驰骋古今 中国艺术的仿摹与创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:香港大学美术博物馆

作者:Maudsley, Catherine (EDT)

出品人:

页数:350

译者:

出版时间:2006

价格:927.00 元

装帧:精装

isbn号码:9789627287513

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 中国
• 中国艺术史
• 艺术仿摹
• 艺术创作
• 艺术传承
• 文化艺术
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 艺术理论
• 艺术发展

目录 第一章 远古的回响：史前与先秦艺术的初探 1.1 艺术的起源：新石器时代的陶器与岩画 1.2 礼器的庄严：夏商周青铜器的符号世界 1.3 思想的碰撞与造型的突破：春秋战国时期的玉器与金银器 第二章 气韵生动：秦汉至魏晋南北朝的审美嬗变 2.1 帝国的威仪：秦汉雕塑与画像石的叙事性 2.2 佛教东渐的视觉冲击：魏晋南北朝的石窟造像 2.3 魏晋风骨：书法艺术的独立与文人画的萌芽 第三章 盛世气象：唐宋的辉煌与艺术的定型 3.1 大唐气象：唐代绘画（人物、山水、花鸟）的繁盛 3.2 釉彩的革命：唐三彩与宋代五大名窑的极致美学 3.3 文人画的成熟：宋代士大夫的笔墨情趣与“意境”的追求 3.4 院体与民间：宋代工艺美术的精微与实用 第四章 变革与张力：元明清时期的艺术转型 4.1 笔墨的解放：元四家与明代吴门画派的文人精神 4.2 宗教艺术的新格局：藏传佛教艺术在内地的传播 4.3 市井的繁荣：明清民间工艺的世俗化与世俗审美的兴起 4.4 审美趣味的转向：清代文人画的僵化与画坛的保守 第五章 走向世界：近现代中国艺术的探索与反思 5.1 西学东渐的冲击：清末民初的艺术教育变革 5.2 救亡图存的艺术表达：二十世纪上半叶的现实主义思潮 5.3 传统与现代的交融：新中国成立后的艺术院校教育与国家叙事 5.4 改革开放后的多元探索：当代艺术的身份构建与全球对话 --- 远古的回响：史前与先秦艺术的初探 中国的艺术史是一条深邃而绵长的河流，其源头可以追溯到遥远的新石器时代。彼时的艺术并非独立的美学活动，而是与生存、信仰、原始宗教紧密相连的“实用之美”。 1.1 艺术的起源：新石器时代的陶器与岩画 在距今数千年乃至上万年的历史长河中，先民们留下了最早的视觉记录。黄河流域的仰韶文化，以其彩陶的精美著称。这些陶器上流畅的几何纹饰、旋涡纹，乃至高度风格化的人面鱼纹图案，不仅是实用器皿的装饰，更是早期宇宙观和氏族图腾的视觉编码。它们造型敦厚，线条奔放有力，体现了一种原始的生命力和朴素的对称美。 与此同时，散布在各地岩壁上的岩画，如同远古的“博物馆墙”，记录了狩猎场景、祭祀仪式以及对自然万物的描摹。这些图像的粗犷与直接，反映了人与自然的原始搏斗与和谐共存。 1.2 礼器的庄严：夏商周青铜器的符号世界 进入青铜时代，中国的艺术焦点骤然转向了礼器。夏商周三代，青铜冶铸技术达到了人类文明史上的一个高峰。这些用于祭祀天地祖先的鼎、簋、爵等重器，不再是简单的工具，而是权力与等级的象征。 商代的青铜器纹饰以饕餮纹（或称兽面纹）为主导，其特点是狞厉、神秘而繁复的构图。这种纹饰的特点在于“内藏精气”，通过云雷纹、乳钉纹的层层叠加，营造出一种森严的威慑力。纹饰的布局严格遵循礼制，每一个部件都有其固定的位置和意义，体现了早期国家对秩序的极致追求。周代青铜器，尤其是西周早期，在保持狞厉感的同时，逐渐向着规整、程式化的方向发展，铭文的增加，使得器物兼具了文献价值和书法艺术的雏形。 1.3 思想的碰撞与造型的突破：春秋战国时期的玉器与金银器 春秋战国是中国社会结构发生剧烈变动的时期，思想的解放也催生了艺术风格的重大转变。这一时期的艺术不再拘泥于商周的庄严与神秘，转而追求灵动、写实与个性表达。 玉器是这一时期的重要代表。玉璧、玉璜依旧是礼制器物，但“组玉佩”的流行，使得玉器开始与人的肢体运动相关联。装饰纹饰上，蟠螭纹、虺纹等开始变得活跃，龙凤形象不再是静止的图腾，而是充满了动态的缠绕与追逐，展现出一种“活泼的生命力”。 更引人注目的是金银器工艺的爆发。失蜡法等技术的成熟，使得金银错、镶嵌工艺得以广泛应用。楚文化中出土的大量金银器，如车马器、饰品等，其造型往往极具想象力，多以动物搏斗、狩猎场景为题材，造型夸张，充满“浪漫主义”的奇幻色彩，这与同时期中原地区的审美趣味形成了鲜明的对比，标志着区域艺术风格的显著差异。 --- 气韵生动：秦汉至魏晋南北朝的审美嬗变 秦汉大一统的建立，为艺术提供了广阔的物质基础和统一的意识形态框架。艺术开始从纯粹的宗教和礼仪服务，向“教化”和“叙事”功能转型。 2.1 帝国的威仪：秦汉雕塑与画像石的叙事性 秦代的兵马俑是世界雕塑史上的奇迹，它以写实的态度、极高的写生技巧，塑造了千人千面的军队群像。虽然其色彩和精细度已多有损耗，但其体量感和气势，完美体现了秦帝国“法家”的威严与统一性。 汉代的艺术则更侧重于叙事和表达世俗生活。无论是地面的画像石、画像砖，还是地下的陶楼、陶俑，都在描绘宴饮、百戏、出行、农耕等场景。这些图像虽然质朴，但构图已经非常成熟，展现出一种平铺直叙的“史诗感”。尤其是对车马、建筑的刻画，体现了汉代匠人对现实世界细致入微的观察。汉代帛画，如《马王堆汉墓帛画》，则以其精妙的设色和象征性的宇宙图景，展现了汉人对生死和宇宙秩序的思考。 2.2 佛教东渐的视觉冲击：魏晋南北朝的石窟造像 随着佛教在东汉末年和魏晋时期的大量传入，中国艺术的题材和表现手法迎来了一次里程碑式的变革。石窟造像，如云冈、龙门石窟，成为这一时期最重要的艺术载体。 早期造像（如云冈早期），深受犍陀罗艺术风格的影响，佛像面相饱满、体态健硕，衣纹厚重而呈“U”形下垂，带有明显的异域风情。然而，随着南北朝文化融合的深入，尤其是在北魏孝文帝迁都洛阳后，汉化进程加速。龙门石窟的造像，尤其是宾阳洞的佛像，开始转向清瘦、飘逸的风格，衣纹变得轻薄、流畅，具有“褒衣博带”的魏晋风度，这种艺术语言的转变，标志着“中国化”的艺术叙事策略的形成。 2.3 魏晋风骨：书法艺术的独立与文人画的萌芽 魏晋时期，玄学盛行，“言意之辨”成为思想主流，这直接影响了艺术的审美取向。艺术开始追求内在的精神气质，即“风骨”。 书法的地位空前提高，从单纯的书写工具，上升为表达个体人格和学养的纯粹艺术。王羲之将隶书向楷书和行书的转变推向成熟，其作品强调结构上的欹侧平衡与笔法上的遒劲内敛，确立了后世书法美学的核心标准。 在绘画领域，顾恺之的作品（如《洛神赋图》摹本所体现的）强调“传神写照，良久理会”，注重勾勒线条的力度与情感的内在表达，这为后世文人画对“笔墨精神”的追求埋下了伏笔。 --- 盛世气象：唐宋的辉煌与艺术的定型 唐代以其博大、开放的胸襟，将中国艺术推向了第一个高峰；宋代则在内敛、理性的氛围中，将艺术推向了极致的精致与意境化。 3.1 大唐气象：唐代绘画（人物、山水、花鸟）的繁盛 唐代艺术的核心是“气象万千”与“雍容华贵”。 人物画达到写实与理想化结合的巅峰。阎立本的《步辇图》体现了宫廷政治的庄重与仪态的典雅；吴道子的“吴带当风”画法，以极其流畅、富有动感的线条，塑造了雄健的佛像与道观人物，将人物动态的美感推向极致。 山水画在唐代开始独立，李思训、李昭道父子开创的“金碧山水”，以石青、石绿等矿物颜料敷色，描绘崇山峻岭，气势恢宏，极具装饰性。同时，王维则开创了水墨淡设色的先河，虽然真迹难存，但其倡导的“诗中有画，画中有诗”的理念，奠定了水墨画“写意”的基础。 花鸟画亦走向成熟，如边鸾的工笔花鸟，以细腻的描摹，展现了盛世的繁荣景象。 3.2 釉彩的革命：唐三彩与宋代五大名窑的极致美学 唐三彩是唐代世俗享乐生活的缩影。其釉色斑斓，造型多变，尤其以骆驼、马匹等胡俑形象最为著名，反映了丝绸之路带来的文化交流。 宋代则是中国陶瓷史的黄金时代。五大名窑——汝、官、哥、定、钧——的出现，标志着审美重心从“装饰性”转向“纯粹的造型与釉色之美”。汝窑的“雨过天青”追求的是一种浑然天成的釉色效果，强调“素雅”与“内敛的温润感”；钧窑则以其窑变产生的绚烂斑点，展现了烧制过程中的偶然性与科学性结合的魅力。宋瓷的审美趋向于“去繁就简”，器型端正，线条洗练，与宋代理学思辨的氛围高度契合。 3.3 文人画的成熟：宋代士大夫的笔墨情趣与“意境”的追求 宋代“重文轻武”的国策，使得士大夫阶层在文化领域的影响力空前强大。绘画艺术开始强调“以书入画”和“写胸中丘壑”。 以苏轼、米芾为代表的文人画家，反对李思训式的刻板描摹，提倡在绘画中融入个人的学养、性情和哲思。他们的画作，尤其是米芾的“米点山水”，用墨法大胆而率性，追求的是“不求形似，但求神似”的境界。山水画强调的“意境”，成为了中国画的核心审美范畴，它不再是风景的记录，而是心境的投射。 3.4 院体与民间：宋代工艺美术的精微与实用 宋代的工艺美术（如金工、漆器、织绣）达到了极高的技术水平，体现了对日常用品美感的极致追求。宋徽宗时期的官营作坊，制作的漆器、玉器，造型精美，雕刻细密，是工匠精神的体现。 --- 变革与张力：元明清时期的艺术转型 元代的更迭，标志着中国艺术进入了一个由“士人”主导，并在传统基础上寻求突破与反思的时期。 4.1 笔墨的解放：元四家与明代吴门画派的文人精神 元朝的建立，使得大量南宋遗民的士大夫阶层退居山林，以书画自娱，成为了抵抗异族统治的精神寄托。这极大地推动了文人画（或称士人画）的独立与发展。 “元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——是这一转变的代表人物。他们继承了宋代苏米一脉的写意精神，但风格更为简淡、萧疏，尤其是倪瓒，其作品多以干笔皴擦，画面空寂，体现了遗民对世俗的疏离与高洁的自持。 明代，文人画的格局进一步扩大。董其昌在理论上对“南北宗”的划分，将文人画推向了理论上的高峰，强调“以书为画”，注重笔墨的内在精神和传统文脉的传承。 4.2 宗教艺术的新格局：藏传佛教艺术在内地的传播 明清时期，宫廷对藏传佛教的推崇，使得藏传佛教艺术（唐卡、泥塑、铜鎏金佛像）大量进入内地，并与汉地传统的造像和雕塑技术相结合。这种结合使得佛像造型更加写实、色彩更加浓烈，同时在装饰细节上融入了汉地的吉祥纹饰，形成了一种独具的“宫廷藏传”风格。 4.3 市井的繁荣：明清民间工艺的世俗化与世俗审美的兴起 随着商品经济的发展，市民阶层对艺术的需求日益旺盛，这极大地推动了民间工艺的世俗化和繁荣。 明代中后期的民窑瓷器（如嘉靖、万历时期的青花），纹饰繁复，用色大胆，相较于官窑的内敛，更显富丽堂皇，迎合了新兴阶层的审美趣味。刺绣、珐琅彩等工艺，也开始大量装饰于生活用品之上。 清代，尤其是康乾盛世，景德镇的制瓷业进入了巅峰，粉彩、墨彩等新釉彩技术的发展，使得描绘日常场景、吉祥纹样成为主流。这一时期的艺术，虽然技法达到了惊人的完美，但相较于宋代的意境，更侧重于“炫技”和“富贵气”。 4.4 审美趣味的转向：清代文人画的僵化与画坛的保守 清初的“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）代表了正统的文人画派。他们以“摹古”为核心，强调对元明大师笔法的严格继承，以求达到“笔墨精湛”的境界。然而，过度强调对古人范式的模仿，使得清代中期及后期的文人画逐渐陷入程式化和僵硬的怪圈，创新动力减弱。 --- 走向世界：近现代中国艺术的探索与反思 晚清至民国，中国艺术经历了前所未有的危机与重塑，开始主动或被动地与西方艺术体系进行碰撞、学习与融合。 5.1 西学东渐的冲击：清末民初的艺术教育变革 鸦片战争后，面对“坚船利炮”带来的技术差距，中国知识分子开始反思传统文化教育的弊端。以蔡元培为代表的改革者主张“美育救国”。 1912年后，中国开始建立现代美术教育体系。苏绣、油画、素描等西方写实技法被引入课堂。传统国画面临“何去何从”的拷问，徐悲鸿提倡的“素描为基础”的写实主义，强调传统国画必须吸收西方解剖学和透视学的成果，以增强造型能力。他的“写实救国”理念，在当时具有强大的时代意义。 5.2 救亡图存的艺术表达：二十世纪上半叶的现实主义思潮 抗日战争和国内革命的烽火，使得艺术承担起强烈的社会责任感。以月份牌和木刻版画为代表的艺术形式，凭借其传播速度快、受众广的优势，成为宣传进步思想的主力军。木刻艺术，如鲁迅提倡和推动的，以其强烈的黑白对比和粗粝的刀法，表达了对底层人民的深切同情和对黑暗现实的控诉。 5.3 传统与现代的交融：新中国成立后的艺术院校教育与国家叙事 新中国成立后，艺术创作被纳入国家统一规划，主要任务是歌颂新时代、服务工农兵。 油画民族化成为重要课题，老一辈艺术家致力于将油画的媒介特性与中国传统绘画的审美趣味相结合，形成既有西方立体感，又有东方笔墨韵味的独特风格。中国画则在“写实、写意、工笔、写意”的四大门类下，努力在“革命现实主义”的框架内挖掘传统技法的表现力。大型历史题材的创作，成为这一时期艺术成就的集中体现。 5.4 改革开放后的多元探索：当代艺术的身份构建与全球对话 1980年代初，随着“星星美展”等先锋艺术活动的出现，中国艺术进入了全面反思和多元探索的阶段。 “八五思潮”后，艺术家们开始质疑既有的历史叙事，对传统进行解构与重塑。从超现实主义、波普艺术到装置艺术，各种西方现代艺术思潮涌入中国。当代艺术家们不再局限于单一的媒介或主题，而是更加关注个体经验、城市化进程、全球化背景下的文化身份焦虑等议题。当代艺术以其开放性和批判性，在国际艺术舞台上获得了前所未有的关注，标志着中国艺术正以一种自信且复杂的方式，参与到全球艺术对话之中。

