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出版者:甘肃人民美术出版社

作者:姜澄清

出品人:

页数:243

译者:

出版时间:2008-6

价格:29.80元

装帧:

isbn号码:9787805886503

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《光影的律动：西方油画技法演变史》 内容简介 本书深入剖析了西方油画自其诞生至近现代的发展脉络，聚焦于材料、媒介与技法的革新如何驱动艺术表达的深刻变革。我们不探讨东方艺术的哲学根基或笔墨意蕴，而是将叙事锚定于西方世界，通过对特定历史时期技术突破的细致梳理，展现油画如何从一种实用性的媒介，逐步蜕变为承载复杂美学观念的强大工具。 第一章：油画的黎明——早期经验的积累与奠基（约14世纪末至15世纪） 本章追溯了油性媒介在欧洲早期绘画中的初步应用，重点关注尼德兰画派在油料调和与底子上所做的关键性探索。我们将详尽考察蛋黄油、核桃油等早期结合剂的特性，以及它们相对于蛋彩画在光泽度、层次感和色彩纯度上的质的飞跃。 颜料的物理性质研究： 详细分析了如何通过研磨精细度控制颜料颗粒，以及不同矿物和植物颜料在油性介质中的分散性。 湿画法（Alla Prima）的萌芽： 探讨了早期艺术家如何尝试在湿润的油层上进行叠加和融合，为后续的罩染技术打下基础。 木板与麻布的准备： 对早期底子（Gesso）的配方进行深入对比，特别是石膏与动物胶的比例对画面耐久性和光反射性的影响。我们不讨论宣纸的吸墨性，仅聚焦于欧洲支持材料的物理适应性。 第二章：文艺复兴的盛世——透明度与体积感的构建（约15世纪末至16世纪） 随着文艺复兴的推进，油画不再是简单的着色手段，而成为塑造空间深度和人物立体感的精确科学。本章重点剖析了威尼斯画派在光影处理上的革命性贡献。 罩染（Glazing）技术的精细化： 详细解析了提香（Titian）和丁托列托（Tintoretto）如何运用多层、极薄的透明油层来模拟光线穿透物质的效果，而非仅仅依靠明暗对比。我们展示了层叠的折射率如何创造出视觉上的“空气感”。 油画媒介的配方演变： 研究了松脂、达玛树脂等添加剂如何被引入油料中，以改变油层的干燥速度和透明度，从而实现更复杂的色彩叠加。 解剖学与透视学的结合： 强调了精确的结构学知识如何通过油画的媒介特性被视觉化，使人物形象具有前所未有的物质实在感。 第三章：巴洛克与光影的戏剧——对光线的极致操控（约17世纪） 巴洛克时期，油画艺术进入了对情感张力和戏剧性光线的狂热追求。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“暗色调”（Tenebrism）成为了本章的核心议题。 强光与深影的对比策略： 剖析艺术家如何利用底色（Underpainting）的深沉和顶层颜料的厚度差异，在画布上制造出强烈的视觉冲击力，强调光源的单一性与方向性。 笔触的解放： 探讨鲁本斯（Rubens）和伦勃朗（Rembrandt）在处理笔触自由度上的差异。伦勃朗晚期粗粝、厚重的堆叠（Impasto）如何记录了每一次绘制动作，赋予画面肌理生命。 媒介的物质性表达： 关注厚涂颜料在干燥过程中产生的自然纹理，以及颜料本身的物质重量感如何服务于主题的庄严或激情。 第四章：学院派的规范与新古典主义的回归（约18世纪） 随着艺术机构的成熟，油画技法趋向于标准化和“无痕化”。本章考察了新古典主义画家如何致力于消除可见笔触，追求古典雕塑般的完美质感。 “平滑”表面的追求： 分析了画家如何通过细致的打磨和极薄的中间色调过渡层（Scumbling），来掩盖媒介的痕迹，使画面看起来像是“被雕刻”而非“被涂抹”。 色粉的运用与调整： 考察了在干燥过程中，使用干扫（Dry Brush）或稀释的油彩对画面色彩进行微调的技术，以确保色彩的统一性。 第五章：从印象派到后印象派——现代性的技法革命（约19世纪） 本章是油画材料和观念的巨大转折点。工业革命带来的新颜料和对光线本质的科学研究，彻底颠覆了传统技法。 管装颜料的普及与户外写生： 考察了预制颜料如何解放了艺术家，使其能够脱离画室，直接捕捉瞬时的光影变化。 分解色彩的实验： 详细分析了莫奈（Monet）等人如何摒弃传统的混合调色法，转而依靠并置纯色，让眼睛在观看距离上完成色彩的调和。这是一种对视觉科学的直接应用。 结构性笔触的诞生： 重点研究塞尚（Cézanne）如何使用结构性的、有方向性的笔触来“构建”形体和空间，而非仅仅描绘表象。笔触本身成为了画面的逻辑骨架。 第六章：20世纪的解构与重塑——油画媒介的边界探索 进入现代，油画作为一种媒介的固有属性受到前所未有的挑战。艺术家开始探讨颜料与画布、颜料与画布之间的关系。 抽象表现主义中的材料自由： 研究德·库宁（de Kooning）和波洛克（Pollock）如何通过倾倒、滴溅、刮擦等非传统方式，将油料的流动性和粘稠度本身，作为表达主体。 媒介的非物质化处理： 讨论了如何使用稀释剂或混合其他工业材料，来弱化油画的传统厚重感，使其更接近于一种“物质状态”的记录。 对“绘画性”的反思： 本章总结了在机械复制时代，油画如何通过强调其物质痕迹和人为干预，来重新确立其存在的价值和独特性。 本书旨在提供一个技术驱动的西方油画史叙事，关注艺术家如何在工具和媒介的限制与可能性中，不断拓展视觉艺术的边界。全书材料考证详实，配有大量的技法剖面图和显微分析数据，力求为读者提供一个扎实的、技术层面的油画发展史视野。

