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出版者:Distributed Art Pub Inc

作者:Benglis, Lynda (ART)/ Marshall, Richard

出品人:

页数:66

译者:

出版时间:

价格:497.40元

装帧:HRD

isbn号码:9780975331705

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 装置艺术
• 女性主义艺术
• 波普艺术
• 极简主义
• 材料实验
• 身体艺术
• 当代艺术
• 美国艺术
• 20世纪艺术

雕塑的边界与物质的冥想：当代艺术中的形式探索 本书深入剖析了二十世纪中后期至当代艺术领域中，一批艺术家如何挑战传统雕塑的物质性、空间关系以及观念的表达方式。这不仅是一部关于艺术史流派演变的编年史，更是一次对“何为雕塑”这一核心问题的持续追问。 全书分为五个部分，脉络清晰地勾勒出从对现代主义既有规范的颠覆，到材料革命，再到后现代语境下对身体、政治与空间进行重新编码的过程。 第一部分：告别基座——从现代主义的遗骸中崛起 本部分聚焦于1960年代初至1970年代初，一股强劲的反形式主义浪潮如何席卷了北美和欧洲的艺术界。艺术家们开始系统性地质疑杜尚以来对现成品和观念的接纳，同时，他们也拒绝了传统铸造和切割工艺所代表的精英主义姿态。 核心议题围绕“现场雕塑”（Site-Specific Sculpture）和“极简主义的终结”展开。我们探讨了艺术家如何将作品的重心从对永恒形式的追求，转移到对时间性、物质的衰变以及作品与特定环境之间瞬时关系的捕捉。重点分析了几位关键人物在材料选择上的激进转变：他们摒弃了青铜、大理石等传统媒介，转而使用工业废料、泥土、乳胶、蜡和织物等易逝或非经典的材料。这种选择不仅是美学上的，更是对艺术品市场和画廊体制的一种无声抵抗。 书中详细考察了作品如何模糊了雕塑与建筑、装置之间的界限。例如，某些作品不再是孤立的物体，而是成为限定空间和引导观众体验的结构。这要求观众必须身体力行地进入作品所构建的环境，体验物质的重量、气味和温度，从而建立一种更具沉浸感和多重感官参与的观看模式。 第二部分：物质的触觉与身体的痕迹 第二部分深入探讨了材料的“在场性”（Presence）——材料本身如何承载意义，而非仅仅作为承载观念的载体。这部分着重分析了“软雕塑”（Soft Sculpture）和“行为残留物”的兴起。 艺术家们开始关注材料的固有属性：乳胶的拉伸性、织物的垂坠感、泥土的粘性和重力作用下的变形。作品不再追求“完成度”或完美的几何结构，而是倾向于展示创作过程中的体力劳动和物质的自发演化。那些弯曲、堆积、滴落或渗透的形态，成为艺术家身体与物质抗争或妥协的直接记录。 