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出版者:Harry N Abrams Inc

作者:Ellis, Marianne/ Wearden, Jennifer

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:

价格:45

装帧:HRD

isbn号码:9780810965850

丛书系列:

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丝线与历史的回响：奥斯曼帝国服饰的纹样解读 图书名称： 丝线与历史的回响：奥斯曼帝国服饰的纹样解读 内容简介： 本书旨在深入剖析奥斯曼帝国（Ottoman Empire）鼎盛时期，尤其是从16世纪至19世纪，其宫廷服饰与民间服饰中所蕴含的复杂纹样、色彩语言以及文化象征意义。我们聚焦于刺绣、织锦（如察尔卡特/Çatkari、丝绸锦缎）、印花布料以及金属丝线编织的艺术，力求展现这些纺织品如何作为权力、信仰、社会地位乃至个人命运的无声叙述者。 第一部分：帝国的织物帝国——材料与技术的基础 本章首先勾勒出奥斯曼纺织业的宏大图景，解析支撑其奢华艺术的物质基础。我们详细考察了丝绸、棉布、羊毛和金银线在不同社会阶层中的应用差异。奥斯曼宫廷对高质量原材料的垄断与进口，特别是来自意大利、波斯和印度的高级丝绸，如何塑造了其独特的审美标准。 重点分析了当时主要的纺织技术： 扎伊姆（Zaim）与基里姆（Kilim）的精髓： 虽然主要关注服饰，但我们将从地毯织造的几何结构中汲取灵感，探讨其与服饰边饰和块面图案的相互影响。 精细刺绣的秘密： 详细描述了苏丹寝宫、后宫（Harem）以及清真寺用品中常见的平针、链式针、盘扣针等复杂刺绣技法。特别关注“科西”（Kesi）和“奥亚”（Oya）——这些极其精细的蕾丝和边缘装饰，它们不仅是工艺的展示，更是身份的标记。 丝绸锦缎的演变： 阐述了奥斯曼的织工如何掌握了复杂的提花技术，创造出模仿水波、鱼鳞、云彩等自然现象的立体织物，如著名的“瑟兹”（Sehri）和“卡勒姆卡里”（Kalemkari）风格的图案过渡。 第二部分：符号的语言——纹样解析的词汇表 奥斯曼的纺织品不是随意的装饰堆砌，而是遵循着一套严谨的视觉语法。本部分将这些图案归类，并尝试解读它们背后的文化意涵： 1. 自然界的映射： 郁金香（Lale）： 这一标志性符号的兴起与演变。从早期的写实主义（16世纪）到18世纪“洛可可式”的浪漫化处理（“Tulip Era”），郁金香如何从一个单纯的花卉符号上升为奥斯曼黄金时代的象征。我们对比了早期伊兹尼克陶器与同期服饰上郁金香形态的差异。 石榴与康乃馨： 石榴象征丰饶与多子，而康乃馨（Karanfil）则常与神圣和纯洁联系。分析其在苏丹长袍和王室成员服饰中的布局与颜色搭配。 “海洋的恩赐”： 鱼鳞、波浪纹和贝壳图案在沿海省份（如爱琴海地区）服饰中的应用，及其与水手文化和贸易路线的关联。 2. 几何与宇宙秩序： 八角星与十二角星： 探讨伊斯兰几何艺术如何融入土耳其传统，这些重复的、无限延伸的图案如何象征着真主的永恒性与宇宙的秩序。尤其关注这些图案在男性朝服（如“卡夫坦/Kaftan”）中的结构性作用。 “千层褶”与“瀑布流”： 描述那些模仿织物自然垂坠感和褶皱感的复杂几何排布，这些往往出现在苏丹或维齐尔的正式外袍上，用以增强威严感。 3. 权力的徽章与书写： 图格拉（Tuğra）： 帝王印鉴的简化或风格化处理，如何被巧妙地编织或刺绣在宫廷成员的衣领、袖口或腰带上，作为身份的秘密标记。 书法艺术（Hilye）： 探讨将圣训或赞美词以优美的库法体（Kufic）或苏尔斯体（Thuluth）融入织物边框的实践，尽管这在服饰上比在陶器和卷轴上更为罕见，但其象征意义不容忽视。 第三部分：社会分层与色彩的密码 服饰的纹样与色彩是理解奥斯曼社会结构的直观窗口。本书将细致分析不同阶层如何通过对特定颜色的偏好来区分彼此： 苏丹的专属色： 深入研究深紫红色（Bordo）和帝王蓝（Imperial Blue）在苏丹长袍中的使用规则，以及这些染料获取的难度与成本。 后宫的色彩体系： 探讨女性服饰，特别是“费塔”（Fistan）和“塞拉维特”（Şalvar）上更柔和的调色板——玫瑰粉、淡绿和象牙白——如何反映了后宫内部不同的等级（如瓦利德苏丹、哈塞基苏丹等）。 军事与官僚的制服： 分析耶尼切里（Janissaries）和地方官员服饰中的象征性色带和徽章纹样，这些纹样往往比宫廷更具功能性和纪律性。 区域特色与异质性： 对比安纳托利亚乡村、巴尔干半岛和阿拉伯行省在服饰纹样上的吸收与创新，揭示帝国文化渗透与地方表达之间的张力。例如，希腊、亚美尼亚或犹太社区在不触犯伊斯兰教法的前提下，如何在其传统服饰中融入奥斯曼的主流元素。 第四部分：衰落与复兴——纹样在现代的变奏 19世纪坦志麦特（Tanzimat）改革对帝国服饰产生了颠覆性的影响。本章追踪了传统刺绣和织锦图案在面对西方化浪潮时的挣扎与适应。 我们研究了： 欧洲洛可可与巴洛克风格的入侵： 欧洲宫廷的卷曲花边、不对称布局如何被吸收并与传统的奥斯曼几何结构进行融合，形成了独特的“奥斯曼巴洛克”风格。 摄影术的介入： 摄影记录如何固化了某些特定的服装样式，并无意中将某些过时的纹样推向了“怀旧”的领域。 现代遗产的守护： 探究当代土耳其和周边国家如何通过博物馆、纺织品修复项目和现代设计，重新诠释和激活这些古老的丝线叙事。 本书不仅仅是一本关于“美学”的图录，更是一部通过纤维和针迹编织而成的社会史、政治史和精神史的深度考察。它邀请读者拿起放大镜，在每一根丝线上，重新阅读那个横跨三大洲的伟大帝国的兴衰与辉煌。

