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出版者:人民美术出版社

作者:(日)秋山光和

出品人:

页数:231

译者:常任侠

出版时间:1978

价格:1.10元

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《东方意境：东亚绘画的精神之旅》 本书并非一部梳理日本绘画史的详尽目录，而是一次深入东亚艺术腹地的精神探索。我们并非以时间为轴线，逐一列举年代、流派和大师，而是试图揭示隐藏在那些绚丽色彩、精妙线条背后的共通精神与哲学基石。 从古代中国早期墓室壁画中原始的生命祈愿，到唐宋时期山水画中对天地自然宏大叙事的描绘；从朝鲜王朝时期民画中朴拙而充满生活气息的图腾，到越南早期绘画对佛教和本土神话的独特诠释。本书将引导读者穿越时空，感受不同文化背景下，艺术家们如何以笔墨为载体，表达对宇宙、人生、情感的理解与感悟。 我们不关注“谁是第一个画出某种风格的艺术家”，而是聚焦于“为何艺术家们会以这种方式来描绘”。例如，在中国绘画中，“气韵生动”不仅仅是一种评判标准，更是艺术家追求的终极目标，它要求画面不仅形似，更要传递出对象的生命力和精神气质。这种对“神似”的追求，是如何影响了后来的朝鲜和越南绘画，又如何在日本艺术中演变出独特的“物哀”之美和“侘寂”精神？ 本书将深入探讨那些贯穿东亚绘画的几个核心主题： 自然观的演变： 从远古的崇拜自然、神灵，到文人墨客将山水视为精神寄托和人格象征；从佛教语境下对轮回、空性的描绘，到道家哲学中对“道法自然”的体悟。我们将看到，自然在东亚艺术中，始终是艺术家们观察、思考和表达的母体，它既是物质的呈现，更是精神的映射。 人物画的内心世界： 不同于西方绘画对人物外貌精细写实的刻画，东亚的人物画更侧重于捕捉人物的内在情绪、性格特征和社会身份。从描绘帝王将相的威严，到刻画隐士高洁的情操，再到表现市井小民的喜怒哀乐，艺术家们通过简洁的线条和生动的表情，赋予了笔下人物以灵魂。我们将考察佛教造像如何影响了人物画的表现手法，以及世俗化进程如何拓展了人物画的表现题材。 象征与隐喻的语言： 东亚绘画并非直白的叙事，而是善于运用丰富的象征和隐喻来传达更深层次的意义。一花一木，一山一石，皆可能蕴含着吉祥的寓意、哲理的启示或情感的寄托。例如，松竹梅为何成为“岁寒三友”，兰花又为何象征君子？我们将解析这些意象在不同文化中的含义，以及艺术家们如何巧妙地将它们融入画面，构建出多层次的解读空间。 材料与技法的融合： 笔墨纸砚，这些看似简单的绘画材料，在东亚艺术家的手中却能变幻出无穷的可能性。毛笔的弹性、墨的浓淡干湿、宣纸的吸水性，都与艺术家的创作意图紧密相连。本书将探讨不同地区在材料运用和绘画技法上的异同，以及这些差异如何塑造了各自独特的艺术风格。从中国工笔的细腻，到水墨的写意；从朝鲜民画的粗犷，到日本浮世绘的平面化装饰性，我们将品味材料与技法如何共同谱写出东亚绘画的华美乐章。 东西方视角的交织与碰撞： 尽管本书的重点在于东亚艺术内部的联系，但我们也无法忽视近现代以来，东西方艺术思想的交流与互鉴。这些碰撞是如何促使东亚艺术家们在传承传统的同时，也大胆尝试新的表达方式？又是如何在全球化语境下，让东亚绘画焕发出新的生命力？ 《东方意境》并非一本枯燥的学术著作，而是一次邀请读者走进画卷，与古今艺术家对话的旅程。我们将通过精选的艺术作品作为引子，结合历史背景、哲学思想和文化传说，为您呈现一幅幅生动鲜活的艺术画卷。您将不再只是一个旁观者，而是能够深入理解画作背后的情感、思想与精神，从而领略东亚绘画那独特而深邃的东方意境。 本书期望能够打破您对“日本绘画史”固有的认知框架，为您打开一扇通往更广阔的东亚艺术世界的大门。在这里，您将发现，艺术并非孤立存在，而是不同文化、不同时代、不同心灵之间，最深刻、最动人的连接。

