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《教育部职业教育与成人教育司推荐教材•全国卫生职业院校规划教材·美学基础(第2版)》第一版因其适应了时代、社会及有关院校教学的迫切需要而受到热烈地欢迎。本次再版内容与形式更臻完美实用，全面介绍了美学基础知识，含自然美、艺术美、社会美，有助于提高当代医护人员及各行各业工作人员必备的美学修养。书后还单列一章艺术欣赏，供学校选择使用。《教育部职业教育与成人教育司推荐教材·全国卫生职业院校规划教材·美学基础(第2版)》以如何塑造人(尤其医护人员)的美为中心，兼备理论与应用，内容生动，图文并茂，通俗实用，有大量典型的医护临床案例；并有配套PPT课件可在科学出版社网站下载，方便教学。
《艺术之维：现象学与符号学视角下的视觉表达》 一部深入探究当代视觉文化肌理的理论巨著，旨在解构我们如何感知、理解和构建意义的图像世界。 第一部分：视觉现象的回归——现象学视域下的在场性与身体性 本书摒弃了传统美学中将艺术品视为独立、客观对象的惯例，转而回归到现象学哲学对“经验本身”的关切。我们不再仅仅讨论“这是什么画”，而是追问“当我观看时，它如何向我呈现”以及“我的身体在观看中扮演了何种角色”。 1. 沉浸与敞开：梅洛-庞蒂的知觉现象学 本章细致梳理了莫里斯·梅洛-庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）的知觉理论，特别是“身体-主体”（the body-subject）的概念。我们论证了视觉经验并非大脑对外部刺激的被动接收，而是一种主动的、面向世界的“存在方式”。对于一幅抽象表现主义作品的凝视，其意义并非完全内嵌于颜料和画布的物质性中，而是产生于观看者身体与作品表面之间建立起的动态关系——笔触的张力如何引导眼球的运动，色彩的饱和度如何触动皮肤的感受。我们引入了“知觉的领域”（the phenomenal field）概念，分析艺术作品如何构建一个自足的、可供身体进入的感知空间。 2. 在场性与“光晕”：海德格尔的“物”与“用具” 我们借鉴马丁·海德格尔（Martin Heidegger）对“上手性”（readiness-to-hand）和“离手性”（presence-at-hand）的区分，来考察艺术品在不同情境下的存在状态。当观众走进美术馆，作品往往处于“离手”的陈列状态，其纯粹的视觉属性被凸显。然而，优秀的艺术作品总是在其纯粹在场之外，投射出一种难以言喻的“光晕”（aura），这光晕是作品在历史、材料和观看者预期之间交汇所产生的“生成性存在”。本章详细分析了伦勃朗肖像画中光影处理对人物内在精神世界的揭示，论证了光线如何成为揭示“存在之真”的媒介，而非仅仅是照明工具。 3. 观看的伦理学：对“凝视”的审视 引入列维纳斯（Emmanuel Levinas）的思想，我们将目光从对艺术形式的纯粹分析，转向观看行为本身的伦理维度。凝视一个被描绘的人像，尤其是一个痛苦或无助的形象时，观看者是否承担了责任？艺术作品能否超越其审美愉悦，成为一种对他者苦难的“在场召唤”？我们考察了纪实摄影和政治艺术如何利用强烈的视觉冲击力，迫使观众面对难以回避的道德抉择，探讨了视觉美学在社会介入层面的可能性与陷阱。 --- 第二部分：意义的编织——符号学与结构主义的文本解析 如果说现象学关注的是“如何感知”，那么符号学则着力于“如何理解”。本部分将视觉图像视为一种复杂的语言系统，运用结构主义和符号学的工具，剖析图像背后的编码、解码机制以及文化代码的运作。 1. 从索绪尔到巴特：能指、所指与神话的解构 本章系统回顾了费尔迪南·德·索绪尔（Ferdinand de Saussure）的语言学模型，并将其应用于视觉分析。