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出版者:人民美术出版社

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出版时间:1983

价格:1.10

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《盛唐气象：初唐至盛唐的艺术流变与时代精神》 作者： 历史与艺术研究者群体 出版社： 文华书局 字数： 约 1500 字 --- 书籍简介 《盛唐气象：初唐至盛唐的艺术流变与时代精神》并非一部关于近代中国画家的个人画册，而是一部宏大而精微的断代史著作，聚焦于中国历史上最为辉煌璀璨的阶段——从隋末的纷乱初定到开元盛世的艺术高峰。本书旨在深入剖析这一时期，在政治、思想、社会结构剧烈变革的背景下，文学、书法、雕塑、壁画等各个门类如何实现突破性飞跃，最终熔铸出雄浑、自信、博大精深的“盛唐气象”。 本书摒弃了将艺术史孤立研究的传统，而是将其置于整个唐代社会运作的宏大叙事之中。我们关注的不是某一位艺术家的个人风格，而是艺术作为时代精神载体的物质呈现。 第一部分：奠基与转型——初唐（约 618 年 – 705 年）的艺术语境 本部分首先梳理了隋朝遗存的艺术基因，尤其是隋代宫廷艺术的华丽与江南文人气息的渗透，如何为唐代的勃兴提供了初始张力。 1. 宗教艺术的世俗化趋势： 重点分析了佛教造像艺术在初唐的转型。与北魏的瘦劲和隋朝的丰腴不同，初唐的造像开始展现出一种“内敛的庄严”。我们详细考察了敦煌莫高窟在武德、贞观年间的壁画风格演变，指出早期作品中受西域影响的异域色彩如何逐渐被唐人自身对人体结构和空间关系的理解所取代。尤其是对“三世佛”和“供养人”形象的研究，揭示了皇室对佛教艺术赞助的政治意图。 2. 书法：从法度到意韵的初步过渡： 本章详细对比了欧阳询、虞世南、褚遂良三位关键人物的风格差异。欧体“方峻险绝”的结构美学，如何适应初唐对秩序和法度的推崇；虞世南的“温润含蓄”则展现了对王羲之“中和之美”的继承与再阐释。尤其值得注意的是，褚遂良的出现，标志着书法审美开始倾向于“遒劲中寓灵动”，为盛唐“尚意”书风埋下了伏笔。 3. 文学与歌咏的兴起： 简要概述了初唐宫廷乐府的地位，以及“初唐四杰”在格律诗规范化过程中所扮演的“过渡者”角色。他们的努力，为后来的诗歌黄金时代提供了结构上的保障。 第二部分：气象万千——“开元盛世”的艺术高峰（约 713 年 – 741 年） 这是全书的核心所在，着重探讨了唐玄宗统治前期，国家富强、文化自信达到顶峰时，艺术创作所展现出的“磅礴气势与博大胸襟”。 1. 诗歌的顶峰与审美理想的统一： 重点分析了唐诗的成熟。不再仅仅讨论李白和杜甫（他们更多地代表了盛唐的延续与转折），而是深入研究了贺知章、张九龄等奠定基调的作品。盛唐诗歌的特点被归纳为：气象开阔（空间感）、情感充沛（生命力）、意象雄浑（对自然与人生的宏大把握）。 本章通过对“边塞诗”的兴盛，探讨了军事力量与艺术表达之间的互文关系。 2. 雕塑与壁画的“盛唐范式”确立： 这一时期的艺术品呈现出显著的“圆润、饱满、健硕”的特征。我们通过对中原地区出土的唐三彩以及部分高规格墓葬壁画（如懿德太子墓等）的研究，论证了唐代艺术家对人体解剖学和视觉透视法（尽管是经验性的）的掌握达到了前所未有的高度。壁画中的女性形象，不再是初唐的清瘦，而是“雍容华贵、充满生命张力的丰腴之美”，这直接反映了盛唐社会对富足与安康的赞颂。 3. 书法进入“尚意”的巅峰： 详细考察了“草书复兴”的现象。颜真卿和张旭是本章的焦点。颜真卿的“颜体”被解读为对儒家“中正仁和”思想的字体化表达——雄浑而不失法度，厚重而自有骨力。张旭的狂草，则被视为盛唐自信下个体精神的恣意宣泄，代表了艺术对形式约束的极致突破。本书强调，颜体的出现，是“盛唐气象”在笔墨中找到了最坚实的哲学基础。 第三部分：多元交融与审美输出——盛唐的国际视野 唐代艺术的伟大之处，在于其强大的吸收和转化能力。本部分关注艺术如何成为国家软实力的体现。 1. 域外文化的影响与吸收： 深入分析了中亚、波斯文化对唐代服饰、乐舞以及装饰图案的渗透。这种吸收并非简单的模仿，而是与本土审美高度融合的过程。例如，盛唐乐舞（如胡旋舞）对诗歌描写的刺激，以及对器物纹饰中“联珠纹”等元素的本土化处理。 2. 建筑与园林的气度： 简要分析了唐代长安城的规划哲学，体现了“中轴对称、规制严谨”的帝国秩序感。同时，对比了皇家园林（如大明宫）的宏大叙事与私家园林的精致趣味，展现了盛唐在“秩序与自由”之间的张力平衡。 结论： 本书最终总结道，“盛唐气象”的本质是一种对“无限可能”的艺术自信。它建立在统一的政治秩序、繁荣的经济基础以及对多元文化的开放接纳之上。这种自信使得初唐的探索和规范，在盛唐时期被推向了力度、广度、深度上的极限，从而确立了此后数百年中国艺术的基本审美范式。本书旨在为读者提供一把理解盛唐文明的钥匙，通过其艺术成就，重温那个大气磅礴的时代精神。