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这本书的文笔流畅，叙事生动，读起来丝毫不枯燥。作者在介绍中国绘画的各个流派和风格时，并没有生硬地罗列历史事实，而是通过一个个引人入胜的故事，将那些遥远的艺术家的形象和他们的创作理念鲜活地呈现在我眼前。我尤其喜欢书中关于“文人画”的探讨，它让我明白了为何中国画中常常带有诗、书、画结合的特点，以及这种结合背后所体现的文人雅士的生活情趣和精神追求。书中对每一位重要画家的介绍，都不仅仅停留在对其作品的客观评价，更侧重于挖掘其作品背后的人格魅力和思想深度。这让我觉得，中国画不仅仅是技巧的展示，更是一种生活态度和人生哲学的体现。阅读的过程，就像是在与一位博学的朋友漫步在中国艺术的殿堂，每一次驻足，都能获得新的启发和感悟。

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这本书的出现，让我对中国绘画的理解，从“看热闹”变成了“看门道”。我一直以为，要欣赏中国画，需要很高的艺术素养和深厚的文化功底，但这本书以其通俗易懂的语言和层层递进的论述，让我觉得，原来中国画的精神，是可以被大众所理解和欣赏的。作者在书中对“气韵”、“意境”、“神似”等中国画特有的审美范畴进行了清晰的阐释，并结合大量的优秀作品案例，让这些抽象的概念变得具象化、生动化。我尤其喜欢书中对不同时代、不同地域的绘画风格的梳理，让我看到了中国绘画发展过程中所形成的丰富多样性和内在的传承与演变。阅读这本书，就像是在进行一场穿越时空的艺术之旅，我不仅看到了画作本身的美，更感受到了画作背后所蕴含的中国人民的智慧、情感和对生命的热爱。这种全方位的理解，让我对中国绘画产生了前所未有的敬意和喜爱。

