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出版者:

作者:Atphoto

出品人:

页数:327

译者:李红姬

出版时间:2008-12

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787115183347

丛书系列:

图书标签:

• 摄影
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古籍修复与传统装帧技艺探微 —— 一部关于时间、技艺与纸张生命的深度探索 本书并非聚焦于数字时代的图像捕获与后期处理，而是将读者的目光引向一个更为古老、更具人文温度的领域：传统古籍的保护、修复与经典装帧艺术的传承。 我们旨在深入挖掘那些在历史长河中沉淀下来的纸张、纤维与墨迹所承载的独特生命力，以及支撑这份“生命”得以延续的精妙手工技艺。 本书内容聚焦于中国传统文献的物质载体保护学与工艺实践，详细梳理了自宋元以来的典籍装帧演变脉络，并用大量的图例和步骤分解，详尽阐释了修复与再生的各个环节。 --- 第一部分：文献的生命周期与腐朽的哲学 本部分首先从文献学的角度审视纸张的“老化”过程。我们探讨的不是像素的损失，而是纤维素的降解、酸性残留物对纸张强度的侵蚀，以及虫蛀、水渍等自然灾害留下的物理印记。 1. 纸张的植物学基础与化学变迁： 原料考辨： 深入对比麻纸、皮纸（如宣纸、竹纸）在不同历史时期的配方差异及其对耐久性的影响。例如，探讨宋代高质量的稻草纸与明清时期用于大量印刷的粗糙纸张在酸碱度上的显著区别。 霉变与虫害的微观分析： 描述真菌孢子在湿热环境下的生长机制，以及蠹虫（如衣鱼、蛀书虫）啃食纤维的路径分析，为后续的防虫处理提供理论基础。 墨色的稳定与褪变： 分析松烟墨、油烟墨在不同光照和湿度条件下发生的氧化反应，以及朱砂批注的化学性质变化。 2. 典籍的物理形态演变史： 从卷轴到册页： 详细描绘早期抄本的卷轴装（如经卷）如何适应携带与陈列需求，以及“经折装”的产生与流行，分析其在阅读体验上的优劣。 拍叶、擘样与蝴蝶装的兴衰： 深入解析“蝴蝶装”作为宋元时期标志性装帧形式的结构原理——双面对裱技术，以及其易于受潮散页的缺陷，这直接促成了下一阶段的革新。 --- 第二部分：修复的艺术——环境控制与物质介入 这是本书的核心技术部分，全面涵盖了古籍修复的“保守疗法”与“重建手术”。强调的原则是“最小干预”与“可逆性”。 1. 环境控制与预防性保护： 微气候的构建： 讲解如何利用博物馆级的恒温恒湿柜（或简易的隔离箱）来稳定纸张的含水量，防止纸张的胀缩。讨论相对湿度（RH）在45%到55%之间的理想区间及其影响因素。 无酸化处理的应用： 介绍文献级别的无酸浸泡剂（如碳酸镁、碳酸钙水溶液）对纸张进行中和处理的过程，以及如何精确控制浸泡时间，避免纤维过度软化。 物理隔离技术： 详细介绍隔离纸张（如薄棉纸、丝绢）在加固破损处的应用，着重强调材料的透气性与长久稳定性。 2. 纸张的“移植”与“补洞”技术： 配纸的选择与调色： 修复用纸（补纸）的选择至关重要。本节教授如何根据待修古籍的年代、纤维结构（如粗细、纹理），筛选出合适的再生纸浆或手工纸。重点剖析“混浆调色”——通过添加微量天然染料（如栀子黄、槐米提取物）来模仿古籍的陈旧色泽，使修补痕迹达到“隐形”的效果。 湿法修补的精确操作： 细致分解从撕纸、浸润、铺浆、刮平至阴干的全过程。使用竹签、骨刀等传统工具，如何在极薄的层面将新纸与旧纸纤维“融为一体”，避免出现明显的“补丁感”。 浆糊的调制与应用： 对比不同浆糊的性能。详细介绍传统面粉浆（小麦淀粉）和天然蛋白质浆（如动物胶）的配比与熬制火候，以及它们在不同修复部位（如书页、书脊衬布）的最佳应用方式。 --- 第三部分：古典装帧的结构美学与工艺重现 修复后的典籍需要重新赋予其结构上的完整性。本部分着眼于如何重现或优化古代的装帧形式。 1. 经折装与锁线法的结构还原： 经折的折痕处理： 探讨如何通过“重叠压实”而非简单地重新折叠，来恢复经折装原本的立体感和方正感。 线装工艺的精细化： 详细解析清代以来主流的“线装”结构。从打孔（眼位）的精确计算（遵循古籍中“二孔”、“四孔”或“六目”的传统规则），到棉线或丝线的选择（强调线的韧性与耐老化性），再到“麻花结”与“龟背纹”的打法，图解每一步骤的受力点与美学要求。 2. 封面材质的考究与制作： 绫绢与纸板的结合： 阐述用宣纸、锦绫或仿古麻布作为封面裱糊材料的标准流程。讨论封面纸张的韧性如何为内页提供结构支撑，以及如何处理封面与书脊交接处的“圆角”过渡。 书签与题签的制作： 介绍传统书签（如纸签、丝带）的嵌入技术，以及手抄或木刻的题签的装裱规范，使书籍信息清晰且符合时代风格。 --- 第四部分：收藏环境的维护与典籍的流传史 修复完成后，如何确保这份来之不易的成果能够长久保存，是收尾的关键。 1. 科学的存储与陈列： 防尘与防光策略： 探讨如何为古籍设计透气的书匣（如木质或无酸纸板盒），以及在陈列时避免紫外线和可见光对墨迹的长期伤害。 湿度应急预案： 制定针对突发性渗水或高湿环境的快速抢救流程，特别是针对已经受潮膨胀的纸张如何进行缓慢干燥处理，避免因干燥过快而产生脆裂。 2. 文献流传的“身份”： 藏书印与题跋的保护： 探讨历代藏书者的朱泥印章和墨迹题跋本身也具有极高的史料价值。如何在其脆弱的表面进行保护性加固，防止印泥脱落。 版本学的交叉印证： 结合修复经验，反推某一装帧技艺在特定历史时期的普及程度，从而辅助判断书籍版本的真实性与流传路径。 本书最终呈现的，是一套严谨而富有情感的技艺体系。它要求修复者不仅是工匠，更是历史的参与者和时间流逝的见证者。我们通过复原纸张的物理结构，实则是在维护一段段尘封的文化记忆。 本书适合对象： 博物馆及图书馆的专业修复人员、传统工艺美术爱好者、古籍收藏家、历史文献学研究者。

