古风诗韵 水彩画入门 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国水利水电出版社

作者:飞乐鸟工作室

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2018-5-1

价格:CNY 49.80

装帧:平装

isbn号码:9787517063322

丛书系列:

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古风诗韵：水彩初探，诗意丹青 引言： 笔尖流淌，色彩交融，当古老的诗意遇见清丽的水彩，便能勾勒出一幅幅穿越时空的画卷。本书《古风诗韵 水彩画入门》并非一本简单的技法教程，而是一次关于美学的探索，一次关于古风情感的唤醒。它将引领读者走进一个由水彩渲染的诗意世界，用画笔捕捉那些沉淀在千年诗篇中的风雅与情怀。我们并非要复刻历史，而是要从中汲取灵感，让水彩的灵动与古风的意境和谐共生，创造出属于我们自己的独特“诗画”。 第一章：水彩的诗意之语——认识你的画笔与颜料 在本章，我们将褪去对水彩的陌生感，以一颗对待诗歌般虔诚的心去认识这些最基础的“韵律”。 水彩的“五音”： 了解不同品牌、不同系列的颜料所带来的微妙差异。从透明度、显色度、耐光性等角度，我们将探讨它们各自的“性格”。例如，温莎牛顿的“经典”与荷拜克“高贵”的语调，安妮的“活泼”与伦勃朗的“深沉”，这些细微的特质将如何影响画面最终呈现出的“诗情”。我们将尝试混合使用不同品牌，如同诗人尝试不同的词汇组合，以期找到最贴切的表达。 画笔的“触感”： 笔杆的材质、笔毛的种类与形状，它们都承载着不同的“笔触感”。天然貂毛的细腻与弹性，尼龙毛的坚韧与多变，圆头笔的流畅与尖锐，平头笔的稳重与块面感，扇形笔的晕染与肌理。我们将一一感受它们在纸上的“呼吸”，理解如何通过不同的笔触，赋予画面如同诗歌中的抑扬顿挫。 纸张的“底蕴”： 好的纸张如同诗歌的载体，它的“底蕴”决定了颜料的“诉说”能力。不同克重的纸张，对水分的吸收与颜料的附着有着截然不同的表现。300克以上的冷压纸，其细腻的纹理和良好的吸水性，能够更好地展现水彩的“晕染之美”，如同诗歌的韵脚；而热压纸则更适合表现细腻的线条和精细的刻画。我们将通过实际的试色，体会不同纸张对画面“意境”的影响。 水的“灵性”： 水在水彩中扮演着灵魂的角色。它既是颜料的载体，也是晕染、流动的“魔法”。了解不同水量带来的效果——“湿画法”的朦胧与“干画法”的清晰，以及“湿中湿”和“干中湿”的细微差别，如同捕捉诗歌中轻柔的低语与激昂的呼唤。我们将学习如何控制水的“生命力”，让画面在不经意间流露出诗般的灵动。 第二章：古风的“写意”笔触——线条与构图的诗意构建 古风艺术讲究“以形写神”，水彩的“写意”恰能与之契合。本章将聚焦于如何用线条和构图，构建出古风的韵味。 线条的“骨骼”： 古风绘画中的线条，不仅是轮廓，更是情感的流露。我们学习绘制飘逸的衣袂，表现人物的动态与神情；勾勒山峦的起伏，传递出自然的壮阔与宁静；描绘植物的姿态，展现出生命的婉约与生机。我们将尝试用不同粗细、不同力度的线条，赋予画面如同书法般的“气韵”。 构图的“留白”： 诗歌讲究“意境”，绘画亦然。古风构图中的“留白”，并非空白，而是“无声胜有声”的诗意空间。我们将学习如何通过构图的疏密，引导观者的视线，创造出“画外之音”。例如，将人物置于画面的局部，让远处的景致留有想象的空间，如同留白处的诗句，引发观者无限的遐想。 