Ossie Clark 1965-1974 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Harry N Abrams

作者:Judith Watt

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2006

价格:USD 35.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781851774586

丛书系列:

图书标签:

• 时尚设计
• Ossie Clark
• 1960s
• 1970s
• 英国时尚
• 服装
• 设计师
• 时尚史
• 流行文化
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• 艺术

织体与时代的交响：英国时装的黄金十年 (1965-1974) 一部深度解析战后英国时尚变迁、设计哲学与文化脉动的权威著作 本书聚焦于一个极具变革性的十年——1965年至1974年，这段时期不仅是英国乃至全球时尚界翻天覆地的“青春期”，更是一场深刻的社会文化重塑的缩影。我们告别了战后的拘谨，步入了嬉皮、摇滚、性解放和青年力量全面觉醒的时代。本书旨在全面梳理和剖析这一时期英国时装设计、产业生态及其对社会风貌产生的复杂影响，着重于描绘那些定义了“摇摆的六十年代末期”与“迷幻的七十年代初期”的视觉语言与商业运作模式。 第一部分：战后余晖与爆炸性创新的前夜 (1965-1967) 本书的开篇追溯了1960年代中期英国时装界的起始状态。战后重建的审美尚未完全消散，但一股强大的、源自青年文化的能量正在酝酿。 1. 从高级定制到成衣革命的过渡： 我们详细考察了英国时装制造业如何艰难地从依赖传统定制转向大规模、快速反应的成衣（Ready-to-Wear）生产模式。这一转变不仅关乎生产效率，更涉及设计理念的民主化——服装不再仅仅是精英阶层的专属，而是成为青年群体表达自我的工具。 2. “新浪潮”的崛起与设计师群像： 重点分析了在伦敦国王路（King's Road）和卡纳比街（Carnaby Street）兴起的独立设计师群体。这些人如何打破了巴黎时装的绝对统治地位，提出更加年轻化、更具实验性的廓形和色彩方案。我们深入探讨了包括 Mary Quant、Biba 在内的早期先驱者，他们如何将波普艺术（Pop Art）和太空时代（Space Age）的元素融入日常穿着。 3. 面料与技术的突破： 探讨了合成材料（如聚酯纤维、早期的人造纤维）的大规模应用对时装设计风格的影响。这些新面料使得服装更加易于护理、色彩更加饱和、并且能够实现更前卫的结构设计，为后续的迷幻风格奠定了物质基础。 第二部分：迷幻、嬉皮与反主流文化的视觉宣言 (1967-1971) 这是文化冲突最为激烈的时期，时装成为了最直接的战场。 1. 迷幻美学与图案的爆发： 本书用大量篇幅剖析了1967年“爱之夏”之后，时尚如何被迷幻摇滚（Psychedelic Rock）和东方哲学深度影响。鲜艳的印花、复杂的佩斯利纹样、扎染（Tie-Dye）工艺的复兴，以及对印度、摩洛哥等异域文化的挪用和解构，如何构筑了一种逃离现实的视觉体验。我们分析了这些图案如何从唱片封套和音乐节现场渗透到主流零售渠道。 2. 中性化与性别模糊的探索： 这一时期，传统性别界限的消融是时装领域最显著的特征之一。我们考察了“Unisex”概念的兴起，女性穿着的西装、喇叭裤以及男性对更长发型和更华丽面料的偏爱。这种对传统着装规范的挑战，是当时社会自由化思潮在衣橱中的直接投射。 3. Biba 帝国的高峰与商业模式的颠覆： 集中分析了 Biba 品牌在这一时期的独特运营模式。它不仅仅是一个服装店，更是一种生活方式的集合体，从化妆品到家具，形成了一套完整的、以低价策略吸引年轻消费者的“一站式”体验。其对复古元素的重新演绎和对整体氛围的营造，深刻影响了购物的体验。 第三部分：七十年代初的复古回溯与迪斯科的余温 (1972-1974) 随着社会热情的趋于成熟，时尚开始从纯粹的“未来感”或“反叛感”转向对历史的深度挖掘和对舒适性的追求。 1. 摇滚明星的“风格化”影响： 我们审视了如大卫·鲍伊（David Bowie）的“Ziggy Stardust”形象，以及其他摇滚巨星如何直接影响了普通消费者的穿着选择。华丽摇滚（Glam Rock）带来的亮片、厚底鞋、紧身连体衣和戏剧化的廓形，将舞台服装的夸张感带入了夜生活。 2. 田园牧歌式的回归与波西米亚风格的成熟： 与迪斯科的浮华相对立的是，一股对自然、手工和“真实”材料的向往开始抬头。这体现在对麂皮、流苏、长款飘逸连衣裙（Maxi Dress）以及手工刺绣的热衷上。我们考察了这种风格如何与环保意识的初步觉醒有所关联。 3. 剪裁的演变：从 A 字裙到阔腿裤的统治： 详细分析了裤装在女性衣橱中地位的巩固。七十年代初期的喇叭裤（Bell Bottoms）是如何从一个亚文化符号演变为统治性的日常服饰。同时，长款外套、束腰设计以及剪裁精良的西装套装（Le Smoking 的变体）如何标志着职业女性在职场形象上的胜利。 结语：一个时代的终结与遗产 本书最后总结了1974年英国时装所面临的挑战，包括经济衰退对时尚产业的冲击，以及朋克（Punk）运动的萌芽如何预示着下一个更加尖锐和解构主义时代的到来。 本书的价值在于： 它不仅是一部关于服装历史的记录，更是一部关于社会心理学、青年文化与商业策略交叉研究的文献。通过对当时的设计手稿、零售目录、时尚杂志报道以及社会评论的细致梳理，本书构建了一个立体、可感知的1965-1974年英国时装图景，揭示了为何这十年被公认为当代时装史上最具创造力和影响力的“黄金十年”之一。它为理解现代服装设计中对个性表达、文化挪用和商业速度的追求，提供了至关重要的历史参照点。

