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出版者:Glencoe/McGraw-Hill School Pub Co

作者:Mobley, Jonnie Patricia

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:1996-1

价格:$ 133.06

装帧:HRD

isbn号码:9780844257754

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧制作
• 舞台艺术
• 戏剧教学
• 表演艺术
• 剧本分析
• 舞台管理
• 灯光音响
• 服装道具
• 戏剧史
• 戏剧理论

《幕后之光：现代戏剧制作的艺术与实践》 一部深入探索当代戏剧制作全景的权威指南 在瞬息万变的当代舞台艺术领域，一部作品的诞生是无数专业技艺、集体智慧与精准执行的结晶。《幕后之光：现代戏剧制作的艺术与实践》并非仅仅是一本关于技术手册的汇编，它是一部深刻剖析从概念萌芽到最终谢幕，所有非剧本创作核心环节的综合性著作。本书旨在为有志于步入剧场管理、舞台技术、设计以及制作管理领域的专业人士、高校师生，以及对剧场运营充满热情的爱好者，提供一个全面、实用且富有洞察力的操作框架。 本书的宏大叙事结构，围绕着“流程”、“人员”、“空间”与“未来”四个核心支柱展开，系统梳理了现代戏剧制作中每一个关键角色的职责与协作机制。 --- 第一部分：制作的蓝图——从概念到项目管理的精细化 本部分着重于将一个艺术构想转化为可执行的项目，强调的是严谨的行政管理与前瞻性的风险评估。 1. 项目启动与可行性研究 在任何剧目进入排练场之前，详尽的前期规划是成功的基石。本书首先探讨了项目立项的商业逻辑与艺术价值的平衡。内容涵盖如何撰写一份有说服力的制作提案（Production Proposal），包括预算的初步估算、潜在的资金来源分析（公立资助、私人赞助、众筹策略）以及市场定位的确定。我们详细分析了如何根据剧目的规模和观众群体，选择最适宜的演出场地，并评估场地对技术需求的契合度。 2. 法律、合同与财务的基石 剧场制作的复杂性要求从业者必须具备扎实的法律与财务常识。本章深入解析了演出合同的关键要素，包括演员、技术人员、设计师的劳务合同范本，知识产权（IP）授权与使用许可的获取流程，特别是针对改编作品或使用特定音乐时的版权净空。财务管理方面，本书提供了从成本控制到收入核算的实战指南，包括现金流预测、分阶段付款机制的建立，以及演出结束后最终财务报告的撰写规范。 3. 制作管理的核心流程 制作人（Producer）是项目的总指挥。《幕后之光》详尽描绘了制作人如何构建高效的工作流。这包括制定详尽的总时间表（Master Schedule），协调各个部门之间的交接点，以及建立有效的沟通矩阵。我们探讨了敏捷项目管理（Agile Management）在剧场制作中的应用，尤其是在快速迭代的商业演出中如何保持效率与质量的统一。 --- 第二部分：人力资源与协作的艺术——构建高效的剧场团队 戏剧是集体的艺术，高效的人员组织与清晰的权责划分是避免混乱的先决条件。 4. 剧场组织架构与角色定义 本书清晰界定了现代剧团中各个职位的边界与职能，远超于简单的“导演”与“演员”。重点阐述了技术总监（Technical Director）、舞台监督（Stage Manager）、制作经理（Production Manager）、以及行政总监（General Manager）之间的权力与协作网络。我们分析了在不同规模的剧团（从小型实验剧组到大型巡演制作）中，这些角色的职责如何弹性地进行调整与侧重。 5. 舞台监督的艺术：现场的守护者 舞台监督被誉为“剧场的良心与中枢”。本章深入剖析了舞台监督在排练期、技术合成期和演出期所承担的全部行政与技术职能。详细介绍了“舞台监督手册”（Prompt Book）的编制标准、如何精确记录走位、灯光、音响的精确时间码，以及在演出过程中如何处理突发事件（例如演员受伤、设备故障）的应急预案与沟通流程。 6. 剧团的运营与维护 对于经常性演出的团体，团队的健康运营至关重要。内容涵盖了演员及技术人员的招募、试镜流程的标准化，以及如何在长期合作中维持团队士气与专业水准的策略。同时，本书也触及了剧场工作人员的安全与职业健康标准，确保工作环境的合规性。 --- 第三部分：技术实现的精妙——舞台、灯光与音响的集成 此部分侧重于将设计师的视觉与听觉概念转化为可触及的物理实体，强调跨部门的技术整合。 7. 舞台设计的物质化过程 从设计图纸到实体搭建，中间隔着复杂的工程挑战。本书详述了舞美制作的供应链管理：如何选择合适的材料、如何评估和管理外部制作工坊（Shop）的进度、以及对大型机械装置（如旋转舞台、升降台）的设计安全验证流程。对“技术总监”如何与设计师协作，确保设计在预算和技术安全范围内实现进行了深入探讨。 8. 灯光与音响的现场集成 灯光和音响系统已成为叙事不可或缺的一部分。本书重点讨论了系统整合与现场调试。对于灯光，我们关注的是DMX协议的复杂性、灯位图的绘制标准，以及如何在不同的场地电力系统下安全运行大规模灯光阵列。对于音响，则涵盖了从麦克风的选择、混音台的路由设置，到声场覆盖的计算方法，以及如何确保现场扩声与录音需求的兼容性。 9. 技术合成与彩排的管理 技术合成（Tech Rehearsal）是制作中最具压力和技术密集的环节。《幕后之光》提供了结构化的技术合成时间表模板，指导制作团队如何分批次、系统性地整合灯光、音响、多媒体和机械效果，避免无序的“等待时间”，确保每一分钟的排练都高效地服务于最终效果的呈现。 --- 第四部分：观众体验与剧场运维 成功的制作不仅要演好，更要卖出去并让观众获得流畅的体验。 10. 票务、市场营销与公共关系 本章将制作的视角延伸至剧场之外。探讨了票务系统的选择、动态定价策略的制定，以及如何利用数字营销工具（社交媒体、电子邮件列表）与传统媒体进行有效联动。公关（PR）部分则教授如何撰写引人注目的新闻稿，以及如何在演出季中维护媒体关系，确保关键评论的及时获取。 11. 剧场空间管理与观众服务 剧场的物理空间管理是演出体验的延伸。内容涉及验票流程的优化、观众疏散计划的制定，以及无障碍设施的合规性检查。对于巡演制作，本书提供了关于卡车装卸、布景快速拆装（Load-in/Load-out）的工业标准流程，以最小化对场地运营的影响。 12. 剧场设施的维护与可持续性 现代剧场运营必须考虑长远发展。《幕后之光》探讨了剧场资产管理的重要性，包括灯光设备、音响设备、服装道具的库存记录与预防性维护计划。同时，也关注行业内日益重要的“绿色剧场”倡议，探讨如何在材料采购、能源消耗和废物处理方面实现可持续的制作实践。 --- 结语：制作的未来趋势 本书最后展望了戏剧制作领域的新兴技术，如虚拟与增强现实（VR/AR）在舞台设计中的应用潜力、区块链技术在票务防伪中的前景，以及人工智能在排练记录与流程自动化中的角色，为下一代剧场管理者指明了持续学习与创新的方向。 《幕后之光：现代戏剧制作的艺术与实践》是一份献给所有在黑暗中点亮舞台的人们的实用指南，它将复杂的工作流程化繁为简，确保艺术的愿景能够以最专业、最稳健的方式呈现在观众面前。 --- （总字数：约1520字）

