中国画自学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:杨耀

出品人:

页数:180

译者:

出版时间:1985-9

价格:7.50元

装帧:平装

isbn号码:9787533000042

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
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• 绘画技巧

水墨之韵：从零开始的中国画自学指南 中国画，这门古老而充满魅力的艺术，以其独特的笔墨意境、写意精神和深厚的文化底蕴，千百年来吸引着无数人心生向往。然而，许多人面对卷帙浩繁的画论、意蕴深邃的古画，常常感到无从下手，望而却步。本书《水墨之韵：从零开始的中国画自学指南》正是为了打破这一藩篱而诞生，它并非一本陈述中国画发展史的学术著作，也非一套收录名家画作的画册，而是一本真正意义上的“自学手册”，旨在为零基础的绘画爱好者提供一条清晰、可行、充满乐趣的学习路径，让每个人都能在方寸宣纸间，领略中国画的无穷魅力，并亲手绘出属于自己的山水、花鸟、人物。 内容导航：循序渐进，构建坚实的艺术基础 本书最大的特点在于其科学的学习体系和由浅入深的教学设计。我们深知，中国画的技法博大精深，但万变不离其宗。本书将繁杂的技法分解为最基本、最核心的要素，并以清晰的逻辑顺序呈现，确保学习者能够稳扎稳打，步步为营。 第一章：初探墨色之道——笔墨的入门与掌握 笔的奥秘： 笔是中国画的灵魂。本章将从最基础的执笔方法开始，详细讲解不同种类毛笔（狼毫、羊毫、兼毫等）的特性及其在运笔时的不同表现。我们将通过一系列“笔画练习”，让学习者掌握提、按、顿、挫、转、折等基本用笔技巧，理解“点、线、面”在水墨画中的基本形态与变化。例如，练习“横线”时，我们将细致讲解如何通过控制笔头的侧锋和墨的浓淡，画出刚劲有力的枝干，亦或是飘逸灵动的流水；练习“点”时，则会引导读者体会“墨点”的体积感和表现力，以及如何通过点的聚散和大小变化来营造气氛。 墨的语言： “墨分五色”是中国画的精髓。本章将深入浅出地讲解“浓、淡、干、湿、焦”五种墨色及其晕染技巧。我们将通过具体的示范，让学习者理解如何通过加水、调墨等方式，获得丰富的墨色变化，并懂得如何在同一画面中巧妙运用，营造出层次感和空间感。例如，如何用“焦墨”勾勒出岩石的坚硬轮廓，用“淡墨”渲染出山峦的朦胧远景，用“湿墨”表现出花瓣的柔嫩欲滴。 纸的脾气： 宣纸是中国画的载体，它的吸水性、晕染性都对画面效果有着至关重要的影响。本章将介绍不同类型宣纸（生宣、熟宣、半生熟宣）的特点，并指导学习者如何根据不同的墨色和技法选择合适的纸张，以及如何预处理宣纸（如加矾）以达到预期的表现效果。 第二章：形神兼备——物象的写生与写意 点睛之笔：勾勒万物 花卉入门： 本节将从最常见的花卉入手，如梅、兰、竹、菊（四君子）以及牡丹、荷花等。我们不会直接教授复杂的构图，而是先从学习描绘单个花瓣、花蕊、叶片的结构和姿态开始。通过示范“单瓣画法”、“花头画法”、“叶片画法”，让学习者掌握“线”在表现花卉时的力度、曲度变化。例如，如何用“瘦金体”般的铁线描勾勒出兰花的挺拔，如何用“柳叶描”表现牡丹的雍容华贵。 翎毛初探： 鸟类的形态和神韵是点亮画面的重要元素。本节将重点讲解不同鸟类的基本结构，以及如何用简练的笔墨表现其羽毛的质感和动态。我们将从最简单的“点鸟”开始，逐渐过渡到“写意鸟”的创作。例如，如何用“墨点”表现麻雀的活泼，如何用“游丝描”勾勒出凤凰的飘逸。 山石入门： 山水画是中国画的重头戏。本节将从最基本的山石皴法入手，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等，讲解它们各自的特点和适用场景。通过大量的临摹和写生指导，让学习者能够理解不同皴法如何表现山石的肌理和体积感。我们将从简单的“点苔”开始，逐步学习描绘山峰的轮廓和纹理。 神韵之韵：形散而神不散 花卉写意： 在掌握了花卉的基本勾勒之后，本章将引导学习者从“形”向“神”的转变。