The Surrealist Picasso

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出版者:Flammarion
作者:Anne Baldassari
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2006-2-21
价格:USD 75.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9782080305091
丛书系列:
图书标签:
  • 毕加索
  • 超现实主义
  • 艺术史
  • 绘画
  • 现代艺术
  • 艺术理论
  • 20世纪艺术
  • 西班牙艺术
  • 艺术作品
  • 艺术风格
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具体描述

Between 1924 and 1934, Picasso's oeuvre developed dramatically. During this decade, the artist maintained a complex relationship with the burgeoning and hugely influential Surrealist movement. Eventually, he diverted from Surrealism to form a variant known as Supra-realism. This volume presents an integrated analysis of the whole of Picasso's artistic creation during the Surrealist period. Thematic texts reveal the extraordinary wealth of Picasso's work during this time. It begins with a study of his research on theater and ballet from 1914-23 and subsequently examines Picasso's work in painting, sculpture, and works on paper. This comprehensive account concludes with a study of the body of Picasso's work from 1935-40. These formative years, during which civil war raged in Picasso's native Spain, laid the groundwork for the increasingly political content of his later works. A detailed, fully illustrated chronology at the end of the book places this crucial period in its full intellectual and historical context.

梦境的几何:达利与超现实主义的视觉迷宫 作者:伊莎贝尔·德拉克鲁瓦 出版社:星辰艺术出版社 出版日期:2024年秋季 --- 内容简介: 《梦境的几何:达利与超现实主义的视觉迷宫》并非对毕加索艺术的简单追溯,它将目光聚焦于同一时代,却在精神内核上选择了截然不同路径的艺术巨匠——萨尔瓦多·达利(Salvador Dalí)。本书旨在深入剖析达利如何以其独有的“偏执狂批判法”(Paranoiac-Critical Method)解构现实,构建出一个既令人心驰神往又充满心理暗流的超现实主义视觉宇宙。 本书共分为六个主要部分,每一部分都像是一次精心设计的潜意识之旅,带领读者穿梭于达利作品中那片融化的时钟、空旷的荒原以及充满性暗示的象征符号之中。 第一部分:潜意识的唤醒——弗洛伊德与达利的相遇 本章详细考察了达利早年对西格蒙德·弗洛伊德精神分析理论的狂热吸收。我们探讨了达利如何将梦境分析、潜意识的压抑与欲望,转化为可触摸、可描绘的图像。重点分析了达利早期作品中对卡塔赫塔拉(Catalonia)海岸地貌的描绘,以及这些地貌如何成为他内心焦虑和渴望的投射空间。我们审视了“自动主义”在达利创作初期的作用,以及他如何将其发展为一套更具结构性和控制性的创作方法。本部分着重于分析达利如何“有意识地”模仿“无意识的”运作机制,从而构建其独特的艺术语言的理论基石。 第二部分:偏执狂批判法:构建幻觉的工程学 这是全书的核心章节,对达利的标志性方法论进行了细致入微的拆解。不同于纯粹的偶然性拼贴,达利的“偏执狂批判法”是一种主动的、有组织的理性建构,用以模拟和记录偏执状态下的幻觉体验。