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在阅读这本书之前，我一直认为中国画的精髓在于其技法和写意，但这本书让我看到了更深层次的东西——那就是中国画所承载的“精神”。作者通过对历代绘画大师的作品进行深入剖析，揭示了他们在创作过程中所追求的“气韵生动”、“形神兼备”等艺术境界，以及这些境界背后所蕴含的中国传统哲学思想。书中对“笔墨”的讲解尤其令我印象深刻，它不仅仅是描绘工具，更是一种精神的载体，承载着画家的情感、思想和人生感悟。我开始重新审视那些熟悉的画作，发现它们不再仅仅是纸上的图案，而是画家与天地对话、与内心交流的见证。这种“精神性”的解读，让我觉得中国画是一种“活”的艺术，它在不断地与观者进行着精神层面的交流，而这本书，则为我开启了这场交流的“对话模式”。

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这本书的封面设计就足够吸引人了，厚重而又不失雅致，正如中国传统书画所追求的那种“气韵生动”之感。翻开扉页，首先映入眼帘的是精美的排版和考究的纸质，每一处细节都透露出作者和出版方对这本书的用心。作为一名对中国传统文化颇感兴趣的普通读者，我一直以来都觉得中国绘画的世界博大精深，但又常常因为其背后蕴含的哲学思想和文人情怀而感到难以窥探其真正的奥秘。这本书的出现，恰好满足了我这种渴望深入了解的心理。它不像一些学术著作那样枯燥乏味，也不像一些普及读物那样过于浅显，而是以一种娓娓道来的方式，将中国绘画的精神内核一点点剥开，展现在读者面前。我特别喜欢作者在论述过程中穿插的那些生动的故事和鲜活的例子，它们仿佛将历史画卷徐徐展开，让我能真切地感受到那些古代画师们是如何将自己的情感、思想乃至人生哲学融入到笔墨丹青之中的。阅读的过程，更像是一场与古人跨越时空的对话，我仿佛能听到他们笔下的风声雨声，感受到他们心中的喜怒哀乐，这是一种非常奇妙的体验，也让我对中国绘画有了全新的认识和更深的敬意。

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我一直对中国画中的“气韵”和“意境”这两个概念感到好奇，总觉得它们是理解中国画的“灵魂”所在。在这本书中，作者用非常清晰且富有逻辑性的语言，为我层层揭开了这些神秘的面纱。它不仅仅是理论的阐述，更是结合了大量的经典画作案例，将抽象的概念具象化。我尤其欣赏作者在分析作品时，能够深入到画家创作的时代背景、个人经历以及当时的社会文化氛围，从而更全面地理解作品中所传达的精神内涵。例如，书中对某位画家的作品分析，不仅细致地解读了其笔墨技法，还联系了其生平经历中的坎坷，让我明白，那种看似淡泊宁静的画面，背后可能蕴含着多么深沉的情感和坚韧的精神。这种“知人论画”的方法，让我觉得中国绘画的学习不再是枯燥的技巧训练，而是一场深入人心的精神探索。每次读完一个章节，都感觉自己对中国绘画的理解又向前推进了一大步，这种成就感是无与伦比的。

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我一直对山水画情有独钟，总觉得在那些连绵的山峦、蜿蜒的溪流中，隐藏着一种超然物外的精神力量。而这本书，恰恰为我解读这份力量提供了一个绝佳的视角。它不仅仅是罗列了历代名家的山水作品，更重要的是，它深入剖析了在创作这些作品时，画家们所秉持的“天人合一”、“寄情山水”的哲学理念。通过对这些理念的阐释，我才恍然大悟，原来山水画的精髓，并非仅仅是对自然景物的描摹，更是画家内心世界的一种投射。他们笔下的山水，既是客观存在的自然，也是主观情感的载体。书中对“意境”的探讨尤其让我印象深刻，它解释了为何许多中国山水画作品虽然看似留白甚多，却能引发观者无限的遐思。这种“言有尽而意无穷”的艺术手法，正是中国绘画独特魅力的体现，而这本书则为我打开了理解这份魅力的钥匙。我开始尝试着去“读”那些画，去感受画面中流淌的情感和思想，而不是仅仅停留在表面的构图和色彩上，这种阅读方式的转变，让我觉得自己在艺术鉴赏的道路上又向前迈进了一大步。

