The Sculpture of Ursula von Rydingsvard pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hudson Hills Press

作者:Dore Ashton

出品人:

页数:108

译者:

出版时间:1996-10-1

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781555951221

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 乌苏拉·冯·里丁斯瓦德
• 当代艺术
• 艺术史
• 雕刻
• 木雕
• 装置艺术
• 女性艺术家
• 波兰艺术
• 美国艺术

雕塑的寂静与力量：探索空间、物质与内在叙事的艺术实践 （本书不含对 Ursula von Rydingsvard 作品的任何讨论或分析） 这是一本深入剖析当代雕塑艺术语言与物质哲学的重量级论著。本书旨在超越对特定艺术家风格的描摹，聚焦于雕塑这一艺术形式在处理空间、时间、材料以及人类经验等核心议题时所展现出的普遍性力量与复杂性。我们考察雕塑如何从对纪念碑式的传统继承中解放出来，转而成为一种与环境、观众以及感知本身进行深刻对话的媒介。 全书分为四个主要部分，层层递进地解构了从“物”到“意义”的转化过程。 --- 第一部分：物质的内在张力与形体构建 本部分集中探讨了雕塑材料的本体论地位。我们认为，材料不仅仅是艺术家实现意图的载体，它本身就携带着历史、物理属性以及潜在的象征意义。 1. 矿物学与人类学：岩石、金属与泥土的回归 我们细致考察了那些在当代实践中被重新发掘和重塑的传统材料——尤其是那些源于地质深处的元素。书中详尽分析了混凝土、铸铁、青铜以及未经处理的木材如何通过其自身的重量、纹理和暴露的制造痕迹，来抵抗“完美”的表象。例如，对材料表面的粗糙处理（如凿痕、锈蚀或未打磨的切面）如何成为一种有意识的姿态，迫使观众正视其“在场性”而非仅仅是其“再现性”。 我们探讨了材料的“记忆”：一块回收的金属板承载着其前身工业用途的残余能量；一块未经处理的原木则保留了其生长环境的生态印记。这些物质痕迹构成了雕塑叙事的第一层基础。 2. 身体与尺度：触觉经验的重构 雕塑的本质在于它占据空间并要求身体的回应。本部分深入研究了艺术实践如何操纵尺度和比例，以规训或解放观众的感知。我们区分了“可触及的尺度”（Intimate Scale，与人体尺寸相呼应，邀请近距离观察）和“纪念碑性的尺度”（Monumental Scale，挑战物理极限，制造压迫感或敬畏感）。 通过分析一系列对人体形态进行解构、夸张或抽象处理的作品，我们揭示了艺术家如何利用形体的不完整性来暗示缺失、脆弱或潜在的巨大能量。形体不再是单一的实体，而是由负空间（Negative Space）——即被雕塑所界定的空气——共同构成的动态场域。 3. 制造的介入：技艺与偶然性 当代雕塑对传统手工技艺的继承与颠覆是本书的重点之一。我们考察了从传统铸造、雕刻到新兴的数字化制造（如激光切割、3D打印）过程中，艺术家如何介入并控制“偶然性”。 精密的技艺旨在消除人为痕迹，追求表面的光滑与永恒；而某些实践则故意暴露制作过程中的挣扎、焊接的接缝或工具的划痕。这种对“不完美”的强调，实际上是一种对制造过程本身的哲学反思：在工业化和自动化时代，手工劳动的价值和意义何在？ --- 第二部分：空间作为媒介：雕塑与环境的共谋 雕塑不再仅仅是放置在基座上的对象，它必须与其所处的环境进行复杂的协商。本部分关注雕塑如何成为定义和重塑空间的积极力量。 1. 室内与室外的对话：基座的消解 我们分析了雕塑如何从传统的画廊或博物馆的白盒子环境中解放出来，进入公共领域或自然景观。在公共空间中，雕塑的行为是政治性的：它参与了关于公共记忆、权力分配和视觉主导权的争夺。 书中对比了在严格控制的室内展示中，雕塑与观众形成的一种内省式的、私密的体验，与在户外环境中，雕塑必须抵抗天气、光照变化和不断流动的城市人流所产生的公共性、短暂性体验。