重点探讨罗兰·巴特（Roland Barthes）的“图像三层次”理论——字面层（signified/signifier）、图像意指和文化意指。我们将具体分析流行文化中的标志性图像（如特定品牌的Logo、电影海报），揭示其如何通过“神话”（mythology）的构建，将意识形态的偏见伪装成自然、普遍的真理。例如，对“英雄形象”的惯常视觉呈现，如何固化了特定社会角色的性别或种族预设。 2. 视觉语法与句法：图像的结构分析 借鉴格雷马斯（Greimas）的叙事学模型，我们将图像分解为构成其意义的最小单位（视觉“原子”）。分析构图、线条、颜色、空间布局等视觉元素如何共同构建一个“视觉句法”。在分析一幅复杂历史画作时，我们不再孤立看待人物的姿态，而是将其视为一个关系网络中的节点，考察其与周围环境、光线焦点之间的“关系值”。我们尤其关注“负空间”（negative space）的能指作用，即未被描绘的区域如何通过暗示与缺席，参与到意义的构建过程中。 3. 序列与差异：后结构主义对图像稳定性的挑战 超越结构主义对稳定意义的追求，本部分转向后结构主义对“阐释的无限推迟”的探讨。我们引入德里达（Jacques Derrida）的“延异”（différance）概念，分析当代艺术中对图像本体论的颠覆。例如，拼贴（collage）和挪用（appropriation）艺术如何通过打破既有图像的“在场”，制造意义的断裂与不稳定。通过分析安迪·沃霍尔对名人肖像的重复印刷，我们探讨了如何通过无限的复制，消解了原初图像的神圣性与确定性，使“图像的意义”成为一个永恒流动的过程。 --- 第三部分：空间、媒介与身体的交织——科技语境下的感知重塑 在数字化和媒介爆炸的时代，传统的观看模式正在瓦解。本部分将研究媒介技术如何重塑我们的感官体验，并探讨虚拟空间中的新“美学在场”。 1. 媒介的“拓扑学”：从平面到沉浸 借鉴麦克卢汉（Marshall McLuhan）关于媒介即信息的观点，我们将焦点放在不同媒介形态（绘画、摄影、电影、VR/AR）如何塑造我们对现实的感知结构。我们考察了电影蒙太奇如何训练观众的“时间感”和“因果律”，以及电子游戏和虚拟现实（VR）技术如何创造出一种前所未有的、要求身体参与的“人工在场感”。这种在场感，是对传统现象学“自然态度”的一种技术性反转。 2. 屏幕的诱惑：光线、延迟与注意力经济 深入分析当代数字图像的物理基础——像素和背光技术。屏幕发出的光线与油画反射的环境光在本质上有何区别？这种“主动发光”的图像如何影响我们的瞳孔反应和专注力？本章探讨了数字图像的“无限可复制性”与“瞬时性”如何与“注意力经济”相互作用，揭示了在信息过载环境下，图像不再是提供沉思的对象，而是争夺有限注意力的战利品。 3. 身体的扩展与异化：赛博格美学 最后，本章探讨了技术介入下身体界限的模糊化。从仿生学艺术到数字替身（avatar），我们审视了身体如何在视觉表征中被解构、重组和“扩展”。这种扩展带来的审美体验是解放性的还是异化的？当我们的视觉体验越来越多地依赖算法过滤和界面设计时，我们对“真实”和“美”的感知基础是否正在被永久性地改变？ 结论：在不可见的缝隙中寻找生成 《艺术之维》最终导向一个结论：真正的审美活动并非是对既定意义的辨认，而是在现象学的在场性与符号学的差异性之间，对意义生成过程的持续参与。它要求观者不仅是一个被动的接收者，更是一个积极的参与者，穿梭于物质经验与符号结构交织的复杂迷宫之中。本书为研究当代视觉文化的学者、策展人以及所有渴望深度理解图像世界的读者，提供了一套强健且富有批判性的分析工具。
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