Five Modern Noh Plays

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出版者:Henry Holt & Company Inc
作者:Mishima, Yukio
出品人:
页数:228
译者:
出版时间:1989-12-15
价格:12.95
装帧:平装
isbn号码:9780804813808
丛书系列:
图书标签:
  • 日本
  • 文学
  • 戲曲
  • 戲劇
  • 三島由紀夫
  • 三岛由纪夫
  • Noh戏剧
  • 现代
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  • 戏剧史
  • 东方戏剧
  • 舞台艺术
  • 文化研究
  • 戏剧作品
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具体描述

《迷踪:失落的舞台与现代回响》 一本探索传统剧作在当代语境下重塑与解构的深度研究专著。 内容提要: 《迷踪:失落的舞台与现代回响》是一部立足于全球戏剧史料的广阔视野,专注于探讨十九世纪末至二十一世纪初,特定非西方传统舞台艺术形式在面对工业化、全球化以及后现代思潮冲击时,如何进行自我革新、继承与遗忘的综合性学术论述。本书摒弃了单纯的文本分析或美学比较,转而深入挖掘特定文化场域中,艺术家、剧作家、导演以及观众群体对于“传统”的理解是如何随着时代脉络而流变和冲突的。 本书的核心关注点在于“断裂与延续”的辩证关系。我们聚焦于几种高度仪式化、符号化且依赖于特定技艺传承的剧场形式,剖析它们在从神圣空间向世俗剧场转化的过程中所经历的阵痛。作者通过细致的田野调查资料和一手剧团访谈记录,重构了数个关键历史节点:传统艺人如何应对观众群体的流失、资本的介入如何重塑了舞台的物质性,以及现代主义思潮对传统美学范式的颠覆性挑战。 全书共分五大部分,层层递进,从宏观的理论框架构建到微观的个案剖析,力求为读者呈现一个立体、多维度的传统剧场“失落”与“重生”的复杂图景。 第一部分:失焦的图像——十九世纪末的审美危机与异域之魅 本部分首先设定了研究的理论基础,探讨了西方现代性如何催生了对“他者”非西方文化的浪漫化想象(东方主义的阴影),以及这种想象如何反作用于本土的艺术实践。我们详细考察了在此期间,那些固守传统形式的表演团体如何试图在日益增长的西方戏剧影响下,重新定义其存在的价值。重点分析了对“纯粹性”的追求与商业化压力之间的张力,并辅以大量关于早期舞台实录照片和评论文章的解读,揭示了剧场“可见性”的第一次重大危机。 第二部分:机器时代的节奏——技术、速度与剧场本体的位移 随着录音、电影以及电力照明技术的普及,剧场的物质性发生了根本性改变。本章深入探讨了技术革命如何侵蚀了传统剧场中强调的“此刻性”和“在场性”。我们分析了特定的传统剧目如何被迫调整其节奏——从内省式的、沉思的慢板,转变为更符合工业化社会追求效率和高密度信息的快节奏。此处的分析尤其关注灯光设计、布景转换以及服饰材料的革新,如何从根本上改变了观众的感知经验,以及传统音乐和唱腔在电子媒介传播中的失真问题。 第三部分:叙事者的消亡——现代戏剧思潮对结构与角色的重塑 现代主义戏剧,尤其是受易卜生、契诃夫等影响的现实主义潮流,对传统剧作中高度程式化、非个人化的角色设定构成了直接挑战。本部分详细研究了现代心理学如何渗透到传统叙事结构中,要求角色具备更强的内在动机和可被“分析”的情感深度。作者探讨了剧作家们在试图“现代化”经典文本时所采用的策略:是彻底抛弃固定的唱腔和套语,还是在保持形式外壳的同时,注入现代的社会批判内容?这一部分通过对比不同时期对同一神话或历史事件的改编文本,清晰地展示了现代性对“意义生产”的重塑过程。 第四部分:跨界与杂糅——身份政治视野下的舞台重构 进入后现代阶段,剧场的界限变得模糊,“传统”不再是一个固定、神圣的实体,而成为一个可供挪用、戏仿和解构的素材库。本章关注了二十世纪后期涌现的“剧场民族志学”运动,以及不同文化背景的导演如何将这些传统元素与先锋派、后戏剧剧场(Postdramatic Theatre)的技法相融合。我们特别关注了身份认同的议题:当传统艺术形式被纳入全球艺术节的语境时,它如何被重新“编码”以迎合国际观众的期待?这种跨文化的对话,是真正意义上的平等交流,还是新一轮的文化消费? 第五部分:遗忘的剧场——数字档案与活态传承的未来 最后一章将视角投向当代,探讨数字技术在传统剧场传承中的双重作用:一方面,数字化存档提供了前所未有的保护手段,使得濒临失传的表演得以被记录;另一方面,过于依赖屏幕再现的观看方式,是否会进一步削弱观众与现场艺术之间那种不可替代的、身体性的连接?作者对当前致力于“活态传承”的年轻一代表演者进行了深度访谈,探究他们在恪守师徒制度的同时,如何应对社交媒体时代的快速反馈和持续的自我创新压力。本书最终以对“永恒的剧场”这一概念的哲学反思作结,探讨在不断的变迁中,什么才真正构成了某一特定舞台艺术的核心精神。 本书特色: 跨学科的综合视角: 结合了戏剧学、文化人类学、媒介研究和历史学的方法论。 丰富的案例支撑: 引用了大量的舞台记录、导演访谈、批评文献以及被忽视的早期演出手册。 严谨而富有洞察力的论证: 避免了对任何一种形式的过度赞美或贬低,致力于揭示复杂历史进程中的结构性力量。 面向读者: 戏剧理论研究者、剧场导演、文化研究学者、艺术史专业学生,以及所有对非西方古典艺术形式在现代社会中命运抱有深切关切的读者。本书将提供一个坚实的理论框架,用以理解任何试图在传统与现代之间架设桥梁的文化实践。