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我是一个业余的书法爱好者，一直苦于无法突破临帖的瓶颈，总觉得自己的作品缺乏“气韵”。在读了这本书关于“意在笔先”的章节后，我茅塞顿开。作者没有用那些空泛的术语来搪塞读者，而是深入剖析了古代书画家在动笔前，头脑中构建的“意象”是如何通过笔墨物质化的。他详细对比了不同时代对同一题材（比如竹子或山石）的理解差异，并阐述了这种理解差异如何体现在最终的笔触和结构上。这种从“心”到“手”的完整链条被清晰地梳理出来，让我意识到，真正的创作绝不是机械模仿，而是一场心性的修炼。这本书为我指明了一条路径：要超越仿摹，必须先彻底理解被仿摹的“道”，而非仅仅停留在“形”的表层。这对于任何想要在传统艺术道路上走得更远的人来说，都是一份宝贵的指引。

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我最欣赏的，是这本书所展现出的那种开放和包容的学术态度。它并没有固守某一家一派的教条，而是以一种宏大的、跨学科的视野来审视中国艺术史。作者在论述仿摹与创作的辩证关系时，穿插了对哲学思想、社会变迁乃至文人生活方式的探讨。比如，他将宋代士大夫的内敛情怀与他们对自然山水的描摹进行关联分析，使得作品的解读不再是孤立的艺术行为。这种多维度的解读，极大地丰富了我对艺术史的认知深度。它成功地将艺术史从“作品陈列室”提升到了“人类精神探索史”的层面。读完后，我感觉自己不仅学会了如何欣赏艺术，更学会了如何用更深邃、更富同理心的目光去理解人类文明的创造力。这本书的价值，远远超出了对艺术技巧的讲解，它是一部关于文化传承与创新的精彩论述。