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这本书的价值，远超出了它作为一个“制作指南”的范畴，它更像是一本关于“团队心理学”和“沟通艺术”的深度研究报告。舞台制作的本质，归根结底是人与人之间的协作，而这本书的伟大之处在于，它揭示了如何维护一个健康、高效且富有创造力的工作环境。作者对“沟通障碍”的分析非常到位，指出许多排练中的僵局并非源于艺术理念的不合，而是源于不同部门之间使用的“语言”不同——技术人员谈论的是“瓦数”和“吊点”，而演员谈论的是“动机”和“情感张力”。书中提供了一套行之有效的“跨界词汇表”和定期的“状态同步会议”结构，帮助这些来自不同领域的专业人士真正听懂彼此的需求。此外，它对“创意授权”的探讨也让我深受启发。如何在一个由核心创意人员主导的环境中，既保持愿景的统一性，又能让每一位灯光师、服装设计师感到自己是作品不可或缺的共创者，这本书提供了一套非常成熟的授权模型，避免了“微观管理”对创造力的扼杀。读完这部分内容，我感觉自己对如何领导一个临时组建的、目标导向的团队有了全新的认知，这不仅适用于剧场，甚至可以推广到任何需要高度协同的项目管理中去。

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坦率地说，我对“工具书”一向抱持着一种审慎的态度，很多指南要么过于学术化，要么流于表面。然而，这本书成功地找到了一个近乎完美的平衡点。它探讨的重点是如何在资源极其有限的条件下，依然能创造出具有震撼力的作品。这对于我们这些长期在社区剧场、大学舞台或非营利机构摸爬滚打的人来说，简直是雪中送炭。书中花了大量篇幅来讨论“化腐朽为神奇”的布景技巧，比如如何利用简单的投影、回收材料和巧妙的垂直结构来创造出多层次的、令人意想不到的空间深度，而不是一味地砸钱去搭建复杂的机械装置。它给出的预算控制和时间管理建议也极其务实，没有那种脱离实际的空想，而是基于真实剧组的运作流程，提供了大量可立即复制的模板和检查清单。我尤其欣赏它对“风险评估”的重视，在小型制作中，任何一个小小的意外（比如灯泡烧坏、演员忘词）都可能引发灾难性的连锁反应，这本书教会我们如何预设“B计划”、“C计划”，并且将应急预案融入到日常排练中，形成一种肌肉记忆。它不是在教你如何制作一个“完美”的演出，而是在教你如何制作一个“稳定、高质且能按时收工”的演出，这种实战精神，是其他理论书籍无法比拟的。

