具体描述
'David Hesmondhalgh's "Media Production" is a valuable contribution to the literature in Media Studies, one that is remarkably comprehensive and concise at the same time. The authors expertly map the contours of the field, and provide sophisticated interpretations of key debates about media ownership, media texts, and media audiences. Each of the chapters grapples with a central question in "Media Studies", and Hesmondhalgh's introductory and concluding chapters articulate with great clarity how these questions are connected to broader debates about media, power, knowledge, and change. An impressive set of excerpts from classic Media Studies texts and a series of thoughtful learning activities make "Media Production" a uniquely outstanding resource for teachers and students' - William Hoynes, Professor of Sociology and Director of Media Studies, Vassar College. 'This is a lucid, highly readable and scholarly work. It is comprehensive, up-to-date and presents a wide range of theoretical perspectives on media production in a lively and engaging way. It will be highly valued by students and academics alike' - Angela McRobbie, Professor of Communications, Goldsmiths College London. Do the media primarily serve the interests of the wealthiest and most powerful sections of society? How intertwined are change and continuity in contemporary media production? In what ways do media producers draw on, and construct, knowledge, values and beliefs? In order to address these questions, we need to know about the people who make the media, their working practices and conditions, and how they make the media products that dominate so much of our communicative landscape. This book goes behind the scenes to offer an essential introduction to media production. It guides students through the key issues, debates and controversies within the field. These include the increasing internationalisation of the media industries, power and control in media organisations, audience and market research and the experience of working in the media. The authors take students carefully through these and other topics, using readings from key research, carefully designed student activities and many contemporary case studies, including "The Simpsons", Silvio Berlusconi, CNN, the BBC and Al-Jazeera, audience measurement devices, war and crime reporting, and rap music.
