没有拘泥于对画家生平的流水账式记录，而是着重分析了特定历史时期社会思潮如何反作用于绘画风格的演变。比如，书中对某一特定朝代文人画中“隐逸”主题的兴起原因的剖析，结合当时的政治环境和社会压力，让我对那批画家的创作动机有了更深层次的理解。这种将艺术置于大历史背景下考察的视角，极大地拓展了我的视野。读完后，再去回看那些以往只停留在视觉层面的作品，仿佛突然间听到了作品背后那无声的呐喊与低语，艺术的深度和厚度一下子被拉伸了许多。

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从阅读体验上来说，这本书的节奏感把握得相当到位，它巧妙地在严肃的学术分析和引人入胜的故事叙述之间找到了平衡点。在几段相对枯燥的技法探讨之后，总会穿插一两则关于画家生活轶事的片段，这些小插曲如同清泉，既能让紧绷的思维得到放松，又能在潜移默化中展现出画家的人格魅力与艺术精神的共通之处。这使得整本书读起来绝不沉闷，反而充满了人情味和戏剧性。特别是某些画家长期的创作困境或情感挣扎被描绘得淋漓尽致时，我常常会产生强烈的共鸣，仿佛自己也成为了那个时代艺术洪流中的一员，与他们同呼吸共命运。这种文学性的叙事能力，让它超越了单纯的艺术评论范畴，成为了一部引人入胜的阅读佳作。

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我得说，这本书的学术严谨性达到了一个令人尊敬的水平，尤其是在对作品真伪和流传过程的考证部分，作者表现出了近乎考古学家的细致和耐心。对于几幅争议较大的作品，书中引用了大量的文献比对、题跋印章分析，甚至连纸张的年代学分析都有所涉及，这种扎实的研究基础为全书的权威性提供了坚实的后盾。我发现，作者在阐述观点时，总是非常审慎，不会轻易下定论，而是倾向于呈现多方观点，让读者自己去思考和判断，这种尊重读者的治学态度非常值得称赞。相比那些只敢于描绘光鲜亮丽一面的艺术读物，这本书敢于直面艺术史中的模糊地带和未解之谜，这恰恰体现了一部优秀学术著作应有的勇气和担当。

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阅读这本书的过程，更像是一场穿越时空的对话，作者在引言部分对中国传统绘画美学体系的梳理，简直是为我这等半吊子爱好者敲响了警钟，让我明白欣赏画作远不止于“好看”那么简单。文章的逻辑性极强，从宏观的历史脉络到微观的笔墨技法，层层递进，娓娓道来。我特别留意了其中对于“气韵生动”这一核心概念的阐释，书中引用了多位前贤的论述，并结合具体的作品案例进行分析，使得原本抽象的理论变得触手可及。它没有一味地堆砌专业术语，而是用非常通俗易懂的语言去解释复杂的艺术原理，即便是初次接触传统绘画理论的读者，也能很快跟上思路。这种深入浅出的叙事方式，极大地提升了阅读的沉浸感和知识吸收效率。

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昨天看完《第一等人》，今天就在这本书里看到了曾鲸的《候峒曾像》，颇为感慨……

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