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出版者:中国青年出版社

作者:克里斯·乔治

出品人:

页数:320

译者:魏晓燕

出版时间:2008

价格:79.00元

装帧:平装

isbn号码:9787500684398

丛书系列:

图书标签:

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《光影魔术师：超越相机的视觉表达》 这是一本关于如何用镜头捕捉世界，并赋予画面生命力的指南。它将带领你踏上一段从构图到后期，从初学者到进阶的视觉探索之旅。 第一部分：唤醒你的摄影之眼——构图与光影的艺术 摄影，并非仅仅按下快门那么简单。它是一门关于观察、理解与表达的艺术。本书的第一部分，将致力于帮助你培养一双真正会“看”的眼睛，捕捉那些稍纵即逝的瞬间，并用光影雕刻出独一无二的视觉语言。 洞察万象：认识你的拍摄对象 主体与背景的对话： 学习如何清晰地界定你的拍摄主体，并巧妙地处理背景，让它成为主体的衬托而非干扰。我们将探讨虚化背景的技巧，如使用大光圈镜头、调整焦距，以及寻找纯净的背景环境。同时，也会讲解如何利用背景的纹理、色彩或线条来增强画面的视觉冲击力。 情绪的传递： 摄影是情感的载体。你将学会如何通过捕捉被摄者的眼神、肢体语言、或是环境的氛围来传递特定的情绪，无论是喜悦、忧伤、宁静还是激昂。本书会分析不同情绪在画面中可能呈现的视觉元素，以及如何引导或捕捉它们。 故事的叙述： 每一张照片都可能是一个故事的开端。我们将一同探索如何通过构图来构建叙事性，例如运用引导线、前景、后景等元素来引导观者视线，从而讲述一个完整的视觉故事。从静态的画面中读出动态的信息，是摄影的魅力所在。 黄金法则与打破常规：构图的智慧 三分法与黄金分割： 作为最经典也最实用的构图法则，三分法和黄金分割将是本书的重点。你将理解它们的原理，以及如何在实践中灵活运用，让画面更具平衡感与视觉吸引力。我们会通过大量实例分析，展示它们在不同题材摄影中的应用。 框架构图与对称之美： 学习如何利用自然或人造的框架元素（如门框、窗户、树枝等）来框住主体，增强画面的纵深感和焦点。同时，也会探讨对称构图的魅力，以及如何寻找并利用对称来创造稳定、和谐的美感。 留白与负空间： 摄影并非越满越好。本书将强调留白（负空间）的重要性，它能让画面呼吸，突出主体，营造宁静或神秘的氛围。你将学会如何合理地运用负空间，让画面产生更强的视觉张力。 视角与景别： 不同的视角和景别会带来截然不同的感受。我们将深入探讨仰视、俯视、平视等视角，以及特写、近景、中景、远景等景别，并分析它们各自适合表达的情感和信息。学会切换视角，你就能从全新的角度观察和呈现世界。 光影的雕刻：捕捉与运用自然光 光的性质与方向： 理解光线的性质（硬光、柔光、散射光）以及方向（顺光、侧光、逆光、顶光、底光）对画面效果的影响至关重要。本书将详细解析不同光线条件下的拍摄技巧，以及如何利用它们来塑造立体感、质感和氛围。 黄金时段与蓝色时段： 探索日出日落时的“黄金时段”所带来的温暖、柔和的光线，以及日出前的“蓝色时段”所营造的神秘、宁静的氛围。