讲解如何通过墨色、水分的巧妙运用，以及“写意”的手法，捕捉花卉的生命气息和内在精神。例如，如何用“没骨法”直接用色彩画出花朵的娇艳，如何在简练的几笔中，表现出竹子傲然挺立的风骨。 翎毛神采： 本节将教授如何通过眼神、动态以及简化的笔墨，赋予笔下的鸟禽以生命活力。学习如何表现鸟儿的嬉戏、栖息、鸣叫等不同的神态。例如，如何用“圆眼”表现小鸟的机灵，如何用“撇枝”和“飞白”表现松鼠的灵动。 山水意境： 在熟悉了基础皴法后，本章将重点讲解如何通过构图、墨色层次、留白等手法，营造山水的意境和氛围。学习如何表达“气韵生动”，让画面不仅仅是景物的描绘，更是情感的抒发。例如，如何通过“墨块”表现山体的厚重，如何通过“留白”营造云雾缭绕的朦胧感。 第三章：构图的智慧——画面的布局与经营 天地之间：章法的奥秘 留白的魅力： 中国画的“留白”并非空白，而是“虚实相生”的重要组成部分。本章将详细讲解留白在构图中的作用，如何利用留白表现空气、空间，以及如何让留白本身具有意象。 “三远”法： 讲解中国山水画中的“高远”、“深远”、“平远”三种经典构图法，并提供范例指导，让学习者理解如何运用这些方法来展现不同的空间感和视觉效果。 虚实相生： 深入探讨中国画的构图理念，如何将实体与虚体、有形与无形巧妙结合，形成富有张力的画面。 经营位置：画面的动态与平衡 黄金分割与九宫格： 引入一些西方构图的辅助原理，但强调要与中国画的传统审美相结合，指导学习者如何安排画面中的主要物象，使其既有视觉焦点，又整体和谐。 长卷与扇面： 针对不同尺寸和形状的画纸，讲解其独特的构图方式和表现技巧，如长卷的叙事性，扇面的聚焦点。 景别与视角： 学习如何运用不同的景别（远景、中景、近景）和视角来丰富画面层次，引导观者的视线。 第四章：色彩的运用——水墨中的色彩点染 五彩斑斓：色彩的基础知识 色彩的构成： 简单介绍色彩的基本原理，如三原色、三间色等，以及色彩的冷暖、对比等概念。 矿物颜料与植物颜料： 讲解中国画常用的颜料种类，如石青、石绿、赭石、花青、藤黄等，以及它们的特性和使用方法。 画龙点睛：色彩的点染技巧 “宣染”之法： 讲解如何将色彩融入水墨之中，既保持水墨的韵味，又赋予画面生机。学习“破墨”、“积墨”、“渲染”等色彩运用技巧。 写意赋彩： 强调色彩在写意画中的作用，并非写实，而是传达情感和意境。如何用大胆而富有表现力的色彩，打破水墨的沉闷，增添画面的感染力。例如，如何在写意的梅花中点染一抹嫣红，如何在清冷的竹林中点缀几点朝霞。 第五章：笔墨的综合运用——从临摹到创作 循序渐进：经典范本的临摹 名家精选： 精选适合初学者的历代名家作品，如赵孟頫的《水墨兰》，文徵明的《墨竹》，八大山人的《花鸟》，齐白石的《虾》《蟹》等。 临摹方法： 详细讲解临摹的步骤和要点，包括“读画”、“打格”、“勾描”、“填色”等，以及如何通过临摹理解名家的笔墨语言和创作理念。 融会贯通：走向独立的创作之路 写生实践： 鼓励学习者走出书斋，走向自然，对花卉、景物进行写生，培养观察能力和造型能力。 意境构建： 学习如何将写生所得与个人情感、艺术理念相结合，创作出具有个人风格的作品。 创作流程： 指导学习者从构思、起稿、用笔、用墨、用色到最后的落款、用印，完成一幅完整的作品。 贯穿始终的理念： 本书并非简单地堆砌技法，而是始终贯穿“笔墨写意”、“气韵生动”的中国画核心理念。我们强调，中国画的学习不仅仅是技巧的掌握，更是心性的修炼和精神的陶冶。在学习过程中，我们会引导读者去感受自然，去体会生活，去挖掘内心的情感，并将这些转化为笔下的墨韵。 学习的收获： 完成本书的学习，您将： 掌握中国画最基本、最核心的笔墨技法。 能够独立完成简单的人物、山水、花鸟画创作。 理解中国画的写意精神和艺术审美。 培养敏锐的观察力、造型能力和审美情趣。 开启一段与中国传统艺术对话的美妙旅程。 《水墨之韵：从零开始的中国画自学指南》是一本真正属于您的绘画伴侣。它将陪伴您跨越初学的门槛，走进中国画那片广阔而迷人的天地。让我们一起，用笔墨，勾勒出属于自己的诗意与远方！

