佛教与中国古典文艺美学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

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页数:197

译者:

出版时间:2008-4

价格:18.00元

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isbn号码:9787807610052

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好的，这是一份关于《佛教与中国古典文艺美学》的图书简介，内容详实，字数约1500字： --- 《佛教与中国古典文艺美学》图书简介 导言： 本书《佛教与中国古典文艺美学》是一部深入探讨佛教思想如何渗透、影响并最终塑造中国古典文学、诗歌、绘画、园林乃至审美观念的学术专著。它旨在系统梳理佛教的本体论、宇宙观、修行观以及独特的艺术表现手法，如何在中国传统美学体系中找到契合点，并催生出既具东方神韵又富有佛教特质的文艺现象。本书不仅关注佛教艺术本身，更着眼于其如何成为中国文人士大夫精神世界的重要构成，影响其对“美”与“真”的理解。 第一部分：思想的交融——佛教哲学基石与中国文心 本书开篇即详尽梳理了佛教自汉代传入中国后，如何与本土的儒家、道家思想产生互动与碰撞，并最终形成具有中国特色的佛教哲学体系。重点解析了“缘起性空”、“诸法无我”、“心性论”等核心概念对中国文人思维模式的颠覆性影响。 空性与“有”的辩证：作者深入阐释了佛教“空”的观念如何被中国文人接受，并将其转化为一种对世俗喧嚣的超越。这种“空”并非虚无，而是万物本自具足、无常变幻的深层洞察。在文学创作中，这种思想倾向促成了对瞬间意象的捕捉，对“寂灭”之美的追求，以及对生命无常的诗意喟叹。 心性论与主体意识：佛教禅宗“明心见性”的教义对中国古典美学中“主体性”的构建起到了关键作用。本书探讨了禅宗如何将艺术创作视为一种“顿悟”的过程，强调直觉、体悟而非刻意雕琢。这种对“本心”的追寻，直接影响了宋代山水画中“写意”精神的确立，以及诗歌中“不着一字，尽得风流”的境界追求。 因果报应与道德审美：佛教的业力观与轮回观，虽非中国古典美学的直接表现形式，却构成了文人对“善恶”、“美丑”判断的深层背景。它强化了对“格物致知”、“修身养性”的重视，使得“美”不仅仅是形式的愉悦，更包含了道德完善的意涵。 第二部分：文学的嬗变——诗歌、叙事与意境的重塑 佛教对中国文学的影响是深远而细致的，本书重点分析了其在不同文学体裁中留下的印记。 诗歌中的禅意：本书通过大量唐宋诗词的个案分析，揭示了佛教意象如何融入抒情诗歌。例如，对“月”、“水”、“云”等自然意象的运用，不再是单纯的景物描绘，而是承载了无常、空寂、觉悟的哲学内涵。尤其对王维、苏轼等人的诗作进行深入解读，阐明了“诗中有禅”的具体表现手法，如语言的“减省”与意境的“含蓄”。 小说叙事的结构：在古典小说领域，本书考察了佛教故事（如佛本生、因果报应故事）对世情小说叙事结构的影响。佛教的宿命论和对因缘聚合的关注，为传统叙事提供了一种超越时间限制的宏大框架。 辞藻与韵律的革新：部分佛教译经中的独特词汇和句式结构，对中古及近古的汉语表达方式产生了刺激，丰富了汉语的表达维度，尤其是在描绘幽微心境和超验体验时，佛教的语言系统提供了新的可能。 第三部分：视觉的觉醒——绘画、园林与空间哲学的构建 本书认为，佛教对中国古典文艺美学最直观、最深层的贡献体现在视觉艺术领域，特别是绘画与园林。 山水画的“禅化”过程：中国山水画的成熟与佛教思想的传播是同步进行的。本书详细分析了“平远”、“深远”、“高远”等中国画的审美维度，如何与佛教对“多维时空”和“无限空间”的理解相呼应。枯山水、留白艺术的处理，被视为对“空”的视觉化表达。通过对荆浩、关仝、董源等人的作品分析，阐明了“气韵生动”如何从单纯的生命力，上升为一种宇宙生命能量的体现。 造园艺术中的“方寸佛国”：中国古典园林被誉为“凝固的诗”。本书将园林视为一个微缩的宇宙。亭台楼阁的布局、假山流水的设计，无不蕴含着对“自然”的模仿和对“修行”的隐喻。佛寺园林的形制如何反过来影响文人私家园林的营造，如对“曲径通幽”、“藏而不露”的处理，都与追求内心宁静、达到觉悟境界的追求息息相关。 第四部分：审美范式的确立——超越与圆融的境界追求 本书的最终目标是总结佛教思想如何帮助中国古典美学完成了从“写实”向“写意”的飞跃，确立了以“意境”、“气韵”、“禅趣”为核心的审美范式。 境界论的升华：佛教提供的“觉悟”与“涅槃”的概念，为中国美学提供了一个终极的审美目标——“至高境界”。这种对超验境界的追求，使得中国艺术审美不再满足于对现象的忠实再现，而是致力于揭示现象背后的“真如”。 寂静之美与动态平衡：佛教强调的动静相生、有无相依，构建了一种独特的审美张力。在宋代极简主义美学中，这种对极简的偏爱，实质上是对喧嚣的排斥和对内在秩序的肯定。 结语： 《佛教与中国古典文艺美学》通过多维度的考察和精细的文本、图像分析，旨在向读者展示，佛教并非一个外来的宗教符号，而是已经内化为中国古典文艺精神的有机组成部分。理解了佛教的“缘起”与“空性”，才能真正领悟中国古典艺术中那些看似平淡却蕴含无尽深意的瞬间，以及那份历经千载沉淀下来的独特东方韵味。本书是文史、美学、宗教学研究者和爱好者深入理解中国文化肌理的一部重要参考。 ---