我们将提供在这两个时间段进行拍摄的最佳策略和技巧。 逆光的人像与剪影： 逆光是人像摄影的“魔术师”。你将学会如何利用逆光拍摄出迷人的发光轮廓、梦幻的光斑，甚至创造出极具艺术感的剪影。书中会包含具体的曝光和对焦技巧。 阴影的艺术： 阴影并非画面中的“缺失”，而是塑造空间感和戏剧性的重要元素。我们将教你如何观察和利用阴影来增强画面的立体感、表现力，甚至创造出抽象的图案。 第二部分：驾驭镜头语言——理解与运用你的相机 手中的相机，是你连接现实与影像的桥梁。本书的第二部分，将带你深入了解相机的工作原理，掌握核心的拍摄设置，让你能够根据不同的场景和创意，精准地驾驭你的拍摄工具。 相机的心脏：曝光的三要素 光圈（Aperture）： 光圈的大小直接影响进光量和景深。你将学会如何理解光圈值（f-stop），以及如何根据拍摄需求（如获得浅景深的人像，或清晰的全景风光）来选择合适的光圈。 快门速度（Shutter Speed）： 快门速度决定了曝光时间的长短，直接影响对运动的捕捉。我们将探讨如何利用高速快门定格瞬间，如何利用慢速快门创造丝滑的水流或动态模糊的运动轨迹，并强调三脚架的使用。 ISO（感光度）： ISO决定了感光元件对光的敏感程度。理解ISO与画面噪点之间的关系，学会在低光环境下平衡画质与亮度，是实用摄影的关键。 对焦的艺术：清晰捕捉你的焦点 自动对焦模式： 熟悉单次自动对焦（AF-S）、连续自动对焦（AF-C）等模式，并了解它们各自的适用场景。 对焦点选择： 掌握如何选择和移动对焦点，确保主体始终保持锐利。我们将讲解点对焦、区域对焦等方法，尤其是在拍摄运动物体或人像时。 手动对焦的魅力： 在某些场景下，手动对焦能提供更精准的控制。本书会指导你如何熟练使用手动对焦，尤其是在微距摄影或弱光环境下。 白平衡与色彩的调和 理解色彩温度： 学习不同光源下（如日光、阴天、白炽灯、荧光灯）的色彩温度差异，以及白平衡（WB）如何纠正这些偏差。 自动与预设白平衡： 掌握自动白平衡的灵活运用，以及不同预设模式（如日光、阴天、钨丝灯）的适用性。 自定义白平衡： 学习如何进行自定义白平衡设置，以获得最准确的色彩还原，尤其是在复杂的光照条件下。 色彩模式（Picture Style/Color Mode）： 了解相机提供的不同色彩模式（如标准、鲜艳、人像、风景等）及其效果，并学会根据题材选择。 镜头语言：选择与运用 焦距的魔力： 理解不同焦距（广角、标准、长焦）对画面视角、空间压缩感和畸变的影响。我们将分析不同焦段镜头的特点，以及它们在风光、人像、建筑、特写等题材中的最佳运用。 定焦与变焦： 探讨定焦镜头带来的画质优势和创作限制，以及变焦镜头提供的灵活性。 微距摄影的奇妙世界： 深入探索微距镜头的世界，捕捉肉眼难以察觉的细节，展现微观世界的壮丽。 特殊镜头（如移轴镜头、鱼眼镜头）： 简要介绍一些特殊镜头的功能和创意应用，拓展你的视觉可能性。 第三部分：数码后期：释放影像的无限潜能 从相机传感器捕捉到的原始数据，到一张令人惊叹的摄影作品，后期处理是必不可少的一环。