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出版者:Perseus Distribution Services

作者:Ulak, James

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:1995-11

价格:$ 13.50

装帧:Pap

isbn号码:9781558598034

丛书系列:

图书标签:

• 浮世绘
• 日本艺术
• 版画
• 艺术史
• 日本文化
• 木刻
• 收藏
• 装饰艺术
• 视觉艺术
• 艺术

探索“浮世绘”世界的精妙画卷 《江户风情画卷：日本浮世绘艺术鉴赏》 本书并非专注于某一特定主题或某位艺术家的个人作品集，而是以宏大的视角，系统梳理了日本江户时代（1603-1868年）最具代表性的艺术形式——浮世绘（Ukiyo-e）的诞生、演变、技艺核心及其对后世西方艺术产生的深远影响。我们旨在为读者构建一幅清晰、详尽、充满细节的浮世绘百科全书式的画卷。 一、 浮世绘的诞生与时代背景：“浮世”的哲学意涵 浮世绘，直译为“浮华世界的绘画”，是江户时代市民文化兴起的产物。在德川幕府铁腕统治下的太平盛世，商业的繁荣催生了新兴的市民阶层——町人（Chōnin）。他们对娱乐、时尚和世俗生活的追求，为艺术表达提供了肥沃的土壤。 本书将从社会结构层面剖析浮世绘的起源，探讨“浮世”概念如何从佛教的虚无主义转向对当下享乐的积极肯定。我们详细考察了早期手绘本（肉笔画）向木刻版画过渡的技术飞跃，以及印刷术的普及如何使艺术品得以大规模复制，从而深入到寻常百姓家中。 二、 木刻的革命：技术、工序与美学特征 浮世绘的独特魅力，很大程度上归功于其复杂而精密的制作流程。本书用大量篇幅拆解了从原画师（Hanga-shi）、雕师（Horishi）、刷师（Surishi）到出版商（Hanmoto）构成的“四位一体”的合作模式。 原画的灵魂： 我们将分析如何区分不同画派画家的笔触特征，如菱川派的线条简练、鸟居派的舞台感，以及后来葛饰北斋和歌川广重所展现的自然主义和构图创新。 雕刻的精度： 细致描述了如何使用不同的木材（樱木、朴木）以及不同深度的刻刀来表现细腻的阴影和层次感。特别是对“色版”的精细雕刻，这是实现多色套印（Nishiki-e，锦绘）的关键技术。 色彩的魔力： 重点探讨了不同时期颜料的使用变化，从早期的植物性颜料（如丹色、苏芳）到引入西方矿物颜料“普鲁士蓝”（Berlin-blue）后，对风景画特别是“名所绘”产生的革命性影响。 三、 主题的万花筒：题材的深度挖掘 浮世绘的主题极其广泛，反映了江户时代市民生活的方方面面。本书将这些题材分类梳理，每一类都配以代表性作品的深度解读。 1. 美人画（Bijinga）： 不仅仅是描绘美女，更是江户时尚杂志的缩影。我们将深入剖析喜多川歌麿如何捕捉女性的神态、发饰、和服花纹，以及他如何通过“见立绘”（Mitate-e，寓意画）将女性与神话、文学形象相结合。 2. 役者绘（Yakusha-e）： 对歌舞伎演员肖像的记录。重点分析东洲斋写乐如何以夸张、甚至带有讽刺意味的笔触，捕捉演员在舞台上的“见得”（Mie）瞬间，揭示其表演的张力与个性。 3. 风景画（Meisho-e）： 浮世绘的巅峰成就之一。我们详细对比了葛饰北斋的《富岳三十六景》和歌川广重的《东海道五十三次》。前者着重于动态的几何构图与人与自然的对抗；后者则侧重于旅途的氛围、天气变化和对地方风物的细腻描摹。本书将分析他们如何将西方透视法巧妙地融入日式构图之中。 4. 历史与传说（Giga & Musha-e）： 描绘武者故事和历史事件。这部分内容揭示了浮世绘在维护传统价值、激发爱国情怀方面所扮演的角色。 四、 浮世绘的衰落与西方的“日本主义” 在江户末期，随着日本被迫开国，浮世绘作为一种本土大众艺术，开始面临来自摄影术和西方油画的挑战。本书追溯了这一艺术形式在十九世纪中叶的内部转型与衰退迹象。 然而，在西方世界，浮世绘的版画意外地通过贸易路线进入欧洲，引发了一场史无前例的艺术浪潮——“日本主义”（Japonisme）。本书将详尽阐述浮世绘如何影响印象派和后印象派的先驱们： 梵高对广重色彩和构图的借鉴。 德加对浮世绘中非中心化构图和局部裁剪手法的吸收。 克里姆特和“分离派”对浮世绘平面化和装饰性线条的推崇。 通过对这些跨文化影响的细致考察，读者将理解浮世绘不仅仅是日本的艺术遗产，更是塑造了现代视觉艺术面貌的关键力量。 总结： 《江户风情画卷：日本浮世绘艺术鉴赏》是一部集历史考察、技术分析、美学解读和文化影响研究于一体的深度指南。它带领读者穿越江户时代的喧嚣市井，欣赏那些用木板和墨水记录下的转瞬即逝的“浮世”之美，探寻其永恒的艺术价值。本书旨在提供一个全面、严谨且充满洞察力的阅读体验，超越简单的图册展示，深入艺术创作的肌理之中。

