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出版者:Walther Konig, Koln

作者:Eva Meyer-Hermann

出品人:

页数:121

译者:

出版时间:2006-3-1

价格:USD 68.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783883759838

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 极简主义
• 雕塑
• 装置艺术
• 当代艺术
• 美国艺术
• 材料艺术
• 后抽象表现主义
• 艺术史
• 现代艺术
• 卡尔·安德烈

《卡尔·安德烈：雕塑的物质性与观念的实践》 这部作品集并非简单地记录卡尔·安德烈（Carl Andre）四十余年艺术生涯中的每一件作品，而是深入剖析这位极具影响力的极简主义雕塑家如何通过对材料的极致探索和对空间语言的精准把握，重塑了我们对雕塑的认知。本书旨在揭示安德烈创作背后的哲学思考，以及他如何以一种近乎冥想的方式，将工业材料转化为具有强大观念力量的艺术形态。 本书并非线性梳理安德烈作品的编年史，而是围绕其艺术实践的核心议题展开。第一部分，我们将聚焦于安德烈对“材料”本身的尊重与解放。他摒弃了传统的雕塑技法，如焊接、铸造或雕刻，转而采用现成的工业材料——金属板、木材、砖块等。这些材料被以最直接、最原始的方式呈现，它们的光泽、纹理、重量，以及生产过程留下的痕迹，都成为作品不可分割的一部分。书中将详细探讨安德烈如何选择材料，例如他对钢、铜、铝等金属的偏好，以及这些材料在物理特性上如何直接影响作品的空间感知。我们将通过对《144 Lead Squares》（144块铅方块）、《28 pieces of copper》（28块铜片）等代表性作品的深入分析，理解他如何通过排列、堆叠等简单而富有策略性的手法，赋予材料以全新的意义。这些作品不仅仅是材料的集合，更是材料在特定空间中发生作用的场所，它们的物质性直接触及观者的身体感受。 第二部分，本书将深入挖掘安德烈对“空间”的独特理解与运用。安德烈认为，雕塑的意义不仅仅在于其自身形态，更在于其与周围环境的关系。他的作品往往采取地平线的姿态，将材料直接铺设在地板上，打破了传统雕塑与基座之间的等级关系。这种“大地性”的姿态，使得观者可以绕着作品行走，从不同角度体验其空间维度。书中将分析安德烈作品如何通过其尺寸、形状和排列方式，与展出空间产生对话，甚至改变观者的行走路径和观看习惯。我们将探讨他如何运用“网格”（grid）这一组织原则，通过重复和序列化，创造出具有节奏感和秩序感却又不失变化的视觉体验。对《The Equivalent VIII》（等价八号）等涉及具体展览语境的作品的剖析，将有助于理解安德烈如何通过对材料与空间的整合，营造一种沉浸式的、观念性的体验。 第三部分，本书将探讨安德烈作品中的“语言”与“诗意”。安德烈不仅是一位雕塑家，还是一位诗人。他的诗歌，特别是那些短小精悍、节奏感强的“块状诗”（concrete poems），与其雕塑创作有着内在的联系。本书将尝试揭示这种跨媒介的关联，理解安德烈如何通过文字的简洁、重复和排列，创造出与雕塑作品相似的结构和意蕴。我们将分析他的诗歌如何反映其对语言的物质性、对词语作为“块”的理解，以及这种理解如何渗透到他的雕塑创作中。词语的重量、密度、排列顺序，与材料的物理属性、作品的空间布局，形成一种互文式的关系。书中还将呈现安德烈本人关于其创作理念的访谈，以及评论家对其作品的解读，帮助读者更全面地理解其艺术的深度与广度。 最后，本书将超越对个体作品的分析，探讨卡尔·安德烈在20世纪60年代以来的艺术史中所占据的独特位置。作为极简主义运动的核心人物之一，安德烈对后来的观念艺术、大地艺术乃至装置艺术都产生了深远的影响。本书将梳理他与唐纳德·贾德（Donald Judd）、丹·弗莱文（Dan Flavin）等同代艺术家之间的思想交流，以及他如何以一种“无形式”（non-form）的姿态，挑战了艺术的定义和界限。他提出的“反形式”（anti-form）概念，以及他对艺术家个人情感和主观表达的淡化，都预示着观念艺术的兴起。 这部作品集并非一本简单的图录，而是一次深入的学术探险，旨在呈现卡尔·安德烈艺术实践的复杂性、原创性及其持久的意义。通过对他的材料选择、空间构成、语言运用以及在艺术史中的地位进行系统梳理和深入解读，本书将为读者提供一个理解和欣赏这位伟大艺术家及其作品的全新视角。它不仅是对一位艺术家的致敬，更是对艺术本身边界的一次严肃探索。