写意的“意境”： 从简单的几笔勾勒，到复杂的场景描绘，我们都将强调“意”的表达，而非“形”的刻板。例如，描绘竹子，不必追求每一片叶子的真实，而是通过笔触的疏密、墨色的浓淡，传达出“空、青、瘦、劲、节”的君子之风。学习从古人画作中汲取灵感，理解写意精神的传承。 第三章：色彩的“赋韵”——描绘古风的情感与氛围 色彩是情感的直接表达。在本章，我们将学习如何运用水彩的色彩，为画面注入古风的情感与氛围。 “墨分五彩”的现代诠释： 古代水墨画讲究“墨分五彩”，即通过墨色的浓淡干湿表现丰富的层次。我们将学习如何将这一理念运用到水彩中，利用不同色调的组合，模拟出类似的效果。例如，通过冷暖色调的对比，营造出清冷或温暖的氛围；利用同色系中不同明暗的变化，表现出光影的细腻过渡。 古风色彩的“情绪”： 探索具有古风代表性的色彩组合。例如，黛蓝与素白的搭配，如同烟雨江南的朦胧；赭石与墨绿的交织，似塞外风光的苍茫；浅粉与鹅黄的轻柔，宛如宫廷仕女的娇羞。我们将学习如何根据描绘的主题，选择最能表达其“情绪”的色彩。 晕染的“诗意流转”： 水彩的晕染特性，最适合表现古风的“流转”之美。学习运用“湿画法”和“湿中湿”技巧，让色彩在纸上自然地融合、渗透，如同诗句在脑海中自然地流淌。描绘云雾缭绕的山峦，波光粼粼的湖面，或是人物衣衫的飘动，都将通过巧妙的晕染，展现出独特的诗意。 局部提亮的“点睛”之笔： 在整体色彩协调的基础上，学习如何运用亮色或对比色作为“点睛”之笔，吸引观者的目光，突出画面重点。如同诗歌中关键的词汇，能瞬间点燃读者的情感。 第四章：诗境的“画”——主题创作与意境营造 将前三章的所学融会贯通，本章将引领读者进行主题创作，将诗歌的意境转化为水彩画。 从“诗”到“画”的转化： 以经典古诗词为灵感源泉，学习如何提炼诗歌中的意象、情感和氛围。例如，李白《静夜思》中的“床前明月光，疑是地上霜”，我们可以从中提取“月光”、“霜”、“静谧”等元素，并运用水彩的冷色调与晕染，表现出思乡之情。 人物的“神韵”： 描绘古风人物，不仅仅是捕捉其外貌，更是要传达其内在的神韵。学习如何通过人物的眼神、姿态、服饰以及所处的环境，来烘托人物的性格与故事。例如，描绘一位正在抚琴的女子，可以通过轻柔的笔触，淡雅的色彩，以及背景虚化的留白，营造出“娴静”、“高雅”的艺术气质。 山水的“胸怀”： 描绘古风山水，要追求的是“气韵生动”。学习如何运用水彩的写意手法，表现山峦的巍峨、河流的奔腾、云雾的变幻。将个人对自然的感悟融入画作，赋予山水以“胸怀”与“灵魂”。 花鸟的“意趣”： 古风花鸟画，讲究“寄情于物”。学习如何通过描绘花草树木、飞禽走兽，来表达某种情志。例如，描绘一株傲立寒风中的梅花，可以展现出不屈的风骨；描绘几只在枝头嬉戏的麻雀，则能传递出生活的“意趣”。 第五章：诗意的“传承”与“创新”——你的画作，你的诗 艺术的生命在于传承与创新。在本章，我们将鼓励读者在掌握基础技法后，寻找到属于自己的“诗画”风格。 观摩与学习： 引导读者去欣赏历代古风绘画大师的作品，以及当代优秀水彩画家的创作，从中汲取营养，开阔视野。 实践与探索： 鼓励读者多加练习，勇于尝试不同的主题和技法，不断挑战自我。 风格的“觉醒”： 在不断的实践中，逐渐形成自己独特的绘画语言和风格，让你的每一幅水彩画都成为一首属于你自己的“古风诗”。 结语： 《古风诗韵 水彩画入门》并非终点，而是开启你诗意绘画旅程的起点。愿这本小书能成为你手中一管流淌着诗意的画笔，带领你走进一个由水彩描绘的、充满韵味的古风世界。在这里，每一滴色彩都饱含深情，每一条线条都诉说着故事。让我们一同用画笔，书写属于我们的“古风诗韵”。