本书的第三部分，将带你进入数码后期的世界，学习如何运用专业的软件工具，对照片进行精细的调整和创作，赋予它们更强大的表现力和艺术感染力。 前期准备：RAW格式的优势与工作流程 RAW格式的强大： 深入理解RAW格式相较于JPEG格式的优势，包括更宽广的动态范围、更丰富的色彩信息和更大的后期调整空间。 建立高效的工作流程： 学习如何规划和管理你的照片素材，从导入、整理到备份，建立一套高效有序的后期工作流程，节省时间和精力。 RAW文件编辑器入门： 熟悉常见的RAW文件编辑器（如Adobe Lightroom, Camera Raw等）的基本界面和核心功能。 基础调整：还原与强化 曝光与对比度： 精准调整照片的曝光度，修复过曝或欠曝的区域。学习如何利用对比度来增强画面的层次感和立体感。 白平衡校正： 在后期中进一步校正白平衡，确保色彩的准确性，或根据创意进行色彩风格的营造。 高光与阴影的恢复： 巧妙利用高光和阴影的恢复工具，找回细节，扩展照片的动态范围，避免死黑和死白。 清晰度与锐度： 适度增加清晰度，让画面中的纹理和细节更突出。学习如何精确调整锐度，让主体更加鲜明，但避免过度锐化导致的不自然。 色彩的魔法：调色与风格化 HSL（色相、饱和度、明度）调整： 掌握HSL工具，对画面中的特定颜色进行精细的调整，实现色彩的和谐统一或个性化表达。 色彩平衡与色调分离： 学习如何通过色彩平衡工具来统一画面整体色调，或利用色调分离来创造特殊的视觉效果，如冷暖对比。 曲线工具的深度应用： 深入理解曲线工具，它能够实现最精细的曝光和色彩调整，让你能够精确控制画面的明暗分布和色彩走向。 创建独特的色彩风格： 探索如何通过一系列颜色调整，创造出属于自己的独特色彩风格，使你的作品具有辨识度。 局部调整与精细修饰 画笔工具与渐变滤镜： 学习如何使用画笔工具和渐变滤镜对画面的局部区域进行有针对性的调整，如提亮天空、压暗前景等。 污点修复与仿制图章： 掌握这些工具，移除画面中的瑕疵，如灰尘、电线、路人等，让画面更干净整洁。 人物皮肤的优化： 学习如何自然地优化人物皮肤，处理痘痘、斑点、皱纹等，同时保留皮肤的真实质感。 二次构图与裁剪： 在后期中进行二次构图，重新审视画面的平衡与焦点，并通过裁剪优化画面的整体表现力。 创意合成与特殊效果 图层与蒙版： 掌握图层和蒙版的基本概念，为后期合成打下基础。 常见的合成技巧： 学习如何将多个元素叠加，创造出超现实的场景，或增强画面的故事性。 模拟胶片效果： 探索如何通过调整来模拟复古胶片或特定风格的胶片效果。 HDR（高动态范围）的运用： 学习HDR的原理和后期处理技巧，在高反差场景中保留更多细节。 星轨、光绘等进阶效果： 介绍一些更具挑战性的后期创意效果，激发你的想象力。 本书的目标： 无论你是刚刚拿起相机的新手，还是希望提升摄影技巧的爱好者，亦或是追求极致视觉效果的进阶者，本书都将为你提供系统、实用、深入的指导。我们相信，通过对摄影理念的理解、对相机功能的掌握以及对后期处理的熟练运用，你将能够真正释放镜头的潜力，创造出超越想象的精彩影像。 这不是一本枯燥的技术手册，而是一次充满启发和实践的视觉探索之旅。让我们一起，用镜头捕捉世界的每一分精彩，用后期赋予它们不朽的生命力！