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这本《驰骋古今 中国艺术的仿摹与创作》简直是为我量身定做的！我一直对中国传统艺术的精髓和演变充满了好奇，尤其是那些大师们如何从前人的作品中汲取灵感，并在此基础上进行创新。这本书的结构设计非常巧妙，它没有停留在枯燥的理论层面，而是通过大量的实例分析，将“仿摹”和“创作”这两个看似矛盾的概念有机地结合起来。我特别喜欢它探讨的那些“心法”——如何通过临摹来理解笔墨的内在逻辑，如何将古人的气韵融入到自己的时代语境中。阅读过程中，我仿佛跟随作者的脚步，穿梭于历史的长河中，近距离观察每一件传世之作的诞生过程。这种深入骨髓的体悟，远比单纯的知识积累来得有价值。它不仅拓宽了我的视野，更激发了我内心深处对艺术创作的敬畏与热爱。那种从模仿到超越的蜕变，被讲述得淋漓尽致，让人读后久久不能平静，迫不及待地想拿起笔墨，亲自去实践一番。

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这本书的装帧和配图质量简直是艺术品级别的享受。每一幅引用的作品，无论是宏大的壁画残片还是细腻的文人小品，都经过了精心的挑选和高质量的呈现。对于我这种视觉敏感型的读者来说，这太重要了。作者在文字中描述的那些微妙的皴法变化、墨色的浓淡干湿，仅仅通过高质量的图版就能够获得直观的感受。我常常在阅读某段文字后，立刻翻到对应的图例进行比对，那种文字与图像的相互印证，使得理论知识瞬间变得鲜活可感。它不是一本冷冰冰的学术论著，更像是一位资深的前辈，手把手地带着你走进艺术的殿堂，让你感受到材料、工具、以及艺术家心手相应时的那种魔力。这种沉浸式的阅读体验，极大地提升了学习效率和审美愉悦感。

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坦率地说，我原本对这种聚焦于“仿摹”的书籍抱持着一丝疑虑，总觉得可能会过于拘泥于技法和规矩，缺乏现代的活力。然而，这本书完全颠覆了我的刻板印象。它以一种极其现代的视角，解构了传统艺术中“师法自然”与“师法古人”之间的微妙平衡。作者的笔触犀利而充满洞察力，他并没有将仿摹视为简单的复制，而是上升到了一种精神传承的高度。书中对于不同历史时期，如魏晋风度、唐宋气象到明清变格，在摹古过程中所体现出的时代精神差异的分析，简直是鞭辟入里。我尤其欣赏它对“变”的强调，指出真正的艺术生命力在于如何将古人的基因激活，使其在新的土壤中开出不同的花朵。这本书读起来像是一场酣畅淋漓的思想对话，它让你思考的不仅仅是如何画，更是“为何要画”以及“如何让你的画拥有属于自己的声音”。

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展一般，基本都是拍卖行专家或者新藏家写的文章，水平一般。

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