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我是一个对中国传统文化有着浓厚兴趣，但又被其博大精深所震慑的“门外汉”。这套书的结构设计非常人性化，它似乎预设了初学者的困惑，并提前给出了解决方案。它的难度递进关系处理得非常自然流畅，从最基础的线条练习，到简单的物象组合，再到复杂的场景构建，每跨越一步都有扎实的练习作为支撑。我尤其欣赏书中对“意境”的探讨，虽然国画重在写意，但初学者往往只关注形似。这本书并没有回避“写意”这个抽象的概念，而是通过讲解中国哲学思想对绘画的影响，让我开始思考下笔的内在含义。这种兼顾了技法训练和文化熏陶的做法，让学习过程变得更有深度，不至于沦为简单的技能复制。如果能增加一些古代画论的精选片段作为拓展阅读，那就更符合我这种既想学技法又想了解文化根源的心态了。

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这套画册，拿到手里就感觉分量十足，纸张的质感很好，印刷的色彩也相当到位，能明显看出对细节的处理非常用心。虽然我不是科班出身，对国画的基础知识了解得不算太深，但从这套书的编排上就能感受到作者的深厚功底和教学热情。尤其是对笔墨皴法的讲解，图例丰富得令人惊叹，每一个步骤都拆解得非常细致，即便是初学者也能跟着图示一步步模仿，不至于感到无从下手。书中对于传统经典作品的临摹范本选择也颇为独到，既有大家耳熟能详的经典，也有一些容易被忽略但同样值得细品的佳作，这对于拓展视野很有帮助。不过，我个人更希望在讲解构图原理和章法布局时，能够再多一些理论性的探讨，毕竟光靠模仿是走不远的，理解背后的逻辑才是关键。但总体来说，作为自学者入门的敲门砖，这套书的实用性是毋庸置疑的，值得反复揣摩。

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这套书给我的感觉是，它不像是一本教学指南，更像是一份精心准备的“艺术修行手册”。它的文字表达非常克制和精炼，没有过多的渲染和空泛的赞美，所有的重点都落实在如何通过练习来达成艺术目标上。我特别喜欢书中关于“用笔”的细致讲解，它深入剖析了中锋、侧锋在不同情境下的效果，并配有放大镜一样的局部特写图，这对于提高笔触的控制力至关重要。我坚持每天抽出固定的时间来临摹书中的范例，坚持了一段时间后，明显感觉到自己的手腕和手指的灵活度有了质的飞跃。唯一让我略感不足的是，在涉及用色的部分，由于是印刷品，很多微妙的洋红、赭石、花青的调和效果，在纸面上呈现得不够准确，这在学习工笔重彩时可能会造成一定的学习障碍。不过瑕不掩瑜，作为案头常备的工具书，它的价值是毋庸置疑的。

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作为一个长期在国外学习艺术的爱好者，我一直在寻找能够真正连接本土传统艺术精髓的教材。这套书的出现，简直是及时雨。它的装帧虽然朴实，但内容却是极其扎实的。我注意到书中对不同画科（山水、花鸟、人物）的侧重点有明显的区分，并且针对性地提供了适合不同阶段练习的材料。例如，在山水画的部分，它对“点苔”和“留白”的处理给予了极大的关注，这恰恰是西方绘画中较少强调的东方美学精髓。我发现，当按照书中的要求反复练习那些看似简单的皴法组合时，我对中国山川的理解似乎也在悄然发生变化，那不是单纯的描摹，而是一种心境的捕捉。如果能针对不同地域的画派风格（如南宗与北宗的差异）做更深入的对比分析，对于希望全面了解国画历史脉络的学习者来说，会更有价值。

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说实话，我抱着试一试的心态买了这套书，毕竟市面上关于国画的教程多如牛毛，真正能沉下心来读完并坚持下去的不多。这套书最打动我的地方在于它的“烟火气”。它没有那种高高在上的学院派腔调，而是像一个经验丰富的老先生，手把手地教你如何握笔、如何调墨。特别是关于墨色的浓淡干湿变化，书中用了很多对比图来说明，那种微妙的层次感，仅仅通过文字是很难描述清楚的，但这里的图示几乎是把我带入了那个实际操作的环境。我特别喜欢其中关于花鸟画局部细节的刻画，比如画一片竹叶，从叶脉的走向到叶尖的卷曲，都有详细的示范，这对于提高画面的生动性帮助太大了。唯一的遗憾是，配套的视频资源如果能更丰富一些，那就更完美了，毕竟看真人示范操作跟看静止的图片还是有差距的，但即便是纯粹依赖书本，它也已经远超出了我的预期。

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