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我得承认，这本书的阅读体验是渐进式的，初读时可能只是走马观花，但随着对其中某些概念的理解加深，每次重读都会有新的发现。特别是那些关于“留白”和“意境”的探讨，作者的阐释角度非常新颖，他不是简单地定义这些术语，而是通过大量的实例来剖析它们在不同历史阶段的内涵变化，这种层次感需要读者投入时间和心力去细细品味。我特别喜欢书中对不同地域、不同学派之间相互影响与借鉴的分析，那种宏观的视角让人不再拘泥于单一的线条或色彩，而是能看到一张巨大的、不断交织演变的文化网络。这种知识体系的构建方式，极大地拓展了我对整体艺术史的认知框架。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最让我惊喜的是它对“人”的关注。作者似乎对每一位重要的艺术家都怀有一种近乎敬畏的尊重，他笔下的画家们不再是教科书上的冰冷名字，而是活生生的、有血有肉的创造者。读到关于某位大师创作心路历程的描述时，我甚至能想象出他们伏案创作时屏息凝神的专注，以及在遭遇瓶颈时那种焦灼与突破后的释然。这种代入感极强，它让冰冷的艺术史变得有温度，有情感。书中对于材料、工具乃至工作室环境的细致描摹，也让人得以窥见艺术家们日常生活的片段，这种细节上的打磨，极大地丰富了我们对艺术生产过程的理解。

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这本书的装帧和排版真是让人眼前一亮，那种厚重又不失典雅的气质，光是捧在手里就已经能感受到一种历史的沉淀感。封面那幅图案，色彩的运用和线条的勾勒，无不透露着匠心独运，让人忍不住想一探究竟，了解这背后蕴藏的文化底蕴。内页的纸张质感也极其出色，墨色印染得非常清晰均匀，即便是欣赏那些复杂的细节，也毫不费力。更值得称赞的是它的结构安排，章节过渡自然流畅，像是在引导读者进行一次精心策划的艺术之旅，而非简单的知识堆砌。初翻阅时，那些精美的插图占据了极大的篇幅，它们的选取似乎都经过了深思熟虑，每一幅都像是独立的艺术品，与文字相得益彰，共同构建出一个立体而丰富的视觉世界。对于我这样对外在形式非常看重的读者来说，这本书的“颜值”本身就已经值回票价了。

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从装帧设计到文字内容，这本书都展现出一种超越一般普及读物的专业水准。对于那些想要真正沉浸式体验艺术史脉络的读者来说，这无疑是一份厚礼。它不仅仅是一本供查阅的工具书，更像是一部引人入胜的文化史诗。我在阅读过程中，多次停下来，对照着其他媒介上看到的摹本或原作照片，试图去理解书中文字所强调的那些“神韵”。这种互动式的学习过程，让知识的吸收变得主动而高效。总体来说，这本书成功地架设起了一座坚实的桥梁，连接了古代的审美高峰与现代读者的理解世界，其价值远超其本身厚度所承载的重量。

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深入阅读后，我发现作者在叙事手法上的高明之处。他并没有采取那种干巴巴的年代罗列，而是巧妙地将艺术风格的演变与当时的社会背景、哲学思潮紧密地编织在一起。读到关于某个特定流派兴衰的章节时，我仿佛能感受到那个时代文人墨客们内心的挣扎与追求，他们的笔触不仅仅是技法的展示，更是对时代精神的深刻回应。比如，在描述某个转折点时，作者使用了大量的对比手法，将前后两种截然不同的审美倾向进行了细致入微的剖析，那种鞭辟入里的洞察力，让人拍案叫绝。而且，文中引用的那些典故和传说，都处理得恰到好处，既增添了故事性，又避免了故作高深，使得即便是艺术史的初学者，也能轻松跟上思路，享受阅读的乐趣。

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译者常任侠是留日的，所以以为根据日文翻译，结果没想到是从英文翻的，更没想到的是清华美院教授张夫也的《日本美术》关于南画的内容直接抄袭本书

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难得的日本美术史，翻译亦好

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对画不太懂，不过，此书中那些图确实漂亮。

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很早读的基础书

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2019书26:不知道是秋山光和写得好还是常任侠译得好，此书语言相当优美，克制和精当，相信许多评价当属作者创见，可惜配图不足，仅有的一些也是黑白的。～因为阅读了此书，现在对整个日本美术史有兴趣，也开始收集其他几本相关美术史来看。希望通过扩展阅读能得到相关印证（此书读完才读《东洋的理想》，在豆瓣做的记录顺序有误）。