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这本书的排版和设计简直是一场视觉盛宴，但吸引我的绝不仅仅是精美的印刷质量。它的叙事风格非常跳跃和个性化，不像传统的技术手册那样按部就班。它更像是一位经验丰富、脾气古怪的摄影导师，带着你一起在光影的世界里游走。比如，它有一章专门讨论“寻找决定性瞬间”的心理准备过程，那位作者用了一种近乎哲学思辨的方式来描述如何预判事件的发生，那种描述听起来更像是文学作品，而不是技术指南。我读到他分析某张著名的街头摄影作品时，详细拆解了拍摄者在按下快门前那一秒钟的心跳、呼吸和环境判断，这种沉浸式的代入感是其他书籍从未给我的。再说到后期处理的部分，它没有列举一堆生硬的参数设置，而是专注于“情绪表达”的构建。如何通过调整暗部细节来烘托压抑的氛围，如何利用高光部分的渐隐来营造梦幻感，这些描述都是基于艺术感而非纯粹的数值调整。它让我意识到，修图不只是修正错误，更是一次二次创作，是对原始素材情感的再提炼。这本书的价值在于，它不仅仅教会你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么要这么做”，让你在技术和艺术之间找到了一个微妙的平衡点。

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这本书真正厉害的地方在于，它将数码技术与传统的摄影哲学进行了完美的融合，尤其是对“光影的捕捉”这件事的探讨，简直是鞭辟入里。它并没有被数码时代的各种便利所迷惑，反而更加强调了对自然光线本质的理解。书中有一段关于“曝光三角”的讨论，它并没有将快门速度、光圈和ISO视为三个独立的操作按钮，而是描述它们是“对时间、空间和感知的三个维度进行权衡与选择”的过程。这种抽象的描述，反而让我对曝光有了更深层次的领悟。当我再次拿起相机时，我的思维模式发生了根本性的变化，我不再是机械地计算曝光值，而是在脑海中迅速模拟不同设置下光线会在传感器上留下的“印记”。此外，书中对高动态范围（HDR）的处理部分也极为精妙，它没有推荐那种一看就是“假”的、细节过曝的HDR效果，而是专注于如何通过包围曝光和精细的通道合成，来展现人眼所能感受到的、但单次曝光无法记录的真实世界。这本书是一部关于“看见”的指南，它教你如何调动所有技术手段，去忠实、甚至升华地记录下你眼中所见的世界，充满了对摄影艺术的敬畏之心。

