芍药月季蜀葵玉兰画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:张莉媛 绘

出品人:

页数:44

译者:

出版时间:2009-1

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787807384212

丛书系列:

图书标签:

• 工笔画
• 国画
• 绘画
• 花卉
• 芍药
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• 绘画技法
• 植物
• 中国画
• 绘画教程

好的，这是一本名为《古韵新风：中国传统绘画技法探微》的图书简介，内容聚焦于中国传统绘画的多个方面，但不涉及您提到的《芍药月季蜀葵玉兰画法》中的具体花卉描绘技巧。 --- 《古韵新风：中国传统绘画技法探微》 内容简介 《古韵新风：中国传统绘画技法探微》是一部深入探讨中国传统绘画艺术精髓的专著。本书旨在为中国画爱好者、初学者及专业研究者提供一份全面而详实的技法参考与理论指南。全书结构严谨，内容丰富，不仅涵盖了从笔墨基础到章法布局的系统训练，更深入剖析了不同画科的风格演变与核心技法，力求展现中国传统绘画“以形写神”的哲学意境与精妙的物质运用。 第一篇：笔墨基础与材料的对话 本篇着重于中国画的物质基础与基本功训练。我们相信，任何高超的艺术表达都源于对工具与材料的深刻理解与驾驭。 第一章：笔的运用与墨的层次 本章详细解析了不同类型画笔（狼毫、羊毫、兼毫）的特性及其在皴、擦、点、染中的表现力。重点介绍了“提、按、顿、挫”等基本用笔法，以及如何通过控制笔锋的干湿浓淡，实现线条的生命力与质感变化。墨法部分，则系统阐述了“墨分五色”的理论基础与实践技巧。从墨的研磨、水份的控制，到焦、浓、重、淡、清五种墨色的具体运用，配以大量的图例，指导读者如何利用墨色的微妙变化，塑造物体的体积感和空间层次。特别收录了“泼墨法”、“破墨法”在构建大场景中的应用范例。 第二章：纸张的选择与适应性训练 宣纸作为中国画的载体，其吸水性与肌理对最终效果至关重要。本章分类介绍了生宣、熟宣及皮纸的特性。针对生宣的洇化特性，我们设计了一系列控制洇墨范围的练习，以避免画面失控；而针对熟宣的涩笔特性，则强调了线条的力度与节奏感。此外，还探讨了绢本（绫、罗）在工笔重彩中的独特表现力及其特殊的装裱要求。 第二篇：线描的骨力与形神的捕捉 中国画的核心在于“线”。本篇聚焦于中国画的骨法用笔，这是区别于西方素描的重要特征。 第三章：传统线描的“十八描”解析 本章系统梳理了传统白描中的经典线描技法。详细剖析了如“铁线描”的刚劲有力、“兰叶描”的圆润流畅、“高古游丝描”的细致入微等。通过对古代名家（如顾恺之、陈老莲）作品的局部解构，展示了不同线条如何精准地传达物体的结构、质感与精神气质。练习部分强调对线条的“气韵生动”的追求，而非简单的描摹轮廓。 第四章：皴法的演变与地域风格 皴法是中国山水画表现山石树木的主要手段。本章按照历史脉络，梳理了如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主流皴法的起源与发展。重点分析了董源、巨然的浑厚之风与李唐、马远的锐利之变。通过对比不同流派的皴法，读者可以清晰地理解“画家胸中有丘壑”是如何通过独特的笔触转化为具体的视觉符号。 第三篇：山水画的意境营造与空间构建 本篇深入探讨山水画的理论体系，侧重于如何通过构图和意境表达哲学思想。 第五章：传统山水画的章法布局 本章讲解了中国画中独特的“三远法”（高远、深远、平远）在构建画面空间上的应用。通过分析多幅经典山水画的结构，揭示了如何巧妙地运用留白（计白当黑）来引导观者的视线，制造“虚实相生”的韵味。内容涵盖了主体物的安排、视觉焦点（焦点透视）的设定以及如何利用云雾处理过渡区域，使画面既有层次感又不失气韵连贯。 第六章：点景与氛围的烘托 山水画中的点景物（如亭台、人物、水波）是烘托主体气氛的关键。本章介绍了点景人物的比例规范（如宋代李唐画派中的人物处理），以及“介字点”、“胡椒点”等传统点法在表现树木和苔点的技巧。如何通过这些细小的元素，使整幅山水画在磅礴之中透露出人文气息，是本章的核心探讨点。 第四篇：花鸟画的写意精神与造型规律 本篇转向花鸟画领域，重点关注写意精神如何体现在对自然生命的观察与提炼上。 第七章：禽鸟的结构与动态捕捉 本章侧重于鸟类形象的提炼。不同于西方的精确解剖学，中国画更强调抓住禽鸟的“神态”。内容包括了对不同种类鸟类（如鹰、雀、鹤）的翅膀结构、羽毛的层次感和飞行姿态的速写练习。重点讲解了“墨分五色”在表现鸟类羽毛光泽和体积感时的应用，以及如何用一两笔关键线条定格其神采。 第八章：花卉的写意取神与传统赋彩 本章探讨了传统花卉画中“写意”的核心概念，即“不似之似”。本章区分了写意花卉与工笔花卉在造型上的侧重点。在赋彩方面，详细介绍了矿物颜料（如朱砂、石青、石绿）的特性，以及“三矾九染”的层层上色法，指导读者如何在保持墨韵的基础上，赋予花卉生命力的色彩。并介绍了没骨画法中，利用色彩自然交融来表现花瓣的柔嫩质感。 结语 《古韵新风：中国传统绘画技法探微》是一部兼具理论深度与实践指导意义的工具书，它引导读者回归笔墨的本质，体悟中国传统艺术中天人合一的哲学思想，从而在继承传统的基础上，开创属于自己的绘画语言。本书图例丰富，注释详尽，是每一位致力于中国画学习者案头不可或缺的良师益友。