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作为一名对手工艺有长期关注的读者，我必须承认，这本书在“文献回顾”和“实物对比”方面做得无可挑剔，但它最令人称道之处，在于它对“传承与流失”的感叹与反思。作者不仅仅是记录者，更是一位守护者。他深入到现代土耳其的乡村，记录下那些正在被遗忘的、只有少数老年人还掌握的古老针法，并记录了这些手艺人对工业化冲击的无奈与坚守。这种带有温度的田野调查内容，为这本书增添了强烈的现实意义和紧迫感。我清晰地感受到了作者希望通过文字和图片，为这些正在消逝的美丽“建档立传”的迫切心情。读到最后几章，我甚至产生了一种冲动，想要立即去寻找相关的学习资源，哪怕是学习最基础的针法，也想参与到这场文化抢救中来。这本书成功地将历史的厚重、艺术的美感与现代文化的危机感融为一体，它不是一本躺在书架上积灰的参考书，而是一份需要反复阅读、时常翻阅的“文化宣言”。

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说实话，我原本是带着一种略微挑剔的心态来对待这本介绍性主题的书籍的，因为这类书籍常常流于表面，难以深入。然而，《奥斯曼刺绣》却像一位耐心而博学的导师，娓娓道来，却每一步都踩在了点上。它对“工具”的探讨，远非简单的工具罗列，而是深入挖掘了不同时代金属针的合金配方，以及对手持剪刀的审美要求。比如，它花了整整一个章节来讨论“光线”对刺绣成品色彩呈现的影响，这无疑是极度专业的考量，因为在那个没有电力照明的年代，绣娘必须依赖自然光线来判断丝线的微妙差异。书中对伊斯兰艺术中“非具象”原则的讨论，如何巧妙地通过无限循环的几何图案和缠绕的植物藤蔓（Arabesque）来表达对真主无限性的赞美，这个哲学层面的分析，让我对这些图案的敬畏感油然而生。这本书的价值在于，它不仅教你“看”，更教你“理解”这些图案背后的世界观。我尤其欣赏它对“时间性”的处理，即一幅复杂的刺绣作品需要耗费数年时间完成，这种对耐心的颂扬，在如今快餐文化盛行的时代，显得尤为珍贵和发人深省。