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这本书的深度远超出了我对一本摄影技术书籍的预期，它甚至涉及到了摄影史和当代视觉文化的一些思考。在讲解如何构图时，它没有停留在传统的“三分法”或“黄金分割”，而是引用了大量的文艺复兴时期的绘画作品作为参考，讨论了人类视觉在不同文化背景下的偏好和接受度。这种跨学科的引用，让阅读过程充满了惊喜和启发。例如，它讨论如何运用“负空间”来增强主体的存在感时，引用的案例来自于日本的禅宗美学，而不是常见的风景照。这使得书中的每一个构图建议都带上了一层深刻的文化底蕴。对于那些追求高级感的摄影师来说，这本书提供了一个从“技术执行者”向“视觉思考者”转变的路径。它鼓励读者去挑战既有的视觉习惯，去探索那些不那么舒适但更有张力的画面组合。我感觉自己像是在上一个由一位博学的策展人主持的讲座，而不是在学习如何操作相机。书中的案例选择也极其考究，涵盖了从微距到天文摄影的广泛领域，但核心思想始终围绕着“如何用光线讲故事”这一主线，体现了极高的专业素养和广博的知识面。

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这本书拿到手里，沉甸甸的感觉就让人对它的内容充满期待。我原本以为这会是一本那种教科书式的、枯燥地讲解光圈、快门和ISO的入门读物，毕竟书名里带着“数码单反摄影”这几个字。然而，翻开前几页我就发现我错了。它并没有花大篇幅去重复那些网上随处可见的基础知识，而是直奔主题——如何真正用好你手中的这台机器，拍出那些“有感觉”的照片。比如，它深入剖析了不同光线下，感光度对画面噪点和纯净度的影响，不仅仅是告诉你“高ISO噪点多”，而是给出了大量的实拍对比案例，告诉你某个特定场景下，比如黄昏时分的城市剪影，如何平衡高ISO带来的细节损失和慢门带来的模糊风险。书中对于色彩科学的讲解也极其到位，它不是简单地停留在“色温”的概念上，而是探讨了传感器对不同波长光线的捕获差异，以及如何在后期中模拟出胶片时代那种独特的色彩倾向。我尤其欣赏其中关于“直出JPEG”和“RAW格式后期空间”的深度对比分析，那一部分让我彻底明白了为什么专业摄影师几乎都坚持使用RAW，因为它保留了图像最原始的动态范围信息，为后续的精细调整留下了巨大的余地。对于那些已经掌握了基本操作，但总觉得照片“差点意思”的进阶爱好者来说，这本书简直就是一剂猛药，它强迫你去思考，每一张照片背后的创作意图和技术取舍。

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我对摄影后期处理的认知，很大程度上被这本书彻底颠覆了。我原以为后期就是把照片调亮、锐化、加个滤镜完事。但这本书里关于“非破坏性编辑理念”的阐述，简直是打开了一个新世界的大门。它详细介绍了分层、蒙版、色彩空间转换这些听起来很专业，但实际上极其实用的技巧，并且用极其直观的图示来解释了它们在实际应用中的效果。比如，它花了大量篇幅讲解如何精确地控制皮肤的纹理细节，避免在美化人像时造成“塑料感”的灾难。这种对细节的苛求，从前期拍摄的景深控制，一直延伸到后期皮肤的微小高光捕捉，形成了一个完整的闭环思考。更让我印象深刻的是，它对不同文件格式在输出时的色彩管理流程进行了细致的描绘，比如从Adobe RGB到sRGB的转换，以及在不同显示器上的色彩偏差问题，这些都是我之前完全忽略的“幕后工作”。这本书将复杂的数字图像处理过程，拆解成了可以按部就班操作的流程，但同时又强调了理解背后的原理，避免了死记硬背参数。它不是一本工具书，它更像是一份关于数字图像生命周期的完整蓝图。

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这类书都大同小异，读一本纽摄足矣。

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韩国人写的啊貌似是。好吧 还是清晰了好几个之前很模糊的概念。我只是纯粹因为新闻中心图片组要测试才看的= =

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这类书都大同小异，读一本纽摄足矣。

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