作者简介

三岛由纪夫(1925—1970),生于东京,本名平冈公威。1947 年从东京大学法学部毕业,进入大藏省任职。翌年9月辞职,开始专事创作。1949 年,长篇小说《假面的自白》出版,确立了三岛由纪夫专业作家的身份。代表作有小说《潮骚》《金阁寺》《镜子之家》《忧国》、“丰饶之海”四部曲,戏剧《近代能乐集》《鹿鸣馆》《萨德侯爵夫人》等。

目录信息

读后感

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编按: 虽然有个高冷的书名,但《能乐集》并不是阅读门槛较高的“能剧写作”。就像是三岛自己描述的,这个集子是对古代故事的现代讲述。 举一个例子,第一篇剧作《邯郸》取材于中国邯郸之枕——“黄粱一梦”的故事。这个故事流传到日本以后,在经典能剧中这样演绎:主角卢生在...  

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被一段恋情搞得身心俱疲,真的是已经累到没有力气装模作样了,然而不想失去那个人,所以还要装。 所以想到六条御息所,那个百般隐忍直至灵魂出窍,化为生灵作祟的女人。 “女人为何羡慕女王,那是因为她拥有天底下最多的矜持”。这句台词每每念出来都会潸然泪下。 不太喜欢...  

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编按: 虽然有个高冷的书名,但《能乐集》并不是阅读门槛较高的“能剧写作”。就像是三岛自己描述的,这个集子是对古代故事的现代讲述。 举一个例子,第一篇剧作《邯郸》取材于中国邯郸之枕——“黄粱一梦”的故事。这个故事流传到日本以后,在经典能剧中这样演绎:主角卢生在...  

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《班女》讲到一个等待心上人归来的疯女人,但是重逢的那一刻,她却不认识他了。 “我只知道疯狂的花子。那样的她充满了美丽。她在保有理智的时候所做的平庸的梦,现在已经被彻底精炼出来,变成了你这种人完全无法企及的、高贵的、不可思议的梦,变成了坚硬的宝石。” 一个人,...

用户评价

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我必须承认,刚开始翻阅这几部剧作时,我有些不知所措。它与我阅读过的任何其他当代戏剧都不同,缺少那种清晰的戏剧冲突和明确的道德指引。与其说它们是故事,不如说是某种“状态”的呈现。例如其中一部描绘的家庭场景,人物间的对话似乎毫无逻辑关联,充满了重复和停顿,但正是这些“无意义”的碎片,像无数细小的针尖,精准地刺破了“家庭和睦”这个虚假表象。我花了很长时间去适应这种节奏,直到我意识到,作者试图描摹的正是我们日常生活中那些“卡壳”的瞬间,那些我们明明想说却说不出口的、被集体潜意识压抑的情感。作者对“静默”的运用达到了出神入化的地步,舞台上的几秒钟,甚至半分钟的无声,比任何激烈的争吵都更有力量。这要求读者必须调动起全部的感官和想象力,去填补那些空白。读完后,我没有获得宣泄,反而获得了一种近乎禅定的、对日常噪音的重新审视。对于那些期待传统叙事快感的读者,这本书可能会是灾难,但对于渴望探索戏剧边缘地带和人类情感晦暗角落的人来说,它无疑是一座未被充分挖掘的宝藏。

