徐悲鸿彩墨画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民美术出版社

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出版时间:1981

价格:1.40

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《敦煌壁画的艺术嬗变与文化意蕴》 内容简介 本书深入考察了自十六国时期至元代，历经千余年兴衰更迭的敦煌莫高窟壁画艺术的独特发展脉络及其蕴含的深厚文化意涵。全书以时间为轴，以艺术风格的演变为主线，辅以对壁画题材、宗教思想和世俗生活描摹的细致分析，力求展现敦煌艺术作为中华文化宝库中最璀璨的瑰宝之一，其丰富性和复杂性。 第一章：丝绸之路的文化熔炉与早期壁画的肇始（十六国至北魏时期） 本章首先追溯了敦煌在古代丝绸之路上的战略地位，探讨了佛教东传过程中，中原文化与西域、犍陀罗、印度文化在敦煌的交汇融合，形成了敦煌艺术的最初母题。重点分析了十六国时期（特别是前秦、后凉）壁画的粗犷与古拙之美，如早期佛本生故事的叙事性与程式化的人物造型。 随后，深入剖析了北魏时期（莫高窟的第一个繁盛期）壁画的风格转型。受云冈石窟艺术的深刻影响，敦煌壁画在这一时期吸收了大量域外元素，形成了“秀骨清像”的审美风尚。我们详细辨析了北魏晚期“褒衣博带”的飘逸风格，以及在佛像、飞天、供养人形象上展现出的那种既虔诚又充满生命力的独特气质。尤其对“三世佛”、“千佛洞”的布局和装饰母题进行了图像学解读。本章强调，这一时期的壁画是多种文化元素在敦煌土壤上进行初步“汉化”与“本土化”的生动例证。 第二章：盛唐气象：敦煌艺术的巅峰与多元描摹（隋唐五代时期） 隋代是承上启下的关键时期，本章探讨了隋代壁画如何为盛唐的辉煌奠定基础。隋代艺术开始摆脱北魏的清瘦，转为丰满健硕，线条愈发流畅，为唐代艺术的博大精深蓄积了力量。 核心部分聚焦于盛唐（特别是高宗至开元、天宝年间）的壁画成就。唐代敦煌艺术达到了前所未有的高度，展现出“气韵生动”的盛世气象。本章通过对“净土变”和“说法图”的细致剖析，阐释了唐代佛教宇宙观的宏大叙事。我们关注了唐代壁画中人物服饰的华丽、环境描绘的精细，以及对世俗生活场景——如供养人行列、贵族宴饮图、乐舞伎乐图——的真实记录。这些世俗题材的出现，不仅丰富了艺术表现力，也为后世研究唐代社会风貌提供了宝贵的视觉史料。飞天形象在本章中被单独论述，从早期的“带巾飞天”到盛唐“肩带飞扬”的曼妙姿态，揭示了工匠审美情趣的极致追求。 第三章：本土化与世俗化的深入（中晚唐及五代时期） 进入中晚唐，随着藩镇割据和吐蕃的统治，敦煌艺术的风格开始出现区域性和本土化的显著特征。本章分析了吐蕃统治时期（约公元781年至842年）壁画的独特面貌，如密宗题材的增加、人物面容变得更为圆润，以及服饰上带有浓郁的藏族风格影响。 五代时期（归义军政权）是敦煌艺术的“小阳春”。这一时期的壁画呈现出明显的本土化倾向，注重写实，色彩使用更加大胆热烈，构图趋于繁密。本章着重探讨了五代时期世俗题材的“爆炸式”发展。大量描绘敦煌本地贵族、地方官吏形象的供养人画，其服饰、器物、发型成为研究五代河西走廊社会风俗的第一手资料。特别是对“壁画中的故事片”——如《法华经变》中情节的详细铺陈——进行了叙事结构上的梳理。 第四章：密宗、禅宗与西夏的异域之风（宋、西夏、元时期） 宋代壁画在敦煌的存量相对较少，但其艺术特点承接了五代，并开始受到宋代文人画审美的影响，造型趋于精致，笔法细腻。 本章的重点放在西夏统治时期（1038年至1227年）的艺术特征。西夏时期，受党项民族文化和藏传佛教的影响，壁画中密宗曼荼罗、唐卡式的坛城构图大量出现。对“供养人”的描绘上，西夏王室和贵族的形象带有强烈的民族标识性。我们详细分析了这一时期壁画中色彩的厚重感和人物造型的程式化回归。 最后，本章梳理了元代敦煌艺术的终结。元代艺术明显受到尼泊尔和西藏萨迦派佛教艺术的强势影响，壁画中出现了大量忿怒相、多面多臂的密宗本尊像，艺术风格趋于粗犷和宗教性强化，标志着敦煌作为多元文化艺术中心的辉煌历史走入尾声。 结语：历史的定格与不朽的价值 本书最后总结了敦煌壁画艺术从西域传入、本土融合、盛唐鼎盛、中晚期世俗化到元代定型的完整过程。它不仅是宗教艺术的载体，更是研究中国中古时期历史、宗教、民族关系、服饰制度和生活场景的百科全书。敦煌壁画的价值，在于它以无可替代的视觉语言，定格了中华文明在丝绸之路上兼容并蓄、生生不息的伟大精神。 本书特色： 断代清晰，脉络分明： 将敦煌艺术的发展划分为数个关键时期，解析不同政权下的风格变化。 图像学深入解读： 对“经变画”中的复杂叙事结构进行拆解分析。 注重世俗面貌： 详尽考察供养人、乐舞、建筑等世俗题材在壁画中的地位演变。 避免空泛赞美： 侧重于艺术语言（线条、色彩、造型）的风格分析，而非笼统的溢美之词。