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我对任何声称能“全面覆盖”的工具书都抱有一种天然的不信任感，总觉得它们要不是挂一漏万，要不就是泛泛而谈。这本《Media Production》初看之下，似乎也落入了俗套，它似乎试图囊括从前期策划到最终发行的每一个环节。但真正阅读下去，我发现它的高明之处在于，它懂得取舍，并且在取舍中找到了一个极佳的平衡点。它没有在那些枝节末节上纠缠不清，比如哪一款软件的最新快捷键，或者哪个社交平台最新的算法偏好——这些东西转瞬即逝，不值得用一本书的篇幅去承载。相反，它把精力集中在了那些亘古不变的核心原理上。比如说，关于叙事结构那一章，它并没有生搬硬套“三幕剧”的僵硬框架，而是花了大量的篇幅去探讨“冲突的产生与消解”在不同文化语境下的表达差异，这一点，对于任何想做跨文化传播的人来说，简直是醍醐灌顶。我记得有一段论述，关于在极简主义的视觉风格下如何通过“留白”来暗示角色的内心世界，作者的分析深入到了哲学层面，探讨了东方美学中“虚”与“实”的关系，这已经远远超出了传统“制作”的范畴，更像是在进行一场关于感知和意图的深度对话。读完这一部分，我感觉自己看电影的“眼睛”都被重新校准了，不再满足于表面的光影效果，而是开始追问创作者更深层的意图。这种对“本质”的探求，让这本书的厚重感凸显出来，它不是教你如何成为一个熟练的“工人”，而是引导你成为一个有思考的“匠人”。
评分初次接触这本书时，我正处于一个创作瓶颈期，对自己的审美和技术路径都感到迷茫。我试着从那些热门的“干货分享”和“大神访谈录”中寻找灵感，结果往往是收获了一堆碎片化的技巧，却无法形成一个连贯的体系。这本书的出现，就像在混乱的数据流中竖起了一根稳固的标杆。我特别欣赏作者在讨论“项目管理与创意保护”时所采取的现实主义态度。他没有美化创作过程的艰辛，而是非常坦诚地揭示了创意是如何在预算、时间线和团队沟通的压力下被不断地磨损和变形的。作者甚至引用了几个非常真实的案例，展示了最终成片与最初设想之间的巨大鸿沟，以及在这种落差中，成熟的制作者如何通过“接受不完美”和“聚焦关键点”来确保项目整体的成功。这对于我这种容易陷入细节完美主义的创作者来说，无疑是一剂良药。更让我印象深刻的是，书中对“迭代思维”的阐述。它不是简单地建议“多做几次修改”，而是提供了一套方法论，教你如何在每次迭代中系统地收集反馈、量化效果，并有目的地去调整下一个版本。这种结构化的、可操作的流程，将原本模糊的“感觉”转化为可以量化的“步骤”，极大地提升了我对复杂项目的掌控能力。这本书不是一本教人如何做“完美作品”的书，而是一本教人如何在真实世界中“有效产出”的指南。
评分我个人尤其推崇这本书中对于“媒介伦理与社会责任”的探讨，这部分内容在许多侧重于工具和技术的教材中往往是被轻描淡写带过的。作者并没有将此视为一个额外的、附加的章节，而是将其贯穿于整个制作流程的始终。他犀利地指出了，技术的进步往往会带来新的伦理困境，例如，深度伪造（Deepfake）技术的普及对真实性构成的挑战，以及在记录敏感社会事件时，制作者在“呈现的真实”与“伦理的底线”之间所做的艰难权衡。书中有一个案例分析，关于一个关于弱势群体的纪录片在海外发行时遇到的文化敏感性争议，作者从制作团队的初衷、素材的采集方式到最终的剪辑语序，进行了全方位的解剖，展示了无心之失如何演变成严重的社会误读。这种深刻的反思，让我认识到，我们手中的“制作”工具，其实附带着巨大的社会影响力。阅读这些章节，我的心态发生了显著的变化，不再仅仅关注“我能做出什么酷炫的效果”，而是开始审慎地思考“我应该制作什么，以及以何种方式呈现”。这本书真正做到了，在教授“如何做”的同时，也教会了我们“为何而做”和“不该做什么”。它赋予了工具使用者一份沉甸甸的责任感，这种精神层面的提升，才是任何技术手册所能给予读者的最高价值。
评分这本书的排版和图示设计，简直是业界的一股清流。通常，技术类书籍的图例不是过于简陋，就是堆砌过多的高分辨率素材，让人眼花缭乱。而这本《Media Production》的处理方式恰到好处。它的插图并非仅仅是用来装饰的，它们是概念的延伸。比如，在讲解高帧率拍摄对运动轨迹造成的影响时，作者没有用复杂的数学公式，而是绘制了一系列极其精妙的、带有时间轴标记的示意图，清晰地展示了每一帧画面捕捉到的信息是如何“欺骗”我们的大脑，造成运动感加强的错觉。这种视觉化的解释，比纯文字描述高效了何止十倍。此外，书中对于“色彩空间”和“色彩管理”的论述，让我这个过去只停留在“调色好看”层面的业余爱好者，终于理解了Luminance和Chrominance之间复杂而精妙的互动关系。作者用非常直观的方式解释了为什么在不同的显示设备上，同一份素材会呈现出天壤之别，并且提供了一套基于物理特性的校准流程建议。这种对技术细节的深度挖掘，但又始终保持高度可读性，是极为罕见的。它既能满足资深人士对精确度的要求，也能让初学者在不被晦涩的参数吓退的前提下，逐步建立起正确的技术认知框架。这本书的每一页，都像是在为读者搭建一个清晰、逻辑严密的知识迷宫，引导我们找到出口，而不是把自己迷失在里面。
评分这本书，说实话，拿到手里的时候，我其实挺忐忑的。封面设计得相当朴实，甚至有点让人觉得是不是哪个老旧的教材翻印的。翻开目录，那些标题一个个直白得像流水账，什么“光线的基础运用”、“声音采集的步骤解析”、“后期剪辑的逻辑构建”，没有半点引人入胜的修饰。我当时心里就犯嘀咕，这玩意儿读起来不得像是在啃一块干巴巴的白面包？然而，当我真正沉下心去读第一章关于镜头运动的描述时，那种感觉立刻就变了。作者没有用那些高深的术语来炫耀自己的学识，而是像一位经验丰富的老师傅在耐心地讲解工具的脾气。比如，他对比了推轨和斯坦尼康的运动轨迹时，不是简单地列举优缺点，而是会描绘出使用它们拍摄出来的场景在观众心中的那种细微的情感差异——推轨的机械感如何衬托出人物内心的压抑，而斯坦尼康的流畅如何营造出一种梦幻般的抽离感。这种细腻的笔触，让我这个自诩对影像有些理解的人，都忍不住停下来，在脑海里重新“播放”了许多经典的电影片段，用作者提供的新视角去重新审视那些画面。尤其是关于现场收音那一部分，我原本以为无非就是麦克风的类型和摆放位置，结果作者竟然深入到不同建筑材料对声音反射和吸收的影响，甚至还涉及到了不同时代背景下，录音设备本身带来的那种“音色”特征。读完这部分，我才恍然大悟，原来我们听到的“质感”，远比想象的要复杂和迷人。这本书的价值，就在于它把那些原本以为是经验主义的直觉，用一种近乎科学的、严谨的方式给你掰开了揉碎了讲清楚，让你从“知道怎么做”上升到了“理解为什么这么做”的境界。
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