许之衡谈瓷器 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:许之衡

出品人:

页数:185

译者:

出版时间:2008-01

价格:42.00元

装帧:平装

isbn号码:9787533024512

丛书系列:名家谈收藏丛书

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《古韵流光：中国古代陶瓷艺术的千年史诗》 本书以宏大的历史视野和精微的学术洞察力，系统梳理了中国古代陶瓷艺术自新石器时代起源至明清鼎盛时期的发展脉络与艺术精髓。我们不再局限于对某一朝代或某一窑口的片面介绍，而是着力于描摹一部波澜壮阔的中华文明物质载体变迁史。全书结构严谨，内容充实，旨在为热爱陶瓷艺术的读者提供一部既具学术深度，又富可读性的通识性著作。 第一部分：文明的初啼——史前与夏商的泥与火 本部分将追溯陶瓷艺术的源头活水。从距今八千年前的裴李岗文化陶器上朴素而充满生命力的几何纹饰，到仰韶文化彩陶那火焰般的红色与精准的图案组合，我们探讨早期先民如何将实用需求升华为初步的审美表达。重点分析了黑陶的“蛋壳薄”技术，这标志着制陶工艺已经达到了惊人的成熟度。 进入夏商时期，制陶技术开始与青铜文明交织。我们将详细考察原始瓷器的出现——那介于陶与瓷之间的过渡形态，它预示着更高一级材料科学的突破。商周时期，印纹陶的纹饰由几何图案向神话符号转变，反映出礼制观念的兴起。对这些早期器物形制、泥料配方以及烧成温度的科学分析，将揭示古代手工业的复杂技术体系。 第二部分：礼乐的载体——周秦汉的青瓷曙光 周代是礼乐制度确立的时代，陶瓷开始扮演重要的礼器角色。本书深入剖析了这一时期厚重、古朴的陶器风格，以及它们如何配合青铜礼器，共同构建起森严的社会秩序。 秦汉时期，是中国封建社会定型的关键阶段，陶瓷艺术也随之进入了一个以实用性、批量化和长久生命力为特征的时期。我们将重点聚焦于汉代釉陶的成就，特别是铅釉的运用及其色彩的演变。更重要的是，本书将首次系统梳理汉代“明器”——陶楼、陶俑、陶车马——的艺术价值及其所承载的生死观，这些丰富的地下出土实物，是研究汉代社会生活最直观的史料。 此时，长江流域的青瓷技术开始萌芽。我们详述了汉代成熟的青瓷烧制技术，探讨其胎体致密性、釉层玻化程度的提升，并将其置于当时技术交流的大背景下进行考察。 第三部分：风流的转折——魏晋南北朝的融合与蜕变 这是一个动荡却充满文化张力的时代。佛教的传入对艺术产生了深远影响。本书不再将魏晋南北朝视为“黑暗时期”，而是视为中国陶瓷史上的重要“融合期”。 南北方陶瓷风格的差异被细致对比：北方受游牧民族影响，造型趋于雄健粗犷；南方则承续了东汉以来的细腻文脉。重点分析了越窑青瓷的风格演变，从早期的模仿青铜器造型，到釉色逐渐趋于温润如玉的过渡。我们还特别关注了这一时期模仿金银器的造型手法在陶瓷上的体现，揭示了“尚古”思潮对艺术创作的具体影响。 第四部分：辉煌的巅峰——隋唐宋元的多元宇宙 隋唐五代时期，国力强盛，文化自信达到顶峰，陶瓷艺术迎来了空前的繁荣与多元化。本书将唐代陶瓷艺术划分为三个核心板块： 1. 南青北白，双峰并峙： 详述了越窑的青瓷如何成熟并辐射海外，以及邢窑白瓷在技术和审美上如何挑战了以往的青瓷主导地位。对唐三彩的釉色调配、堆塑技巧及其在宗教艺术中的地位进行深入剖析。 2. 丝绸之路的映照： 考察了长安、洛阳等地的外销瓷，以及受中亚、西亚风格影响的创新器型和装饰手法，如凸棱、贴塑等。 3. 五代十国的地域特色： 勾勒出湖南长沙窑（水月窑）的文人画风装饰与外销特色，以及越窑在五代时期达到的艺术高度。 宋代，是中国审美情趣高度内敛与精致化的阶段。本书将宋代陶瓷艺术的魅力归结为“士大夫精神”的物化。我们不再泛谈五大名窑，而是深入探讨它们各自的哲学内涵： 汝窑的“天青”哲学： 对其釉面开片、香灰钉、汁水感等微观特征进行科学解读，探究其对后世文人审美的影响。 官、哥窑的“拙朴”与“裂纹”： 分析其厚釉下的内敛光泽和人为控制的“瑕疵”美学。 定窑的“瘦金体”刻花： 赞叹其精细的覆烧技术与北宋书法艺术的完美结合。 钧窑的“入窑一色”： 探究其独特的铜元素釉变机理，赞叹其变幻莫测的窑变艺术。 同时，本书也描绘了磁州窑、建窑（兔毫、油滴天目）等民间或特定生活用瓷的勃兴，展现了宋代艺术的广阔底色。 元代，是蒙古族统治下民族大融合的产物，其特点是体量宏大、气势磅礴，以及青花技术的成熟。本书着重研究了景德镇制瓷业的集约化生产模式，并详细分析了元青花的钴料来源、纹饰主题（如戏曲故事、龙凤纹），以及其成为中国外销主力瓷器的原因。 第五部分：极致的装饰与技术的固化——明清的程式化与创新 明代，景德镇御窑体系的建立标志着制瓷业进入了由国家权力高度控制的时代。我们详细梳理了洪武、永乐、宣德三朝官窑的风格分野，特别是永乐、宣德青花的雄浑与成熟。 本书将明代陶瓷的装饰艺术视为中国传统绘画装饰艺术的集大成者。对“斗彩”、“五彩”的烧制工艺进行详细解说，探讨其色彩学上的突破。对嘉靖、万历时期的青花和五彩的繁复装饰风格进行剖析，指出其在审美上由宋元的含蓄转向了明代的张扬。 清代，康熙、雍正、乾隆“三朝盛世”是制瓷技术的又一高峰，但审美趣味开始趋于“程式化”和“复古化”。我们将重点分析： 1. 彩瓷的革命： 粉彩的引入及其柔和的色调对五彩的超越。 2. “仿古”的艺术： 考察清代匠人如何系统性地复制、改良和超越前代的经典器型与釉色。 3. 外销瓷的辉煌： 对“克拉克瓷”和“广彩”的西方市场适应性研究，体现了中国手工业在国际贸易中的主导地位。 全书最后落脚于清末的衰微与转型，为这部跨越数千年的陶瓷史画上句号，留下对未来陶瓷艺术发展的无尽思索。全书配有大量高清的器物图片佐证，确保了文字描述的准确性与艺术感染力。