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如果要用一个词来概括阅读这几部作品的感受,那一定是“迷离”。作者在现实与梦境、过去与未来之间的界限处理得极其模糊,让人难以捉摸故事的真实发生地。尤其是在处理主角的身份认同问题时,那种多重人格的切换,不是通过简单的对话来体现,而是通过环境、光线和声音的微妙变化来实现的。这要求读者必须保持高度的警觉,稍微一分神,可能就会错过一个关键的叙事转折点。我特别欣赏作者在文本中埋藏的那些晦涩的文化符号和哲学隐喻,它们像散落在沙滩上的珍珠,需要耐心挖掘才能发现其光泽。虽然解读这些符号需要一定的背景知识,但这绝非故弄玄虚,而是为了构建一个更深邃、更具回响的戏剧世界。读完后,我仿佛从一个潮湿而幽暗的剧场中走出来,虽然全身心地投入了,但对故事的全部意义仍然保持着一种恰到好处的距离感——这或许就是作者的本意:提供一面镜子,而不是一扇窗户。

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说实话,这些剧本的结构感非常独特,它们似乎更倾向于一种循环往复而非线性的发展。我被作者构建的那个“永恒重复的仪式”深深吸引了。在其中一篇中,角色们似乎被困在一个固定的时间循环里,不断重复着祖辈遗留下来的、毫无意义的劳作。这种设计,初看之下有些刻板,但深入品味,你会发现它触及了某种宏大的哲学命题:我们是否也只是在重复着前人的错误和盲从?作者没有给出任何出路,也没有表现出对角色的怜悯,这使得整个体验变得异常清醒和冰冷。舞台调度上,那种对几何学空间的极致运用,也烘托了这种被困住的感觉——无论是笔直的走位还是固定的站位,都像是一种视觉上的铁笼。这不是那种让你为主角的命运揪心的剧本,而是让你停下来,审视自己生活“脚本”的剧本。我感觉自己像是一个站在高处,俯视着人类集体迷失的观察者,内心充满了复杂的情绪,既有对这种宿命论的抗拒,又对其精准描述的无奈折服。

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我对这本书中对“身体性”的处理方式感到非常着迷。尽管是剧本,文字描述却充满了对肢体动作的精确捕捉,很多动作被赋予了超越实际意义的象征负荷。比如,一个角色仅仅是“缓慢地抬起一只手臂,仿佛要抓住水中的倒影”,这个动作本身就浓缩了巨大的失落感和对虚幻事物的执着。作者显然非常了解身体在叙事中的潜力,并且故意将这些动作置于一种高度风格化的语境中,这无疑是对能剧美学的一种现代致敬。这种对动作的夸张和提炼,使得剧中的情感表达变得间接却更加有力。我常常需要停下来,在脑海中将这段文字转化为一个慢动作的画面,去体会那种力量是如何在肌肉和关节间积蓄、释放的。它挑战了我们对“真实”表演的期待,提醒我们,最深刻的表达有时需要最不自然的载体。阅读过程中,我甚至开始反思自己日常生活中动作的程式化和僵硬,这本书像一把手术刀,切开了我们习以为常的身体表达模式。

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这本剧集读完后,我简直像是被拉进了一个光怪陆离的现代梦境。作者对于传统能剧的元素进行了大胆的解构与重塑,但那种源自历史的疏离感和仪式感却奇妙地保留了下来,甚至因为融入了当代生活的琐碎和荒谬而显得更加尖锐。特别是那出关于企业高管在无人岛上进行“心灵净化”的剧本,那种将现代社会中“效率至上”的逻辑推向极致的荒诞感,让人在捧腹之余,不寒而栗。剧作家的对白处理极其精妙,他们没有简单地模仿古老的唱腔,而是用一种冷静、近乎冷漠的语调,将人物内心的巨大空洞和疏离感层层剥开。舞台指示也极具张力,很多场景的布景描述,比如“一个完全由镜面构成的办公隔间,反射着永无止境的焦虑”,直接在脑海中构建出一种强烈的视觉冲击力。对我来说,这部作品的价值不在于它是否完美复现了能剧的精髓,而在于它如何用一种高度提炼的、近乎抽象的戏剧语言,去剖析我们这个时代人与人之间、人与自我之间那道越来越深的裂痕。它不是让人感到舒适的阅读体验,而更像是一次剧烈的、必要的精神震荡,让我对“现代性”这个词有了全新的、带着一丝寒意的理解。

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