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我是一个重度“参数党”，买书前最担心的就是内容过于侧重理论而忽略了实战应用的深度。幸运的是，这本书在器材的选择和镜头的特性解析上，提供了非常中肯且实用的建议。它没有一味地推销昂贵的新品，而是深入剖析了不同焦段镜头对画面氛围的影响，比如广角如何营造空间感，长焦如何压缩景深，这比单纯罗列参数表有价值多了。更让我惊喜的是，书中穿插了大量的“现场实操”案例分析。作者会贴出同一场景下，使用不同光圈、快门组合拍摄出的照片，并详细对比每一张的优缺点，以及光影是如何被捕捉和塑造的。这种对比教学法非常直观，我甚至能想象出作者在现场的思考路径。这种对摄影现场“决策过程”的还原，极大地弥补了以往学习中缺乏实战演练的遗憾。看完这部分内容，我感觉自己对“光线语言”的理解提高了不少，不再满足于“拍清楚”，而是开始追求“拍出味道”。

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这本书的后期处理部分，我必须给一个大大的赞。我之前尝试过好几本号称“全能”的后期指南，结果往往是把Photoshop或Lightroom的菜单功能罗列了一遍，操作流程看得人眼花缭乱，最后也只是学会了几个基础的裁剪和调色。然而，这本书的后期讲解逻辑是围绕着“图像修复与风格塑造”展开的，而不是纯粹的软件教程。它会先告诉你一张照片在影调上存在什么问题，然后引出需要用曲线或色阶来解决；接着讨论色彩氛围的营造，再引出HSL工具的具体应用。这种“问题导向”的教学，让我明白每一个调整步骤背后的意义。特别是关于皮肤影调的处理，它没有给出万能的预设，而是强调了不同肤色在不同光线下应如何细微调整，这种精雕细琢的态度，让我对“精修”有了新的认识。感觉自己不再是被动地套用模板，而是主动地去雕琢画面。

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我是一个对细节非常敏感的读者，经常发现有些专业书籍在细节处理上会偷工减料，比如索引混乱，术语不统一，或者图例跟文字描述脱节。这本书在这方面做得非常专业和严谨。所有的专业术语，无论是快门速度的物理意义还是色彩空间的定义，都有清晰的脚注或旁白解释，确保了即便是初学者也不会因为一个陌生的名词而卡住。更难能可贵的是，书中的案例图清晰度极高，所有的细节对比都看得一清二楚，这对于学习后期微调至关重要。比如，在讲解锐化时，它甚至配有放大到100%的局部对比图，让我们能清晰分辨出过度锐化产生的“光晕”和恰到好处的细节提升之间的区别。这种对“可知性”和“可验证性”的极致追求，让这本书的参考价值大大提升。它不仅仅是一本“读完就放下的书”，更是一本可以长期放在手边、随时查阅的工具书和灵感来源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的配色，一下子就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本很枯燥的技术手册，毕竟“数码摄影与后期处理”听起来就挺硬核的。但翻开扉页后，才发现作者的用心。排版非常清爽，图文的比例拿捏得恰到好处，即便是那些复杂的曝光三角、白平衡原理，也能通过清晰的示意图和简练的文字表述得非常到位。我尤其欣赏作者在基础概念讲解上的耐心，没有那种高高在上的技术精英感，而是像一个经验丰富的朋友在手把手教你。比如说，关于景深和光圈值的关系，以前看别的书总是云里雾里，这本书里用生活化的例子一解释，我立刻就明白了，这对于我这种刚入门的摄影爱好者来说，简直是福音。它没有急着灌输复杂的后期软件操作，而是先打好了坚实的理论地基，让我知道“为什么要这么做”，而不是盲目地“怎么做”。这种注重底层逻辑的教学方式，让我对摄影这件事的理解深度提升了一个台阶，感觉不再是单纯地按快门，而是真正开始“思考”画面了。

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坦白说，这本书的装帧质量虽然不错，但真正让我爱不释手的是它那种“人文关怀”的写作风格。很多技术书籍读起来像是在啃干巴巴的教科书，而这本书则充满了作者对摄影艺术的热爱和思考。在探讨“如何讲故事”这一抽象概念时，作者没有空谈理论，而是用了很多篇幅来分析经典大师作品的构图和叙事方式。比如，他会分析一张照片里人物的眼神、肢体的朝向如何引导观众的视线，以及如何在背景中融入微妙的元素来暗示故事的背景。这种对“摄影作为一种表达媒介”的深入挖掘，让我感觉自己提升的不仅仅是技术，更是审美层次。它让我意识到，技术是手段，而最终目的是通过图像与世界进行有效、有力的沟通。这种对深层价值的探讨，是其他侧重工具操作的书籍所无法比拟的。

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什么东西，把简单的事情讲得这么复杂。满足自己的专业优越感

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什么东西，把简单的事情讲得这么复杂。满足自己的专业优越感

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也很基础 废话也挺多的

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也很基础 废话也挺多的

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呃。。。