我们特别关注了那些探索身体界限和身体感知局限的作品。这些雕塑往往具有强烈的生物性联想，它们有时令人不安，唤起了对皮肤、内脏和残缺的本能反应。通过放大或扭曲日常物体（如身体部位、家具），艺术家迫使观众重新审视自身与物体的熟悉关系，并将雕塑的语境从纯粹的视觉欣赏扩展到触觉、本体感受层面。 第三部分：空间、重力和场域的政治学 本章将焦点投向了“场所”（Place）的概念。在后现代的解构语境下，雕塑不再被视为可以被博物馆墙壁无限容纳的对象，而是与特定地理、历史或社会环境产生复杂张力的实体。 我们分析了那些运用自然元素（如水、光、风）作为雕塑“媒介”的作品，它们的存在是短暂的，其形态受环境的不可控力量塑造。这种对自然和瞬时性的拥抱，挑战了雕塑“不朽”的传统价值。 更深层次的讨论集中在对“权力空间”的批判。一些艺术家开始使用废弃的工业材料或建筑残骸，将城市废墟或被遗忘的空间转化为艺术场域。这些作品揭示了权力结构如何通过对公共空间和物质资源的控制来体现自身。雕塑在此成为一种介入和标记，质疑着既定的秩序和谁有权定义美学空间的问题。 第四部分：技术、复制与虚拟的维度 随着数字技术在艺术领域的渗透，本部分考察了雕塑如何适应信息时代。虽然本章节的主题聚焦于非数字媒介的物质探索，但它同时审视了这些物质实践对“复制性”和“虚拟化”的挑战。 面对摄影、视频和计算机模型对现实的无限复制能力，一些艺术家反而更加强调独一无二的物理实体。他们通过复杂的、几乎无法被准确测绘或电脑模拟的复杂肌理和结构，来对抗数字图像的扁平化。作品的厚度、层次感和其在三维空间中占据的实际体积，成为对抗屏幕媒介的重要宣言。 此外，本部分也探讨了如何通过材料的“人工性”——比如高度抛光的树脂、工业泡沫——来反思技术的介入。这些材料本身就是高度加工和合成的，它们在保持物质性的同时，也象征着现代工业对自然形态的渗透与重塑。 第五部分：语境的重构——从对象到叙事 最后一部分，本书将视野拉回到作品的解读层面。它讨论了当代雕塑如何通过并置、堆叠或解构已有的文化符号，来构建新的叙事层次。 雕塑不再仅仅是关于形式，它成为了一个容器，用来盛放、混合或冲突不同历史时期的意义。一个看似简单的几何形体，一旦被放置在一个特定的历史遗址上，或使用一种具有特定社会意涵的材料制成，其意义便被彻底翻转。 本书的结论部分总结道，当代雕塑的发展轨迹是不断地瓦解既有的二元对立：静止与运动、永久与易逝、纯粹形式与社会内容、艺术与非艺术。通过对物质的深刻敬畏和对空间关系的不懈实验，这些艺术家拓宽了雕塑作为一种表达媒介的可能性，使其能够更敏锐地捕捉我们这个复杂、多维且充满物质张力的时代精神。 全书配有大量高清图片和创作手稿的分析，旨在提供一个扎实、深入且充满洞察力的视角，去理解雕塑领域中那些突破性的、革命性的探索。