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阅读完后，我有一种强烈的感受，那就是这本书的叙事视角似乎过于集中于画家的生平和主要成就，而对他在不同地域的艺术交流，尤其是与同时代其他画家的互动探讨甚少。徐悲鸿的一生游历广阔，他的艺术思想不可能是在真空环境中形成的。例如，他对岭南画派的某些影响，或者他与其他学院派人物在艺术理念上的争论，这些“动态”的侧面描写，才是构建一位大师形象的血肉。现在的描述，更像是一份详尽的履历清单，把他的“作品集”很好地排列了出来，但“思想的碰撞”却被弱化了。我希望看到更多关于他如何吸收、消化、再创造的过程，以及这些交流如何体现在他作品风格的演变中。少了这些侧面的支撑，即便是最伟大的作品，也像是漂浮在空中的孤例，缺乏扎实的文化土壤的滋养和参照。

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这本书的选篇广度是毋庸置疑的，从早期的写生到后期的奔放创作，脉络梳理得算是清晰。然而，在论述其“写实主义”与“浪漫主义”交织的风格时，我感觉作者的笔触略显保守。特别是对于徐悲鸿晚年画作中那种强烈的社会批判性，似乎只是点到为止。举个例子，那些描绘抗战时期人民疾苦的作品，如果能结合当时的时代背景，深入挖掘色彩和线条的“呐喊”意义，而不是仅仅停留在“形神兼备”的传统赞美上，这本书的厚重感会大大提升。我希望能读到一些更具批判性、更贴近历史语境的解读，而不是一味地歌颂其“国画改良者”的地位。看完后，我脑海里留下的更多是美好的画面，而不是深刻的思考，总觉得少了那么一点直击灵魂的锋芒，仿佛是在看一幅被精心修饰过的官方展览图录，少了些许未经打磨的、真实的学术探讨的火花。

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这本《徐悲鸿彩墨画》的装帧设计着实让人眼前一亮，从封面那淡雅的宣纸质感，到内页的用纸考究，都能感受到出版方对艺术的尊重。我特别喜欢那种微微泛黄的底色，仿佛能透过纸张触摸到画家创作时的历史氛围。只是，当我翻阅到关于人物画的部分时，总觉得意犹未尽。比如，对《负伤之驹》的分析，虽然提到了马的力度与悲怆感，但似乎对徐悲鸿是如何运用彩墨的微妙过渡来表现鬃毛的飞扬和眼神中的挣扎，着墨不够深入。我期待看到更多技法层面的剖析，比如他早期受西方素描影响后，如何巧妙地将骨骼结构融入到中国水墨的写意之中。而且，色彩的使用，尤其是他对赭石、藤黄与墨色的调和，如果能有专门的章节进行细致的图解对比，那就更完美了。现在的版本，更像是一本精美的画册，而对于一个想要深入学习的爱好者来说，技法解析的深度还需加强，让我总有一种“只可意会，不可言传”的遗憾感。

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作为一本理论与欣赏并重的画册，这本书在印刷质量上的表现是相当出色的，色彩还原度极高，基本上能捕捉到原作中那种墨分五色的微妙变化。但这一点恰恰也暴露了另一个问题：对不同纸张和媒介的适应性讨论不足。徐悲鸿的画作，在不同年代、不同材质的纸张上，其墨韵的渗透力是截然不同的。这本书似乎采用了一种统一的、偏光泽的纸张进行复制，这使得一些早期使用生宣纸时特有的“洇开”效果被弱化了。我个人非常关注他如何处理墨迹干湿浓淡在不同基质上的关系，比如他用水的比例如何控制，才能在保持写实精确性的同时，又不失水墨的灵动。遗憾的是，这方面的内容在“技法解析”那一章中显得过于理论化，缺乏实际操作中的细微观察和经验分享，让我这个想临摹的读者感到无从下手，只能远远欣赏，无法真正走进他的创作现场。

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这本书的排版设计虽然大气，但偶尔在篇章间的过渡上显得有些生硬。比如，从“动物速写”突然跳跃到“花鸟题材”时，缺乏一个承上启下的理论桥梁，让人感觉像是翻阅了两个独立的小册子。一个真正的艺术史梳理，应该能清晰地展示出画家在不同题材间切换时，其核心美学观念是如何保持一致或如何做出调整的。我特别好奇，他画奔马时那种强调结构和动态的力量感，是如何转化到描绘一朵兰花或一只昆虫上的？这种“一以贯之”的美学主张，如果能通过具体的图例对比和文字逻辑串联起来，这本书的学术价值将大大提升。目前的结构更偏向于按题材分类展示，虽然直观，却削弱了对画家整体艺术哲学的宏观把握，使得阅读体验在连贯性上稍打了折扣，读起来有些跳跃感。

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漓江船夫 此本有载

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漓江船夫 此本有载

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徐悲鸿不但马画得好，鸡鸭猫牛猪狮鹅鹊鹰鹫样样精通，这与农业社会的经历和巴蜀几年的生活体验应该是分不开的，而且徐先生的画极富有历史厚重感，很有中国传统士大夫文人画的那种感觉！

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漓江船夫 此本有载

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徐悲鸿不但马画得好，鸡鸭猫牛猪狮鹅鹊鹰鹫样样精通，这与农业社会的经历和巴蜀几年的生活体验应该是分不开的，而且徐先生的画极富有历史厚重感，很有中国传统士大夫文人画的那种感觉！