我们将通过对一系列关键作品,如《记忆的永恒》(The Persistence of Memory)和《鼻子的诞生》(The જન્મ of the Liquefied Nose)的详细图解分析,展示如何在一个清晰的、学院派的写实基础之上,植入多重意义和图像置换。书中配有大量原始草图与最终完成稿的对比,揭示图像如何从模糊的联想转化为精确的视觉谜题。 第三部分:肉体、死亡与软化的时间 达利的作品中充斥着对生物形态的解构与重塑,尤其是对柔软与坚硬对立面的探讨。本章聚焦于达利对“软性”物体——融化的钟表、流淌的肉体、悬挂的身体——的痴迷。我们将深入探讨这些软化形态背后的心理学意义:它们是焦虑的具象化、时间流逝的无力感,还是对传统男性阳刚之气的颠覆?同时,本章也将探讨达利对性与死亡的复杂态度,通过分析其作品中反复出现的蝗虫、抽屉和支撑结构,来理解他如何将个人的恐惧转化为普世的文化符号。 第四部分:宇宙、科学与卡塔赫塔拉的风景 达利并非仅仅沉溺于精神分析的领域,他对原子物理学、核裂变以及宇宙学的兴趣同样深厚。在二战后,他的超现实主义风格开始融入一种“核神秘主义”(Nuclear Mysticism)。本章探讨了达利如何将量子力学中的不确定性原理,运用到他的视觉构图中,表现为物体的“分离”与“悬浮”。我们同时回到他的地理原点——西班牙加泰罗尼亚的普拉特哈达(Portlligat)——分析那片独特的海岸线和岩石结构,如何在达利的作品中成为了永恒的舞台背景,承载着他的神话与私密记忆。 第五部分:从画布到银幕:达利的跨媒介实验 达利的影响力远超绘画领域。本书的这一部分详述了他在电影、珠宝设计和舞台艺术上的大胆尝试。我们将详细回顾他与路易斯·布努埃尔(Luis Buñuel)合作的里程碑式作品《一条安达鲁狗》(Un Chien Andalou)和《黄金时代》(L'Âge d'Or)的幕后故事,分析达利在其中如何运用颠覆性的剪辑和意象来制造视觉休克。此外,我们还将考察他为希区柯克电影《美人计》(Spellbound)设计的梦境序列,以及他对超现实主义珠宝设计的贡献,这些都展示了他将潜意识转化为商业化、可穿戴艺术的非凡能力。 第六部分:达利遗产的争议与光环 最后一部分对达利的晚年及其在艺术史上的地位进行了批判性反思。达利晚年对商业的拥抱、他对自我神话的过度夸大,以及他与超现实主义运动的最终决裂,引发了持续的争议。本书旨在平衡对这位天才创作者的赞颂与对其商业行为的审视,探讨他的“天才”光环是否掩盖了其创作后期的重复性。我们最终将思考:在后现代语境下,达利的“伪装的现实”如何持续影响当代艺术、广告和流行文化。 --- 本书特色: 独家图像分析: 超过200幅高清作品插图,包括大量博物馆收藏的原稿和珍贵照片。 理论深度: 不仅描述“看”到了什么,更深入解析“为何”如此描绘,引入当代心理学和符号学视角。 详实的文献考证: 结合达利本人的日记、访谈记录以及重要评论家的原始文本,力求还原一个复杂多面的艺术家形象。 《梦境的几何》是一部献给所有对人类心智深处、对图像逻辑与非逻辑交汇点着迷的读者的权威之作。它邀请读者放下对“意义”的执念,勇敢地潜入达利精心编织的、永不褪色的视觉迷宫之中。

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这本书在章节之间的过渡处理上,体现了一种高超的结构艺术。我注意到,每一章的收尾都不是简单地总结前文,而是像抛出一个精心设置的悬念或是一段富有哲理的引语,自然而然地将读者的注意力导向下一主题的展开。这种精心设计的“钩子”机制,有效地消弭了长篇学术阅读中常见的疲劳感。例如,当一章探讨完对某种传统技法的颠覆后,下一章可能会立刻聚焦于一次偶然的材料实验,两者之间虽然主题看似跳跃,但通过作者微妙的心理描摹,读者能清晰地感受到这种转变背后的内在必然性。这种编排手法,让阅读过程本身成为了一种动态的发现之旅,而不是被动地接受信息流。我很少遇到一本书能让我如此迫切地想要翻到下一页,去探究作者接下来会如何连接这些看似分散的思想碎片。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,那种厚重的手感,配合着封面上那近乎挑衅的色彩组合,一下子就抓住了我的注意力。我不是那种只看重内容的人,对于艺术类书籍,外在的呈现往往是通往内在世界的引子。内页的纸张选择非常考究,墨水的渗透度拿捏得恰到好处,使得那些复杂的线条和微妙的色调都能被忠实地再现出来。尤其是那些高分辨率的图片,即便是放大到极致,依然能清晰地分辨出画布上颜料堆叠的肌理感,仿佛能触摸到艺术家创作时的呼吸。装帧师显然深谙如何通过物理媒介来提升阅读体验,书脊的缝合处处理得极为精巧,即便是频繁翻阅,也让人感到它经久耐用。这种对细节的极致追求,让我觉得这本书本身就是一件值得收藏的艺术品,而不仅仅是知识的载体。我花了好几天时间,只是单纯地去欣赏它的排版和装帧带来的那种沉浸式的感受,这本身就是一种享受,完全超出了我对一本“画册”的期待。它传达出一种尊重原作、尊重读者的态度,这点在如今很多快速消费的出版物中是越来越难得的了。