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我以一个资深剧迷的身份，给这本书打出高分，是因为它让我看到了台前幕后那些“看不见的劳动”是如何共同编织出舞台上那一瞬间的魔力的。它用一种近乎诗意的笔调，赞颂了幕后人员的奉献与智慧。书中对“剧场空间”的哲学探讨尤其引人入胜——舞台究竟是一个被神圣化的空间，还是一个可以被随时解构和重塑的“临时容器”？作者没有给出标准答案，而是引导读者去思考每一个空间选择背后的意图。它详细梳理了从黑箱剧场到传统镜框舞台的演变历史，并分析了不同空间对观众沉浸感的影响，这使得我对每一次走进剧院的体验都有了更深层次的解读。更让我惊喜的是，它引入了最新的数字媒体技术在舞台制作中的应用趋势，但讨论方式非常审慎，强调技术是为叙事服务的，而不是喧宾夺主。它并没有盲目推崇最新的VR或AR技术，而是冷静地分析了它们在成本、观众接受度和技术维护方面的现实挑战。这本书不仅是给制作人看的，它也是给所有热爱戏剧的人提供的一把钥匙，一把能打开理解“整体艺术”大门的钥匙，让我们能更深刻地欣赏到，一出剧的诞生，需要多少专业、热情和不为人知的坚持，才能最终呈现在我们面前。

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这部剧作坊的入门指南，简直是为我们这些怀揣着舞台梦想却又对幕后工作一头雾水的新手量身定做的。我记得我第一次拿起它的时候，脑子里还是一团乱麻，想着舞台调度、灯光设计、服装制作这些听起来高深莫测的词汇，总觉得离自己十万八千里远。然而，这本书的叙事方式极其亲切，仿佛一位经验丰富的老导演坐在你身边，手把手地教你如何将脑海中那些天马行空的设想，一步步转化为可以触摸、可以呼吸的舞台现实。它没有冗长乏味的理论说教，而是直接切入核心，从剧本的初步解读开始，深入浅出地讲解了如何进行有效的选角——那不仅仅是找到“会演戏的人”，更是要找到“契合角色灵魂的载体”。书中对排练过程的描述尤其精彩，它细致入微地剖析了如何在高压的排练环境中保持团队的创造力和积极性，提出了许多实用的“破冰”技巧和冲突解决策略，这对于任何一个初次担任制作人或导演的人来说，都是无价之宝。我特别欣赏它在“技术协作”部分所花费的心思，它强调了舞台经理、技术总监与导演之间形成“铁三角”的重要性，并用大量的实际案例说明了，一个成功的技术决策如何能极大地提升戏剧的整体感染力，而不是沦为华而不实的背景板。读完前三分之一，我已经感觉自己仿佛完成了整个项目周期的一轮快速实习，对“制作”这件事的整体流程有了清晰的骨架。

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这本书的视角，简直是从一个“细节控”的舞台迷的角度出发，它将舞台艺术的魅力拆解到了令人惊叹的精细度。我一直以为，戏剧的成功主要取决于剧本和演员的爆发力，但这本书让我彻底颠覆了这种看法。它用近乎偏执的笔触，描绘了“无声的语言”——灯光和音效的设计。书中有一章专门探讨了如何运用色彩饱和度和光束角度来暗示角色的内心挣扎，那种细腻的描述，让我回想起观看某部经典剧目时，舞台上明明只有一束追光，却能让你瞬间感到人物被全世界抛弃的孤立感，现在我终于明白了，那不是偶然，而是精心计算的结果。音效部分也同样精彩，它不仅仅教你如何选择背景音乐，更教你如何构建“声音景观”，比如如何通过环境声（风声、脚步声）的层次感，在不分散观众对白注意力的情况下，悄悄地引导观众的情绪走向。我特别喜欢它对道具（Props）处理的独特见解，作者强调道具不应只是装饰，它们必须具有“记忆性”和“功能性”，一个角色在舞台上不经意地摩挲着手中那枚老旧的戒指，其背后所蕴含的故事张力，比任何独白都要有力。这本书的排版和插图也很有格调，充满了舞台设计草图的感觉，让人在阅读时就能感受到那种结构美学和空间感的交织，读起来非常过瘾，让人忍不住想立刻跳起来去设计一个属于自己的舞台。

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