基座的消失，意味着雕塑必须在物理上和概念上“站稳脚跟”。 2. 结构与渗透：实体与虚空 雕塑对空间的组织不仅体现在其质量（实体）上，更体现在其对穿透性（虚空）的运用上。穿孔的、网格化的、开放结构的雕塑邀请光线和视线穿透。这种结构上的“开放性”如何挑战了传统雕塑的封闭性与密度？ 我们认为，当雕塑变得“多孔”时，它不再是空间的阻碍者，而是空间流动的引导者。它使观众的目光在实体和虚空之间来回切换，从而模糊了对象与背景的界限，营造出一种连续性的感知体验。 3. 时间的维度：动态的沉淀 雕塑虽然是静止的，但它记录和表现了时间。这种时间的记录可以体现在材料的氧化和风化过程（物理时间），也可以体现在对运动瞬间的捕捉（瞬间时间）。 本书考察了那些暗示着运动、平衡或即将崩塌的结构。这些雕塑迫使观看者在脑海中构建其运动轨迹或潜在的能量释放。时间在这里不是线性的，而是通过物质的累积和形态的张力被“压缩”在作品之中。 --- 第三部分：叙事与缺席：内在的景象 雕塑往往是沉默的，但其沉默中蕴含着巨大的叙事潜能。本部分探讨了雕塑如何通过形式的纯粹性，唤起观众的内在想象和情感共鸣。 1. 形态的词汇：从具象到非物质的翻译 雕塑的叙事常常是间接的，它通过形态的“词汇”来建立联系。一个倾斜的平面、一个扭曲的线条、一个重复的单元，它们共同构建了一种非语言的语法。 我们分析了抽象雕塑如何避免指涉外部世界，转而专注于自身的形式关系——重量感、体积感、方向性。然而，这种形式的纯粹性本身就是一种强有力的宣言，迫使观众将注意力导向自身与这些基本几何或有机形式的心理反应。 2. 象征与隐喻的物质载体 即便是最抽象的作品，也往往带有艺术家个人经验的投射。本书探讨了某些常见主题（如“断裂”、“连接”、“保护”、“暴露”）是如何被固化在特定的物质形态中的。 雕塑在充当隐喻载体时，其物质性是不可或缺的：一块沉重的、垂直上升的材料，其“向上”的努力便与希望或超越的意象紧密相连，这种关联性远超于二维图像能够达到的强度。 3. 声音的缺席与回响 雕塑，作为一种视觉和触觉的艺术，其“声音”的缺席构成了一种独特的叙事维度。我们考察了艺术家如何通过形式的节奏、材料的对比（光滑与粗糙、轻盈与厚重）来模拟或暗示听觉体验。例如，尖锐的边缘可能暗示尖锐的噪音，而沉重的堆叠可能暗示着低沉的轰鸣。雕塑因此成为一个“寂静的回响室”，观众在观看时，自身的内在声音和感知被放大。 --- 第四部分：未来形态的可能：技术与哲学的交汇 最后一部分将目光投向雕塑作为一种媒介的未来走向，探讨新兴技术如何挑战和拓展了我们对“雕塑”的传统定义。 1. 动态与可变形态的挑战 随着材料科学和自动化技术的发展，雕塑不再局限于固定不变的状态。我们将审视那些包含运动部件、响应环境输入（如光线、温度、观众移动）而发生变化的艺术实践。这种“动态雕塑”如何改变了作品的“完成性”概念？它们如何与时间性融为一体，成为一种持续的“发生”过程？ 2. 虚拟空间中的实体化 数字建模、增强现实（AR）和虚拟现实（VR）正在模糊实体与数字之间的界限。本书探讨了艺术家如何利用这些技术来设计那些在现实世界中可能无法建造的结构，或者如何使用数字工具来预演实体雕塑的内部结构和物质表现。雕塑的“实体性”的概念正在被重新协商：是“存在的物理质量”还是“被感知到的空间占据”？ 3. 伦理的重量：责任与干预 在气候变化和资源日益紧张的背景下，雕塑的材料选择和制作能耗也带有强烈的伦理维度。当代艺术家如何面对使用高能耗材料（如大量铸造金属）或大规模拆除景观的实践？本书呼吁对雕塑的“物质足迹”进行更审慎的考量，并探讨了可持续材料和现场干预（Land Art的延伸）如何成为一种负责任的创作姿态。 通过对上述四个层面的深入分析，本书致力于提供一个全面的框架，用以理解雕塑艺术在当代文化脉络中持续不断演变的核心动力和永恒魅力。它邀请读者以一种更具批判性、更贴近物质本身的方式，重新体验和思考三维空间的艺术。