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这本关于日本浮世绘的画册，简直是视觉上的盛宴，色彩的交响乐。我完全沉浸在了江户时代的风情之中，那些描绘歌舞伎演员、美丽艺伎以及壮丽风景的木刻版画，每一幅都仿佛能听到当时街市的喧嚣，感受到绢布上的油墨芬芳。尤其是对葛饰北斋《富岳三十六景》的收录，那股磅礴的气势和对光影的精准捕捉，即便是今天来看，也丝毫没有过时。书中对不同时期风格演变的梳理也做得非常到位，从早期的肉笔画到后来的彩色印刷，每一步的技法革新都清晰可见。我特别喜欢其中关于“役者绘”的部分，演员们的面部表情被刻画得入木三分，那种舞台上的张力和内心的挣扎，透过薄薄的纸张传递出来，非常震撼。装帧设计也体现了匠心，纸张的质感和印刷的精细度，都让人爱不释手，每次翻阅都是一次对传统美学的朝圣。

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翻开这本精装书，首先映入眼帘的便是那些充满了幽静和禅意的庭园画卷。它不像许多同类书籍那样只专注于浮世绘的艳丽和热闹，而是深入挖掘了日本传统美学中“物哀”和“侘寂”的精神内核。书中对于版画制作工艺的介绍，从雕版师的精细刀工到印刷师的套色讲究，都有非常详尽的图解和文字说明，让人对这门失传的手艺肃然起敬。我尤其欣赏作者对版画中“空气感”的捕捉，那种远山如黛、近水含烟的朦胧美，是如何通过简单的线条和有限的色彩层次来实现的，这简直是艺术史上的奇迹。读完后，我对“留白”这一概念有了全新的理解，它不仅仅是空白，更是意境的延伸，是留给观者想象力的呼吸空间。这本书不只是图集，更像是一本关于如何“观看”日本艺术的哲学指南。

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这本书的叙事方式非常独特，它采取了一种类似口述史的结构，将许多关于浮世绘大师们生平的逸闻趣事穿插其中，读起来完全没有学术著作的枯燥感。我仿佛跟着作者一起，走进了喜多川歌麿的工作室，感受他如何与画中人物进行精神上的对话。书中对特定主题——比如花鸟画（“花鸟画”）——的深入剖析也令人耳目一新，不同画家对同一主题的不同诠释，展现了那个时代艺术家的个性和创作上的自由度。比如，对樱花描绘的细腻差别，有的如少女般娇羞，有的则如战士般热烈。此外，关于这些版画如何影响了十九世纪末的欧洲印象派画家，特别是梵高和德加的心路历程，也有独到的见解，这种跨文化的交流视角，让原本局限于东方的艺术焕发出新的光彩。

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坦白说，我最初是抱着随便翻翻的心态买下这本大开本画册的，但很快就被其严谨的考据和清晰的编排所折服。它对浮世绘“役者绘”中人物服饰的考据极其严谨，甚至能根据服饰上的纹样判断出所描绘的戏剧场景或季节。对于新兴的“美人绘”，书中不仅展示了美女的样貌，还详细解析了当时女性社会地位的变迁，将艺术与社会史紧密地结合起来。让我印象深刻的是，书中对早期印刷技术的局限性和由此产生的“手工痕迹”的欣赏，那些略微错位的套色，那些因为纸张吸墨不均造成的微妙晕染，非但没有降低作品的价值，反而为其增添了一种无法复制的温度。这本书的价值在于，它教会你欣赏的不仅仅是最终的成品，更是整个漫长而充满挑战的创作过程。

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这本书的排版设计简直是一场精心策划的视觉之旅。每一页的布局都经过深思熟虑，将主要的图作与侧边栏的注释和相关资料完美地融合在一起，信息的密度很高，但又不让人感到拥挤。我特别欣赏它对“春画”主题的处理方式，作者采取了一种既尊重历史又保持专业素养的笔调，没有过度渲染情色元素，而是将其视为江户时代风俗画的重要组成部分，并探讨了其在文化传播中的作用和影响。这种平衡感非常难得。书中收录的版画色彩饱和度极高，即便是复制品，也最大限度地还原了当时的颜料光泽，特别是那些使用了贵重矿物颜料（如群青色）的作品，其蓝色调的深邃和层次感，着实令人惊叹。这本书无疑是研究日本艺术史或对日本文化有浓厚兴趣的人案头必备的参考书。

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