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老实说，这本书的装帧和印刷质量真的让我眼前一亮，这在很多艺术类书籍中是少有的。纸张的选取非常讲究，那种略带纹理的、吸水性适中的纸张，完美模拟了专业水彩纸的触感，让我在对照书中的范例进行临摹时，能够最大程度地还原出作者想要达到的笔触效果。尤其是那几组关于“湿中湿”技法的示范页，色彩的过渡自然到仿佛要从纸面上流淌出来，那种朦胧而又深邃的美感，不是一般的铜版纸能够承载的。更值得称赞的是，作者在构图理念上的阐述，简直是打开了我的另一扇窗。他没有拘泥于传统的“三分法”或“黄金分割”，而是引入了东方美学中“留白”和“气韵生动”的概念，并将其巧妙地融入到水彩的流动性之中。我记得有一章专门讲解了如何用几笔看似随意的线条，勾勒出山峦的磅礴气势，这已经超越了基础教学的范畴，更像是一堂关于“意境”的速成课。这本书的结构安排非常巧妙，由浅入深，但每进入一个新阶段，都会用一个精美的、具有东方神韵的小品画作来承接前一个阶段的知识，形成一种流畅的学习体验，让人完全沉浸在那种宁静致远的氛围里。

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这本书简直是艺术爱好者的福音，尤其是对那些想在水彩这个领域里扎根的朋友们。我从头到尾翻阅了一遍，最大的感受就是作者在基础功上的讲解极其扎实，绝不是那种浮于表面的“快餐式”教程。比如，关于颜料特性的介绍部分，简直像是一本微型的化学手册，将不同品牌、不同颗粒度的颜料在纸上的扩散、晕染效果分析得入木三分。我过去一直搞不懂为什么同样是蓝色，有的干得快有的就特别“野”，这本书里详细解释了其中的胶质差异和水分控制的微妙平衡，甚至配有显微镜下的局部放大图，非常直观。再说说光影的处理，它没有直接跳到复杂的场景，而是用最简单的几何体，比如球体和立方体，来讲解“高光”、“反光”和“投影”这三大要素是如何协同作用的。我按照书中的步骤尝试画了一个玻璃球，那简直是我迄今为止最满意的作品之一，那种晶莹剔透的感觉，以前光靠感觉去摸索，总是不得要领。这本书的精髓在于，它让你明白“为什么”要这么画，而不是简单地告诉你“怎么做”，这种对原理的深挖，为后续的自由创作打下了极其坚实的地基。对于初学者来说，这本厚厚的书可能需要耐心，但请相信我，每一页的知识点都值得你反复咀嚼和实践，它塑造的是你的“艺术思维”，而非简单的“绘画技巧”。

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我非常欣赏这本书在“主题设定”上的独到眼光，它没有选择大众化的题材，而是聚焦于那些能引发读者共鸣的、富有叙事性的场景。比如，其中有一个章节专门讲解了如何描绘“古籍残卷”和“青铜器锈斑”的效果，这些都是极具挑战性，但同时也极富表现力的主题。作者并没有将这些复杂的纹理视为难以攻克的难关，而是将其拆解为可以量化的、可重复操作的步骤。在表现“锈斑”时，它详细分析了铁锈的颜色构成——红褐色、橙黄、以及深棕色的随机分布，并教你如何使用喷洒法和刮擦法，模拟出那种自然侵蚀的痕迹。这种对“质感”的极致追求，让读者在练习过程中，不仅仅是在画一幅画，更像是在进行一场关于材料和时间的对话。而且，书中的范例很少出现喧宾夺主的人物，它将焦点完全放在了物件本身所承载的历史感和氛围上，这让学习者能够更专注于技法的磨练，而不是被复杂的人物造型分散精力。读完这个部分，我立刻动手尝试画了一个旧的木制书签，那种木材的陈旧感和纸张的微卷，都被这本教程的引导下，生动地呈现在了我的画纸上，成就感爆棚。

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这本书对于细节的考究程度，让我这个有些强迫症的读者都感到非常满意。它不像有些教程那样，只在最后拿出成品图让你惊叹，而是全程公开了创作的“幕后故事”。比如，在讲解如何表现古代仕女的发髻时，它不仅展示了最终的线条勾勒，还特别标注了“使用中号圆头笔，蘸取四分之三饱满的黑赭色，笔尖需保持极度锐利”这类极其具体的工具要求。这种对工具和操作的精准描述，避免了读者在实践中因为工具使用不当而产生的挫败感。更让我印象深刻的是，它针对性地解决了一个我长期以来的痛点——如何用平涂的技法来表现出物件的立体感。书中专门设计了一个“色彩渐变练习”，教你如何通过三次或四次叠加，在保持水彩的透明感的前提下，制造出类似珐琅釉彩那样的层次感。这种对“透明度控制”的深入讲解，是很多速成书会跳过的内容，但恰恰是决定作品高级感的关键。可以说，这本书是对水彩“可控性”的深度挖掘，让你知道，即便是最“自由奔放”的水彩，也能在熟练的控制下，达到近乎严谨的艺术效果。

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我是一个对传统文化情有独钟的人，所以市面上那些主打“欧式风景”或“写实静物”的水彩教程对我吸引力不大，而这本书的出现，简直是为我量身定制的。它真正做到了将水彩这一媒介与深厚的古典韵味完美融合。作者在讲解用色时，并没有照搬西方油画中那种厚重的色彩体系，而是大量参考了中国传统绘画中的“石青”“石绿”以及各种矿物颜料的色调，即便是使用现代水彩颜料，也能调配出那种带着古朴感的色彩。其中关于“晕染”的运用，更是体现了对东方水墨技法的借鉴和再创造。比如，在描绘竹林的场景时，他教导如何通过控制水和颜料的比例，模拟出雨后竹叶上凝结的水珠，那种“润而不浊”的效果，是普通教程里难以见到的细腻处理。此外，书中收录的范画中，无论是人物的衣袂飘飘，还是建筑的飞檐翘角，都蕴含着一种含蓄的东方哲学。阅读这本书的过程，与其说是学习绘画技巧，不如说是一次心灵的洗礼，它引导我如何用画笔去“感受”和“表达”那种穿越时空的古典情怀。

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2星半~ 初學者沒辦法畫出來一個東西~

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古风颜彩。 18.81✔ at 北城天街西西弗

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2星半~ 初學者沒辦法畫出來一個東西~

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绘画过程讲述还是偏简略，要是送视频就好了。

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2星半~ 初學者沒辦法畫出來一個東西~