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作为一名喜爱花鸟画的爱好者，我一直对画作中那些栩栩如生的花卉和神态各异的飞鸟感到着迷。但在这本书的引导下，我才意识到，这些看似简单的描绘背后，蕴含着多么深厚的文化意涵。书中所探讨的“花鸟的象征意义”、“笔墨的生命力”等章节，让我对传统花鸟画有了更深层次的理解。例如，对梅、兰、竹、菊“四君子”的解读，不再仅仅停留在它们的美丽形态上，而是深入挖掘了它们所代表的君子品格和文人情怀。同时，书中对不同笔墨技巧的阐释，也让我体会到，看似简单的点、线、皴、擦，在画家手中却能变幻出无穷的生命力，描绘出花朵的娇嫩、枝干的挺拔、鸟儿的灵动。阅读这本书，就像在品味一坛陈年的老酒，初尝时或许只是清淡，但随着时间的推移，其醇厚甘甜的滋味便会逐渐在口中散开，回味无穷。它让我看到了中国绘画不仅仅是一种视觉艺术，更是一种承载着历史、文化和哲学的精神载体，这种体悟让我对中国传统艺术的敬意油然而生。

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这本书带给我最深刻的感受，是它让我重新认识了“留白”的艺术。在中国画中，那看似“空白”的地方，往往比画面上着墨之处更能引人深思。作者在书中对“留白”的阐释，让我明白了它并非“什么都没有”，而是“无限可能”。它是一种虚实相生的境界，是画家留给观者想象的空间，也是中国哲学中“虚实相生”思想在绘画中的体现。通过对不同作品中“留白”运用的分析，我开始体会到，那些空白之处，可以承载山川的辽阔、意境的深远，甚至是一种无法言说的情感。这种对“无”的极致运用，恰恰是中国绘画精神的独特之处，也是它区别于西方写实绘画的关键所在。阅读过程中，我仿佛置身于一个禅意盎然的世界，在静谧的空白中，感受着笔墨之外的力量，这种体验是前所未有的，也让我对中国绘画的含蓄与内敛之美有了更深刻的领悟。

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作为一名对中国文化有着浓厚兴趣的普通爱好者，我对这本书的期待很高，而它也确实没有让我失望。它为我打开了一个全新的视角，去理解中国绘画为何拥有如此独特的魅力。书中对于“笔墨”的阐释，让我从技法层面上升到了精神层面，理解了为何一根线条、一个墨点，在不同画家的手中，能够焕发出如此不同的生命力。作者对于“意境”的探讨，更是点亮了我欣赏中国画的“盲区”，让我明白了那些留白之处，并非空无一物，而是承载着无限的可能性，是画家留给观者的想象空间。书中对许多经典画作的深入解读，让我仿佛亲身走进了那些画卷之中，去感受画家所要表达的情感和思想。这种“浸入式”的阅读体验，让我觉得中国画不仅仅是一种视觉艺术，更是一种精神的寄托和心灵的慰藉，而这本书，正是引领我走进这份精神世界的最美向导。

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对于我这个非专业的读者来说，能够理解中国画背后深层的哲学思想，一直是件颇具挑战的事情。这本书的出现，极大地降低了我的门槛。作者善于将一些抽象的哲学概念，例如“道法自然”、“形神兼备”等，巧妙地融入到对绘画作品的分析中，使得这些概念不再是高高在上的理论，而是变得生动有趣，与画面中的一笔一画紧密相连。书中的论述结构清晰，逻辑严谨，而且举例恰当，不会让人觉得难以理解。我特别喜欢作者在介绍某位画家时，不仅分析了他的画作风格，还会追溯其思想的渊源，以及这些思想如何影响了他的艺术创作。这种“由表及里”的解读方式，让我觉得中国画的欣赏，不仅仅是看画，更是读懂画背后的那个时代、那个思想、那个画家。每一次阅读，都像是在一次次的“顿悟”，对中国画的理解也越发醇厚。

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感触最深的一点就是张旭要是成不了草书大家真是天理难容，要不人家能成事儿。。。

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内容结实。断断续续看了两遍，还是不够。

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未觉有趣