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这本书的结构设计非常大胆，它没有按照时间线索来组织，而是围绕几个核心的“主题切片”进行跳跃式的展示，这使得阅读体验充满了惊喜和不确定性。比如，上一页还在探讨六十年代末的激进主义对材料选择的影响，下一页立刻就跳转到了对近十年来的数字模拟与实体重构的探讨，这种跨越时空的并置，反而凸显了艺术家创作脉络的内在一致性——那种对“界限”的不断试探。这种非线性的编排，恰恰模仿了艺术创作本身那种反复、循环、灵光乍现的非线性过程。它迫使读者的大脑必须建立自己的关联网络，而不是被动地接受既定的历史框架。我尤其欣赏这种“策展式”的文本布局，它把每一篇文章都当作一个独立的展柜，里面的展品虽然主题相似，但呈现方式和侧重点各不相同，需要我们自己去发现它们之间的“看不见的线索”。这让阅读变成了一场主动的考古，而不是被动的接受信息，心智的活跃度极高。

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我花了整整一个下午的时间才勉强消化了其中关于“身体性”与“空间”交织部分的论述，那位评论家（我记不清名字了，但其文笔犀利得像手术刀）的分析角度极其刁钻，他没有落入传统艺术评论中对女性艺术家身份的简单标签化，而是深入剖析了作品中那种原始的、未被驯服的“在场感”。那种感觉就像是，作品本身就是一种生物，它不是被制作出来的，而是“生长”出来的。特别是当他将作品的褶皱和延展与人体器官的隐喻联系起来时，那种震撼是直击灵魂的。这本书的贡献在于，它拒绝提供一个清晰、线性的理解路径，反而鼓励读者去体验那种认知上的不适和迷茫。这正是我所期待的——好的艺术评论不应该提供答案，而应该提出更深刻的问题。读完那几章，我感觉自己对“雕塑”这个词的定义都产生了动摇，它似乎不再是关于固定和永恒，而是关于转化、腐蚀和瞬间的爆发力。这本书无疑是一部知识密集的文本，需要反复咀嚼，但每一次重读都会发现新的层次被揭示出来，如同剥开洋葱，虽然流泪，却充满了收获的喜悦。

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我必须提及这本书在视觉档案方面的卓越贡献。市面上很多关于当代艺术家的出版物，插图往往是廉价的、低分辨率的，完全无法传达原作的精髓。但这一本，对于作品细节的捕捉达到了近乎苛刻的程度。特别是那些关于表面处理和结构连接处的特写照片，清晰得让人能感受到不同材料之间的摩擦和张力。那些色彩斑斓的树脂作品在高清照片下，其光泽的深度和层次感是书本文字描述永远无法企及的。这本书更像是一本高精度的技术手册，附带了深刻的艺术见解。它不仅仅是在“展示”作品，更是在“解构”作品的构成方式。对于那些希望深入研究艺术家创作手法的同行或学生来说，光是这些高质量的图像资料就值回票价了。它成功地建立了一种新的审美标准：出版物本身也应被视为艺术品的一部分，它必须以最忠实、最令人信服的方式来承载和放大原作的能量。这本书在这方面做得非常出色，堪称典范。

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坦白说，我对艺术史中那些过于学术化、充满术语堆砌的论著总是敬而远之，但这本书的叙述腔调却出乎意料地平易近人，甚至带有一种近乎口语化的叙事节奏。它更像是艺术家本人在回顾创作历程时，穿插着一些精准的行业观察。其中有一段描述艺术家是如何在早期工作中与工业材料进行“对话”的，那段文字的画面感极强，我仿佛能闻到工作室里混合着化学气味和金属碎屑的味道。这种叙事策略使得作品的创作过程不再是抽象的理论推演，而是充满了汗水、挫折和意外的惊喜。它成功地拉近了宏大的艺术殿堂与实际操作之间的距离。让我印象深刻的是，书中对于某一特定系列作品的阐释，没有强调其哲学意义，反而聚焦于技术层面的迭代和艺术家如何“欺骗”材料的固有属性，这对于我这类非专业出身的爱好者来说，是极其友好的切入点。它让你明白，伟大的艺术往往建立在对工艺的极致掌握之上，而不是空泛的意图。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，封面那种粗粝的质感和色彩的碰撞，一下子就抓住了我的眼球。那种大胆的、近乎挑衅的材料运用方式，让人不禁联想到某种远古的仪式，或者说是对传统雕塑边界的公然挑战。内页的印刷质量也无可挑剔，那些作品的细节，无论是纹理的起伏还是光影的微妙变化，都被精准地捕捉了下来。我尤其喜欢它对于不同媒介之间张力的处理，那些看似随意滴落、流淌的液体，实则蕴含着某种精心计算过的平衡，仿佛艺术家在与物质本身的惰性进行一场持久的拔河。阅读过程中，我常常需要停下来，不仅仅是文字的引导，更多的是被那些图像本身所牵引，去感受那种触手可及的物质性。它不是那种平铺直叙的艺术史叙事，而更像是一系列精心编排的、充满感官冲击的片段集合，引导你进入一个由形态、质地和空间构筑的独特维度。这本书的排版也很有意思，留白的处理非常克制，使得每一个画面都有足够的呼吸空间，但整体上又保持了一种紧凑的、充满能量的节奏感。对于任何一个对当代雕塑和材料实验感兴趣的人来说，这本书的物理存在本身就是一种收藏的价值。

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