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这本书的叙事节奏把握得如同大师指挥的交响乐,跌宕起伏,张弛有度。它没有采用那种枯燥的编年史式的叙述,而是巧妙地将艺术家的生平片段与他不同时期的创作理念进行交叉剪辑。这种跳跃式的叙述,非但没有造成理解上的困难,反而营造出一种强烈的、探索式的阅读体验,让我仿佛置身于一个迷宫,每转一个弯都能发现新的线索和未曾察觉的关联。作者在论述理论时,笔触极其果敢犀利,那种毫不留恋的批判性思维,让人在阅读时常常需要停下来,反复咀嚼那些观点,甚至会引发我对自己既有认知的反思。最让我印象深刻的是,它在处理那些广为人知的争议作品时,并没有简单地重复陈词滥调,而是引入了鲜为人知的第一手资料和侧面印证,使得原本已经固化的形象在我的脑海中被重新塑造。这种敢于挑战权威、力求深挖本质的写作风格,让这本书读起来充满了活力和思想的火花,绝非那种人云亦云的“安全”读物。

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我发现这本书在引用和参考文献的处理上,展现出一种近乎偏执的严谨性。在很多关键的论点旁,都有着详尽的脚注,它们如同隐藏在主文本之下的精妙骨架,支撑起了整个论证的大厦。我特意去查阅了其中几处引用的原始出处,发现无论是学术期刊、私人信件还是早期展览图录,都被精准地定位和引用了,这极大地增强了我对作者研究深度的信任感。这种扎实的基础工作,意味着作者投入了难以想象的时间去进行文献梳理和交叉比对,而不是仅仅依赖二手资料进行拼凑。对于一个追求知识准确性的读者而言,这种对细节的敬畏是至关重要的。更值得称赞的是,那些技术性的图注和材料分析部分,虽然专业性很强,但作者的文字却保持着令人惊喜的可读性,没有将晦涩的术语堆砌起来形成阅读壁垒,而是用清晰的逻辑链条引导读者逐步深入。

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这本书的语言风格变化多端,可以说是全书最令人惊喜的元素之一。有时,作者的文字如同冰冷的解剖刀,精确地剖析着艺术史的僵硬结构;而有时,笔锋一转,又变得极富诗意和画面感,仿佛直接将我们拉入了艺术家工作室那种弥漫着松节油和颜料气味的氛围之中。我特别喜欢那些描述创作心境的段落,它们没有使用陈词滥调的恭维,而是用一种近乎内省的口吻,去揣摩艺术家在特定历史背景下所承受的内在张力。这种时而理性批判,时而感性共鸣的语言切换,使得全书的阅读体验极其丰富,避免了单一学术腔调带来的沉闷。它成功地在“研究报告”的严谨性和“深度访谈录”的亲密性之间找到了一个完美的平衡点,让我感觉自己是在与一位既博学又富有人文关怀的智者进行一场深入的对话。

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