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我通常不太喜欢那些过于“怀旧”的读物，总觉得它们带着一层美化现实的滤镜。但这本书的叙事基调却非常克制，它既赞美了Ossie Clark的设计达到了近乎完美的高度，同时也毫不避讳地提到了那个时代商业模式的脆弱性以及设计理念最终走向衰落的必然性。这种不回避矛盾的写作手法，让整个故事的张力保持得非常好。阅读过程中，我不断地在“辉煌”与“遗憾”之间摇摆。书中对一些标志性作品的结构拆解，非常适合那些对服装构造本身感兴趣的读者——它详细解析了什么是“零度剪裁”在实际操作中意味着什么，以及这种对结构自由的极致追求是如何在面料和人体之间寻找微妙平衡的。它提供了一个非常清晰的“如何欣赏”一套高级成衣的框架，不仅仅是看表面，而是去理解其背后的工程学和哲学。

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这本书给我的整体感觉是“沉浸式体验”。它不是那种快速翻阅的图册，而是需要你放慢脚步，细细品味的文本。作者的文字功力非常高超，擅长使用排比和对比的手法来增强描述的画面感。比如，对不同面料在光线下反射效果的描绘，那种细腻的光影变化，几乎让人能闻到阳光穿过窗帘照射在丝绸上的那种温暖气息。此外，书中对“身份政治”在设计中的体现也进行了相当深入的探讨，Ossie Clark的设计如何服务于一种反主流的、精英化的审美群体，以及这种审美如何在被大众模仿后又迅速被设计师本人所抛弃的循环过程。这反映了艺术与市场之间永恒的张力。这本书无疑是了解那个时代精神面貌、探索服装艺术边界的绝佳入门砖，它不仅让你看到了衣服，更让你看到了穿衣服的人所代表的那一代人的梦想与幻灭。

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坦率地说，我并不是一个专业的时尚评论家，我更偏爱那些叙事结构清晰、逻辑性强的作品。这本书最让我感到惊喜的地方在于，它成功地将艺术鉴赏和历史分析做到了完美的平衡。作者的文笔带着一种学者特有的严谨，引用了大量的原始资料和当时媒体的评论，使得每一个论断都有据可查，这极大地增强了这本书的可信度。然而，这种严谨并没有带来枯燥感，因为每当文本稍显学术化时，作者总会插入一些充满情感的访谈片段，将读者瞬间拉回那个充满激情的年代。我感觉自己仿佛在听一场由多位亲历者讲述的口述历史。特别是关于服装如何反映女权运动思潮的那几章，分析得极其深刻，它展示了服装不仅仅是装饰，更是社会变革的先声。这本书迫使我重新思考“时尚史”的定义，它远比我想象的要复杂和深刻。

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这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，那种厚重感和纸张的触感，就已经预示了里面内容的重量。我特别欣赏作者在处理历史细节时的那种“抽丝剥茧”的能力。它没有把Ossie Clark塑造成一个高高在上的神坛人物，而是非常人性化地展现了一个设计师在创作高压下如何平衡艺术理想与商业现实的挣扎。书中对于工作室日常运营的侧写非常到位，那些关于面料采购的周折、与模特沟通的细节，甚至是与供应商之间微妙的权力关系，都被描绘得淋漓尽致。这使得整个阅读体验变得极其真实和接地气，不再是遥不可及的T台神话。我尤其喜欢其中关于“协作精神”的探讨，如何将他人的愿景（比如他的妻子Celica的印花设计）完美融入自己的结构中，这种跨界合作的火花，才是那个时代最迷人的部分。读完后，我意识到伟大的设计往往诞生于这种复杂的、多维度的互动之中，而不是孤立的天才灵光一现。

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这本书简直是时尚界的“时光机”！我原本只是对六七十年代的英国时尚有点模糊的印象，以为无非就是嬉皮士和波西米亚风的混合体，但读完之后，我才真正领略到Ossie Clark那个黄金年代的精髓。作者没有采用那种枯燥的编年史写法，而是像一位老朋友在给你讲述一个关于美和创造力的故事。叙述的节奏非常舒缓，文字中充满了对那个时代伦敦氛围的细腻捕捉，空气中仿佛弥漫着爵士乐和新思潮的味道。特别是对布料选择和剪裁艺术的描述，简直达到了“手感可触摸”的境界。我仿佛能亲眼看到那些轻盈的雪纺、流动的印花是如何被赋予生命，在那些穿着它们的名人身上散发出独特的魅力。它不仅仅是一本关于服装的书，更是一部关于那个特定文化熔炉如何催生出如此惊世骇俗美学的社会观察报告。书里那些充满灵性的描述，让我对“优雅”这个词有了全新的理解，那种不费力的、仿佛与生俱来的美感，才是真正的永恒。

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