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坦白说，我是一个追求效率的学习者，对于冗长繁琐的教程常常望而却步。然而，这本书的排版和内容组织结构却恰到好处地抓住了我的注意力。它将复杂的步骤分解成一个个独立的小模块，每一个小技巧都配有清晰的图解说明，即便是像我这样需要反复确认步骤的人也能轻松跟上节奏。我特别欣赏书中关于“设色”部分的论述。作者没有简单地罗列颜料的名称，而是深入探讨了矿物颜料与水性的融合效果，以及如何利用宣纸的洇化特性来营造色彩的自然过渡。有几页关于如何调出那种若有似无的“曙光色”的描述，简直是神来之笔，让我豁然开朗，立刻动手尝试，效果比以往任何时候都要好。这种注重实践且富含创意的教学方式，极大地激发了我继续深入学习的动力。

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这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种淡雅的色彩搭配，瞬间就把人带入了一个宁静而美好的花园意境之中。我尤其喜欢封面上对花卉线条的处理，既保留了植物本身的自然形态，又融入了一种文人画的写意之美。拿到书后，迫不及待地翻开目录，发现内容编排得非常科学合理。从基础的笔墨运用到复杂的构图技巧，每一个步骤都讲解得细致入微。特别是对于不同花卉在不同季节下光影变化的捕捉，作者的观察力令人赞叹。我记得有几页专门讲到了如何用干湿浓淡的墨色来表现花瓣的层次感，那种细腻的笔触转换，即便是初学者也能从中感受到深入的指导。这本书不仅仅是一本技法书，更像是一位经验丰富的老师在耳边循循善诱，让人在学习的过程中充满了探索的乐趣和成就感。

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初次接触中国传统花卉画时，最大的困扰就是如何将自己对自然万物的热爱融入到规矩的笔法之中。这本书在这方面做得极其出色，它没有将技法束缚在僵硬的范式里，而是鼓励读者去观察、去体会。阅读过程中，我深切体会到作者在字里行间流露出的那种对生命力的敬畏。比如，在讲解如何勾勒花萼时，作者强调了“气韵生动”的重要性，并配上了多幅对比图例，清晰地展示了不同下笔力道所产生的精神面貌差异。读完这些章节，我感觉自己对“写意”的理解提升到了一个新的层次。它不再是一个空泛的口号，而是通过具体的笔墨实践展现出来的一种哲学思考——如何用最简洁的线条，去表达最丰富的情感。这种深入骨髓的艺术理解，是很多其他画谱所不具备的宝贵财富。

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这本书给我的最大感受是“温度”。它不像一本冷冰冰的工具书，更像是一本充满生活气息的艺术日记。作者在讲解技法的同时，穿插了一些自己多年绘画的心得体会，以及对所画花卉品种的生动描述。比如，在描绘某种花朵的含苞待放状态时，作者描述了自己曾经在清晨雾气中观察这种花时的感受，那份宁静和期待，让人在学习绘画的同时，也重温了与自然亲近的美好时光。这种情感的注入，使得学习过程不再枯燥，而是变成了一种身心的放松与愉悦。读到最后，合上书本，我感觉自己不仅学习了画技，更被引导去用一种更加诗意和温柔的眼光重新审视周围的世界。

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从专业角度来看，这本书在传统笔墨技法与现代审美理念的结合上做出了一个非常成功的范例。它清晰地展示了如何运用中国画的传统“骨法用笔”，来表现当代人所偏好的那种清新、明快的视觉效果。例如，在对蜀葵的描绘中，作者巧妙地运用了侧锋和卧笔，使得花朵在保持古典韵味的同时，又充满了现代的生命张力，避免了传统画作中可能出现的板滞感。对于那些希望在继承传统的基础上寻求个人突破的画友来说，这本书无疑提供了一个极具启发性的参照系。它告诉我们，真正的创新并非凭空捏造，而是建立在对前人精髓深刻理解之上的升华。这是一本值得反复研读，并能从中汲取新意的案头珍品。

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