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作者在叙事上的节奏把握得极为老道，完全不像是在进行一场冰冷的学术讲座，更像是与一位饱经风霜的收藏家在暖炉边促膝长谈。他并不急于抛出宏大的理论体系，而是从一件看似不起眼的明代青花小碗讲起，娓娓道来其纹饰的寓意、绘制的笔法，乃至窑工烧制时的心境。这种“以小见大”的叙事策略，极大地降低了普通读者进入门槛，让人在轻松愉悦的氛围中，不知不觉就被引入了景德镇那烟火气十足的制瓷历史长河。书中对不同时代瓷器风格流变的描述，充满了生活气息和个人化的洞察，比如他描述康熙朝彩釉时，那种对色彩饱和度和透明度的精妙描述，简直让人联想到那片刻的阳光穿透琉璃的瞬间。语言风格灵动多变，时而严谨考究，时而又带着一股潇洒的文人情怀，读起来酣畅淋漓，毫无晦涩之感。

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从技术的角度来看，本书在对细节的呈现上，达到了近乎苛刻的专业水准。作者对釉料化学成分的讨论，虽然使用了专业术语，但却辅以非常形象的比喻来解释其烧成机理，例如他将氧化铁的含量比作“火焰中舞蹈的精灵”，一下子就将抽象的化学反应变得生动起来。更值得称赞的是，书中对“修补痕迹”和“窑变”的解读。他详细对比了不同时期修补技术的手法差异，指出某些看似瑕疵的窑变，实则是当时工匠对“失控之美”的无意识追求，反而提升了器物的价值和故事性。这种对工艺极限的探讨，体现出作者非凡的实践经验，使得这本书不仅是对历史的回顾，更像是为现代制瓷人留下的一份宝贵的“技术备忘录”，极具参考价值。

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这本书最令人称道的是其对于“文化语境”的深入挖掘。它超越了传统鉴赏书籍仅关注“形制、年代、窑口”的窠臼，转而将瓷器置于其诞生的社会、政治和审美风尚之中进行审视。例如，作者对明代永乐年间外销瓷的分析，不仅讨论了其伊斯兰风格的影响，更进一步探讨了当时海上丝绸之路的繁荣以及中西方贸易往来的微妙关系，将一件器物上升到了国际交流史的高度。这种跨学科的视野令人耳目一新，让你明白，每一件瓷器都不是孤立存在的艺术品，它们是那个时代社会思潮、技术能力和物质需求的综合体现。阅读过程中，我不断地停下来思考，原来我过去仅仅把它们当做“好看的碗碟”，而这本书则揭示了它们背后隐藏的宏大叙事，让历史变得触手可及。

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这本书带给读者的最大收获，或许是对“审美疲劳”的一种解药。在当下信息爆炸、审美被快速迭代的时代，我们很容易对经典产生麻木感。然而，许之衡的文字有一种魔力，能将那些我们习以为常的“名品”，重新打磨得光彩夺目。他笔下的宋瓷，不再只是高高在上的“国宝”，而是具有人格和温度的物件；他笔下的清代粉彩，不再只是富丽堂皇的堆砌，而是对光影和色彩哲学的极致追求。每读完一个章节，我都会立刻起身，走到自己的书房去审视那些平日里收藏的、甚至只是在博物馆照片上见过的瓷器，尝试用作者提供的视角去重新“观看”它们。这是一种深刻的审美重建过程，它教会我如何慢下来，如何真正地“读懂”一件器物所承载的漫长光阴和无数匠人的心血，让人对传统艺术的敬畏之心油然而生。

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这本书的装帧设计简直是匠心独运，封面采用了那种略带粗粝感的纸张，触感温润而厚重，与书名“许之衡谈瓷器”所蕴含的古典韵味完美契合。主视觉是一幅精妙绝伦的宋代汝窑洗的局部特写，釉色温润如玉，那种雨过天青的微妙变化，即便只是印刷品，也能感受到几近真实的视觉冲击力。设计者显然深谙“留白”的艺术，文字排版疏朗有致，字体选择典雅而不失现代感，阅读起来丝毫没有传统学术书籍的沉闷。尤其是内页的纸张选择，光泽度适中，墨色沉稳，使得那些精美的瓷器图片得以忠实呈现，色彩还原度极高。随便翻开一页，都能看到细致入微的器物局部图，对观察器物胎体、釉面、开片等细节提供了极大的便利。这不仅仅是一本关于瓷器的书，更像是一件经过精心打磨的艺术品，拿在手中就能感受到作者和出版方对“器物之美”的尊重与敬意。每次摩挲封面，都仿佛在触摸那些千年时光沉淀下来的温润。

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