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这本书的行文节奏非常跳跃，仿佛作者的思绪在不同的时空维度中自由穿梭，这对于习惯了线性叙事的读者来说，一开始可能会感到有些吃力。前一页还在细致剖析陶渊明诗歌中的“野趣”，下一页却突然转向了宋代瓷器釉色的变化及其对文人雅集氛围的影响。这种看似松散的结构，实则暗含着一种高超的“并置”艺术：它不断地提醒读者，美学观念的流变并非孤立的，而是渗透于当时社会生活的方方面面，是文化整体性的体现。我花了些时间来适应这种非线性的引导，一旦跟上作者的思维脉络，就会发现这种安排极大地拓宽了我的视野，让我体会到中国古典审美是如何像一张密不透风的网，覆盖了衣食住行、诗词歌赋的每一个角落。

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与其他一些侧重于文献考据的学术著作相比，这部作品的个人色彩和感性色彩要浓厚得多。作者在论述中时不时会穿插一些极富画面感的个人体验和联想，比如他描述初次在古寺中聆听梵呗时的那种“空灵感”，让人仿佛也置身于那片静谧之中，感受到钟声的重量。这种主观情感的注入，极大地拉近了理论与读者的距离，使得“美学”不再是高悬于庙堂之上的空洞概念，而是可以被亲身触碰和感受的生命体验。他没有刻意去回避自己作为现代人对传统的再诠释，反而坦然接受了这种时代的滤镜，使得整本书在保持学术严谨性的同时，也拥有了极高的可读性和温度，是那种让人愿意反复翻阅，每次都能从中汲取新感的书。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面采用了雅致的宣纸质感，墨韵浓淡之间，隐约可见古典卷轴的纹理，光是拿在手里，就能感受到一种沉静而厚重的气息。内页的纸张选择了偏米黄色的，不仅护眼，更增添了一丝历史的沧桑感。我尤其欣赏它在版式上的考究，字体选用的是宋体，间距和行距拿捏得恰到好处，阅读起来极为舒适，即便是面对篇幅较长的论述，也不会产生视觉疲劳。装帧的细节处理得非常到位，比如书脊处的线装仿古设计，虽然是现代印刷工艺，却营造出了一种仿佛翻阅宋刻本的错觉。这种对物质载体的用心，无疑提升了阅读的仪式感，让人在捧读之前，就已经对书中的内容抱持着一种敬畏之心。它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，体现了出版方对传统文化审美的深刻理解和尊重。

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读完此书，我对自己过去对传统戏曲的认知有了一个根本性的修正。之前总觉得昆曲的“水袖”和“亮相”仅仅是一种程式化的表演技巧，但书中对“程式美学”的解读彻底颠覆了我的看法。作者指出，这些看似僵硬的程式，实则是情感表达的“提纯”过程，是人类情感在特定文化语境下被高度浓缩和抽象化的结果。他用精妙的比喻，将一个演员的转身比作一次宇宙星辰的运行轨迹，极具张力。更让我震撼的是，书中对“余音绕梁”的分析，它不再仅仅指音乐的婉转悠长，而是上升到了对时间感知的美学探讨——即艺术作品如何在瞬间的消逝中，留下持久的心灵震颤。这种将具象技艺提升到哲学思辨高度的手法，令人叹服。

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我花了大量时间去咀嚼其中的理论阐述，作者在论证“意境”这一核心概念时，展现出了惊人的跨学科整合能力。他巧妙地引入了魏晋玄学中的“有无相生”论，并将其与唐诗宋词中对自然山水的描摹进行了细致的对应分析。这种融会贯通的手法，使得原本抽象的美学范畴变得具体而可感。尤其是书中关于“空”与“满”在园林设计中所扮演的角色那几章，作者并非停留在表层描述，而是深入挖掘了东方哲学中对留白之美的独特偏爱，论证了这种偏爱如何渗透进诗歌的句法结构和绘画的构图逻辑中去。行文过程中，作者引用的文献跨度极广，从早期的《文心雕龙》一直追溯到明代的画论，逻辑链条严密，论证层层递进，绝无故作高深之感，而是将深奥的学问以一种极其清晰、层峦叠嶂的方式呈现出来。

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大国学基金会于2010年6月19日捐赠

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