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这本关于雕塑艺术的书籍，光是名字就带着一种沉甸甸的历史感和对创作者的敬意。我拿起它的时候，首先被封面那充满力量感的排版和那极简却又富有张力的图像所吸引。这不是一本轻松的读物，它更像是一份深入的学术考察，或者说，是一次对艺术灵魂的细致解剖。作者似乎用了数年的时间，追溯了这位艺术家的创作脉络，从她早期的材料探索，到她后期那些宏大、粗粝却又蕴含着微妙情感的巨型作品。书中收录了大量的作品高清图片，那些木材的纹理、金属的冷峻，甚至是如何在空间中安置这些庞然大物的技术细节，都被细腻地呈现了出来。我特别欣赏其中关于材料哲学的探讨，书中不厌其烦地分析了为什么选择某种特定的木材或金属，以及这些材料本身所承载的文化和生命寓意，这让我对“雕塑”这个概念有了全新的理解，它不再仅仅是凝固的形状，而更像是一种与时间、空间和物质的持续对话。

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坦白说，阅读这本书的过程，与其说是知识的获取，不如说是一场关于“观看”的训练。我的习惯是，读完一章关于某件具体作品的分析后，一定会立刻去寻找对应的图片进行对照。这本书的厉害之处在于，它没有仅仅停留在对作品外形的描述上，而是深入挖掘了艺术家在创作过程中所经历的精神挣扎和哲学思辨。比如，书中有一段描述了艺术家如何处理作品的“残缺之美”和“未完成感”，这让我立刻联想到我们生活中那些看似不完美，却更具生命力的事物。那些被粗暴切割的边缘，那些故意留下的锯齿痕迹，都被赋予了叙事的功能。评述者的语言极富表现力，时而如诗歌般流畅，时而又带着一种近乎冷峻的批判性视角，让人不得不停下来深思。它迫使我超越对艺术的表面审美，去触碰隐藏在材料深处的、关于存在与虚无的终极追问。

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阅读这本书，我体验到一种近乎沉浸式的感官重构。虽然我无法亲身触摸那些巨大的铜制或木制雕塑，但作者的文字像是一种高保真的音轨，将那些粗糙的表面质感、厚重的重量感，甚至作品在特定光线下投射出的阴影变化，都清晰地“播放”在了我的脑海里。特别是在讨论到艺术家如何处理“重量”与“轻盈”之间的矛盾时，书中采取了一种近乎诗意的笔法，描绘了那些看似笨重却又仿佛漂浮在空间中的结构。这是一种非常高级的叙事技巧，它将纯粹的视觉信息转化为了可感知的、具有情感温度的文字体验。这本书的排版设计也值得称赞，留白得体，字号舒适，让人愿意长时间沉浸其中，享受这种与一位伟大雕塑家进行跨越时空的对话。

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对于一个长期关注现当代艺术但对这位特定艺术家了解不深的读者来说，这本书提供了一个极为扎实且具有深度的入门向导。作者的学术背景显然非常深厚，引用的文献和理论框架非常严谨，但令人惊喜的是，这些理论分析并没有让文字变得枯燥晦涩。相反，作者总能找到一种平衡点，将复杂的艺术理论巧妙地融入到对具体作品的细致解读中。例如，书中对材料如何“抵抗”艺术家的意图进行了探讨，这种将材料视为一种“合作者”甚至“对抗者”的观点，极大地拓宽了我的艺术认知边界。书后的索引和参考资料部分也做得非常详尽，为任何希望进一步研究的读者提供了宝贵的资源。总而言之，它不仅仅是一本画册或传记，更是一份严肃的艺术史评论。

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这本书的结构安排非常巧妙，它避免了简单的时间线叙述，而是采取了一种主题式的编排。每一章节都聚焦于艺术家创作生涯中的一个核心议题，比如“尺度与亲密”、“内部与外部的张力”，或者“纪念碑性的消解”。这种结构让读者能够从不同的侧面去剖析这位艺术家的创作系统。我尤其喜欢其中对于工作室环境的描绘，作者通过详尽的文字构建了一个充满锯末气味、充满劳动痕迹的空间，这极大地还原了雕塑诞生的原始语境。要知道，很多关于雕塑的书籍都倾向于展示最终光洁的展厅效果，但这本书却更偏爱过程的野蛮与原始。它让你感受到，每一件作品的诞生，都伴随着巨大的体力消耗和意志力的角力，这对于一个不常接触大型雕塑制作的人来说，是极具启发性的体验。

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