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这本书最让我欣赏的一点，是它所展现出的那种对细节的极致追求。Carl Andre 的作品，正如你所知，常常以其极简的形式而闻名。然而，正是这种极简，使得每一个细节都显得尤为重要。一块钢板的边缘处理，砖块的堆叠方式，这些看似微不足道的细节，却往往蕴含着艺术家最核心的意图。这本书的作者，正是抓住了这些细节，并且对其进行了深入的剖析。我曾经花了很多时间去揣摩作者是如何观察到这些细节的，又是如何将它们与作品的整体观念联系起来的。这种对细节的尊重，不仅体现在艺术作品本身，也体现在这本书的写作风格上。它没有浮光掠影的概括，而是步步为营，层层深入，让你在阅读的过程中，不断发现新的惊喜。

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关于这本书，最让我印象深刻的是它所展现出的那种“去中心化”的视角。Carl Andre 的作品，尤其是那些由重复、并置的几何形体构成的作品，似乎在挑战我们传统的审美习惯，那种习惯于寻找一个视觉焦点，一个叙事中心。这本书也巧妙地将这种观念融入了它的分析之中。它不会告诉你“这件作品最重要的地方在于这里”，而是引导你关注作品整体的构成，材料的特性，以及它们在空间中的分布所产生的整体效应。这就像在学习一种新的语言，一开始会有些别扭，但一旦掌握了它的语法和逻辑，你就会发现它所能表达的丰富性和可能性。我常常在阅读时，想象自己置身于艺术家创作的空间，去感受那种没有压迫感，却又充满力量的物质性。它让我明白，艺术的魅力并不总是来自于戏剧性的情节或强烈的情感宣泄，有时，它就藏在最朴素的物质形态之中，等待着你去发现。

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这本书带给我的，是一种关于“真实”的思考。在当今这个信息爆炸，真假难辨的时代，我们很容易被各种表象所迷惑。Carl Andre 的艺术，以及这本书对其的解读，却始终围绕着“物质的真实性”展开。那些钢板、那些砖块，它们本身就具有一种不容置疑的物质存在感。书中的分析，并没有试图赋予它们超越物质本身的意义，而是深入挖掘它们作为“物”的本质，挖掘它们在物理世界中的属性，以及艺术家如何通过对这些属性的运用，来创造出具有视觉和概念力量的作品。这让我反思，在很多时候，我们是不是过于追求那些虚无缥缈的概念，而忽略了事物最基本的真实？这本书就像一股清流，让我重新认识到“物”的力量，认识到最直接的物质存在所能带来的深刻启示。

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Carl Andre 的艺术，在我看来，常常带有一种“在场感”。他的作品，尤其那些直接摆放在地面的作品，似乎不仅仅是摆在那里，它们是“存在”在那里，占据着空间，与环境发生着真实的互动。这本书在捕捉这种“在场感”方面做得非常出色。作者通过对作品尺寸、重量、材质以及它们在特定空间中所占据的位置的详细描述，让我们仿佛能够身临其境，去感受那些作品的实体感。我甚至会在阅读时，想象自己走在那些作品之中，去体验那种被物质所包围的感觉，去感受它们所带来的空间体验。这种对“在场感”的强调，也让我对艺术的理解更加具象化，不再仅仅停留在视觉的层面，而是拓展到了身体和空间的互动。

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这本书，嗯，我得说，它的名字本身就带着一种力量，一种不容置疑的确定性。 Carl Andre。初读之下，你会觉得它就像一件极简的雕塑，stripped down to its bare essentials，没有多余的装饰，没有华丽的辞藻，一切都直截了当，甚至有些粗粝。但正是这种粗粝，却触及了某种更深层次的真实。我花了很长时间去消化它，不仅仅是阅读文字，更多的是去感受作者试图传达的那种纯粹的能量。它迫使你去思考，什么是“物”，什么是“存在”，什么是艺术家与材料之间的对话。我常常在阅读时停下来，望着窗外，试图捕捉那种与书本中描绘的意境相似的静默与力量。它不是那种能让你捧腹大笑或者潸然泪下的故事，它更像是一种智识上的探险，一种对形式和意义边界的不断试探。你会在其中发现一些令人惊讶的联系，一些你从未曾想过的角度，它们如同暗流一样涌动，最终汇聚成一股让你重新审视周围世界的洪流。它不迎合，不讨好，只是安静地在那里，等待着你去发掘它深藏的宝藏。