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这本书的装帧设计简直是艺术品本身，它没有采用那种高光全覆膜的浮夸路线，而是选择了一种低调的布面精装，手感沉稳，非常符合这位艺术大师的气质。我尤其欣赏它在目录和索引部分的处理，逻辑清晰，检索方便，这对于希望进行特定主题研究的读者来说，是一个巨大的福音。书中对画家一生中几个关键时期的作品都有较为集中的呈现，尤其对抗战时期和新中国成立后创作的关注度很高，这使得读者能够清晰地看到，时代洪流是如何深刻地雕刻和影响一位艺术家的创作主题和情感基调。我注意到，对那些宏大叙事主题的作品，书籍在版面上给予了足够的空间，让画面得以充分展开，细节得以尽收眼底。与市面上很多注重“爆款”作品堆砌的画册不同，这本书收录了一些相对冷门但极具研究价值的早期练习作品，这显示出编者团队的专业性和对艺术史的尊重。它像一部有温度的文献，让我们触摸到了艺术家灵魂深处的挣扎与高远。

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作为一名多年关注中国现当代艺术的爱好者，我必须说，这本书在图像的全面性和解析的深度上，都达到了一个新的高度。它不仅仅是一本“看画”的书，更像是一本“读画”的指南。最令我惊喜的是，书中穿插了当时一些重要评论家的早期点评，这些文字虽然简短，但极具时代印记，为我们理解这些作品在诞生之初受到的反响提供了珍贵的视角。比如，关于他如何革新了传统花鸟画的几页介绍，配图的选择极富深意，将传统文人画的韵味与油画的厚重感并置，形成了强烈的视觉对话。书中的注释部分也做得非常详尽，对于一些特定历史背景、地点名称甚至用到的一些特定颜料的介绍，都提供了细致的补充说明，极大地提升了阅读的准确性。整本书的阅读体验是一种享受，从翻开书脊的那一刻起，就能感受到对艺术的敬畏之心。它成功地避开了对画家个人私生活的过度渲染，而是将焦点牢牢锁定在创作本身及其背后的文化意图上，是一部严谨而又充满激情的艺术史力作。

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这本关于中国近现代绘画大师的画册，简直是视觉的盛宴，装帧设计本身就透露着一股典雅的气息，厚实的纸张，细腻的印刷，即便是泛黄的年代感，也都被精准地捕捉到了。我花了整整一个下午，只是沉浸在那些色彩和线条的对话中。尤其是早期留法时期的作品，那种扎实的学院派功底和初露锋芒的个人风格交织在一起，让人不禁感叹，艺术的功力是如何在不断的学习和自我否定中淬炼出来的。书中的一些局部放大细节处理得非常到位，能清晰地看到画家笔触的力度变化，那些速写般的几笔，寥寥数笔，却能勾勒出人物最传神的瞬间。比如对动物形态的捕捉，那种生命力仿佛要冲破纸面，尤其是对马匹的描绘，那种嘶鸣和奔腾的动态感，简直让人心潮澎湃。当然，这本书的价值不仅仅在于图片的精美，更在于它对艺术史背景的梳理，虽然着墨不多，但对于理解特定历史时期对艺术家创作心态的影响，提供了必要的上下文。我尤其喜欢其中收录的一些早期信件片段，那些文字透露出年轻艺术家在异国他乡的孤独与坚持，为这些传世之作增添了一层更深的人文厚度。这本书无疑是艺术爱好者案头常备的宝典，值得反复品读。

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我原本以为这本画册会是那种枯燥的学术图录，没想到它提供的阅读体验如此富有层次感和情感共鸣。我最欣赏它在版式编排上的大胆尝试。它并没有遵循严格的时间线索进行罗列，而是将不同时期、不同主题的作品进行巧妙的对比和并置。比如，将他晚期写意风格的动物画与早期严谨的素描并置，这种对比不是为了凸显“进步”或“退化”，而是清晰地展示了艺术家如何在不同约束下解放和重塑自己的表达语言。这种并置带来的张力非常引人深思。书中对于色彩的还原度，也值得称赞，尤其是那些浓墨重彩的油画作品，厚重的油彩堆叠感几乎可以穿透纸面。我特别留意了对光影处理的几幅作品，那种对自然光线细致入微的观察，使得画面中的空间感和体积感异常真实。此外，书的后半部分收录了一些关于他绘画理论思考的零散记录，虽然零碎，但对于理解他“中西融合”的艺术主张，提供了直接的文本支撑，比起长篇大论的理论分析，这种来自创作者本人的声音显得更为有力。这本书像是给读者提供了一把钥匙，不是直接告诉你答案，而是引导你去探索其艺术世界内部的逻辑结构。

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说实话，我对外文引进的艺术书籍通常抱持着一种审慎的态度，担心翻译质量和原著的完整性。但这本关于这位传奇画家的作品集，着实让人眼前一亮。它的文字部分，叙事流畅自然，专业术语的运用精准却不晦涩，即便是对绘画技法不太了解的普通读者，也能轻松进入情境。书中收录了大量的速写稿和未完成的作品，这对于研究艺术家的创作过程至关重要。我发现了一个很有趣的现象，许多看似随意的一笔，在这些稿件中都有迹可循，说明其“写意”的背后，是多么扎实的“写实”基础在支撑。尤其是那些人物肖像的特写，眼神的处理极其到位，仿佛能读出对象内心的复杂情绪。这本书对纸张的选择也极具匠心，哑光处理有效地避免了油画作品在强光下可能出现的反光问题，保证了观感的舒适度。我花了很长时间研究其中关于他如何运用中国传统笔墨入画的篇章，书中通过侧面比较，展示了那些看似西式的油画笔触中，是如何巧妙地融入了东方特有的韵味和气韵，这种文化自觉性的体现，是这本书最打动我的地方。

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