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这本关于奥斯曼刺绣的书籍，从我拿到它的那一刻起，就仿佛开启了一扇通往遥远帝国黄金时代的手工艺术之门。封面那一抹深邃的宝石蓝和金线勾勒出的精致几何图案，就已经足够吸引人，它承诺的不仅仅是技法，更是一种历史的沉淀。我原本期待的是一本偏向于工艺指南的工具书，可以详细拆解菱形针、孔雀尾纹这类复杂针法的操作步骤，但这本书远超我的预料。它更像是一部文化史诗，用刺绣的语言重新讲述了帝国从伊斯坦布尔到内陆省份的审美变迁。书中对不同时期材料的考据极为细致，比如对早期使用天然染料所呈现的柔和色泽与晚期工业化染料的鲜亮对比的分析，简直是视觉人类学的一次精彩呈现。阅读过程中，我不断地在想，每一枚针脚背后，是不是都凝结着一位宫廷绣娘或是一位乡间妇人的心事与生活片段？作者巧妙地将历史文献中的只言片语与实物照片相结合，让那些平面化的图案重新焕发出三维的生命力。它没有一味地赞美，反而批判性地探讨了欧洲文艺复兴对奥斯曼传统纹样的冲击与融合，这种深度和广度，让我对这门手艺的理解达到了一个新的层次。如果你只是想学几针，这本书可能略显“学术”；但如果你想领略这门艺术在历史长河中的脉搏，它绝对是无可替代的珍品。

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这本书的语言风格可以说是极其古典而富有诗意，但同时又保持了严谨的学术标准，这种平衡感拿捏得恰到好处。作者似乎非常偏爱对色彩的文学性描述，他没有直接说“红色”，而是会用“初升太阳的火焰”、“被鲜血浸染的石榴汁”来形容特定色调的深浅与情感。这种修辞手法，极大地提升了阅读的沉浸感。我发现这本书的结构非常精妙，它采用了非线性的叙事方式，你可以从任何一页开始阅读，都能获得完整的美学体验，不像很多教科书那样必须从第一章按部就班。其中关于宫廷礼仪与刺绣需求的章节，让我大开眼界，原来某些特定花纹的出现，代表着皇室成员的特定地位或特定的节庆，刺绣在这里扮演了无声的“身份证明”和“密码本”的角色。我特别留意了其中关于“男性刺绣”的探讨，这打破了我固有的“刺绣是女性专属”的偏见，揭示了奥斯曼社会中男性工匠在这一领域同样扮演的重要角色，这为我理解那个社会的性别分工提供了全新的视角。

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当我翻开这本书时，首先映入眼帘的是那组令人惊叹的细节放大图，那些丝线和金属饰物的质感，几乎要从纸张中跃然而出。这本书的排版设计堪称大师级，它懂得如何留白，如何用现代的视觉语言去衬托古老的精湛。它并没有局限于传统的土耳其地毯或服装装饰，而是将焦点拓宽到了日常用品：从精致的头巾边缘到用于祈祷的刺绣祷告垫，乃至用于装饰皇室轿子的帷幔。这种全方位的展示，让我意识到奥斯曼刺绣并非高高在上的宫廷艺术，而是渗透到生活每一个角落的日常美学。更让我惊喜的是，作者对不同地区风格的区分，比如对安纳托利亚东部粗犷、色彩强烈的部落风格，与爱琴海沿岸受希腊影响的轻盈、花卉主题风格的对比，描绘得入木三分。我过去总觉得“奥斯曼刺绣”是一个统一的概念，但这本书彻底颠覆了我的认知。它更像是一张详尽的地理文化地图，每一页都代表着一个有着独特“口音”的刺绣社区。阅读体验极为流畅，虽然内容厚重，但流畅的叙事和极具感染力的配图，使得即便是对外行人来说，也不会感到枯燥，反而会产生一种强烈的探索欲。

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