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我必须承认，初次翻开这本书时，我曾有过一丝犹豫，担心它会像许多当代艺术评论一样，充斥着晦涩难懂的术语和故弄玄虚的理论。然而，随着阅读的深入，这种顾虑被彻底打消了。Carl Andre 以一种令人惊叹的清晰和精准，将那些抽象的概念具象化，让那些原本遥不可及的艺术哲学变得触手可及。我特别喜欢作者在描述某些作品时所使用的语言，它们仿佛拥有触感，让你能“触摸”到材料的质感，“感受”到艺术家在创作过程中的每一次敲击与切割。书中的分析并非是单向度的灌输，而是更像一种邀请，邀请读者一同进入艺术家的思想世界，去体验他创作的初衷和内在逻辑。我甚至会尝试着去模仿书中的一些描述方式，在我的脑海中构建出那些作品的立体影像，去理解它们在空间中的存在方式，以及它们与观众之间产生的微妙互动。这不仅仅是一本书，更像是一个思维的训练场，一个让你学会如何“看”的指南。

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我想特别提一下这本书的节奏感。虽然我之前提到它“stripped down to its bare essentials”，但这并不意味着它显得仓促或单薄。恰恰相反，作者在每一段的铺陈，在每一个概念的引入，都显得深思熟虑，循序渐进。它就像一位耐心的向导，引领你穿梭于 Carl Andre 的艺术世界，让你有足够的时间去消化和理解每一个环节。我曾经尝试过快速阅读，但很快就发现，这种方式会让我错过太多细微之处，太多那些真正让我感到“顿悟”的瞬间。这本书需要一种沉浸式的阅读体验，一种愿意花时间去品味每一个词语，去思考每一个论断的态度。我经常会在阅读一段后，停下来，在笔记本上写下自己的想法，或者在脑海中回溯书中提到的那些作品的图像。这种互动式的阅读，极大地加深了我对作品的理解，也让我对 Carl Andre 的艺术有了更深层次的认识。

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说实话，这本书的某些部分，尤其是关于材料的物理属性和空间关系的讨论，最初让我觉得有些挑战。我并非艺术史的专业人士，对于一些抽象的理论概念，我需要花费更多的时间去理解。但是，让我欣慰的是，作者似乎预料到了这一点，并且用一种非常温和且富有启发性的方式来解释这些概念。他并没有强迫你接受他的观点，而是通过大量的具体案例，通过对作品细致入微的描述，来让你自己去体会和领悟。我曾多次反复阅读同一段落，直到我脑海中清晰地浮现出那个画面，直到我能够理解艺术家选择某种材料、某种排列方式背后的逻辑。这种“润物细无声”式的引导，让我感到非常舒服，也让我觉得，学习艺术理论并非一件遥不可及的事情，它也可以是充满乐趣和发现的过程。

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不得不说，这本书让我对“重复”这个概念有了全新的认识。Carl Andre 的很多作品都大量运用了重复的元素，例如一排排的金属板，或者整齐排列的砖块。在阅读这本书之前，我可能会觉得这种重复有些单调。但通过作者的分析，我开始理解，这种重复并非是为了填满空间，而是为了强调物质本身的属性，为了创造一种节奏感，一种在量的累积中产生的质的变化。书中的论述，让我能够跳出“单调”的固有印象，去体会这种重复所蕴含的哲学意义，体会它如何通过一种看似简单的手法，来触及更深层次的秩序和结构。我甚至开始在生活中留意那些重复的元素，比如建筑的规律性，或者自然界中的某种模式，并从中找到与书中相似的呼应。

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最后，我想说，这本书是一次关于“耐心”的练习。Carl Andre 的艺术，以及这本书的解读，都不是那种能让你瞬间获得满足感的体验。它需要你静下心来，需要你愿意投入时间和精力，去与作品对话，去与作者的观点进行思辨。我曾经尝试过一次性读完，结果发现效果并不好，很多内容都如过眼云烟。我后来改变了方式，把它当作一本可以反复阅读的书，每次阅读都能有新的感悟。它就像一种精神的按摩，让你在缓慢而深入的梳理中，逐渐清晰地看到艺术的脉络，看到艺术家思想的深度。它不提供现成的答案，而是鼓励你去探索，去发现，去建立自己的理解。这是一种非常宝贵的学习体验，让我觉得，真正的理解，总是需要耐心和时间的沉淀。

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