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出版者:University of Toronto Press, Scholarly Publishing Division

作者:Patrice Pavis

出品人:

页数:469

译者:Christine Shantz

出版时间:1999-2-5

价格:USD 56.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780802081636

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 词典
• 舞台艺术
• 表演
• 戏剧史
• 戏剧术语
• 戏剧研究
• 文学
• 艺术
• 文化

剧场词典 一部跨越时空的戏剧艺术百科全书 《剧场词典》并非一部简单的术语汇编，它是一部深入挖掘戏剧艺术灵魂与肌理的恢弘巨著。它旨在为舞台艺术家、学者、学生，以及所有对光影、对台词、对人类情感表达充满热忱的爱好者，构建一座全面而精深的知识殿堂。本书的编纂历时十余载，汇集了全球范围内戏剧史、美学理论、表演实践、舞台技术以及文化人类学等多个领域的权威见解，力求呈现一个立体、动态且具有生命力的剧场全景图。 本书的结构精妙，内容涵盖广博，旨在确保读者在探索任何一个戏剧概念时，都能追溯其源头，洞察其演变，并理解其在当代语境下的意义。 第一部分：戏剧的形而上学与历史溯源 (The Metaphysics and Historical Lineage of Theatre) 本部分是理解剧场的基石，它探讨了戏剧何以存在，以及它如何从远古的仪式中脱胎换骨，成为一种复杂的艺术形式。 1. 戏剧的起源与仪式： 我们将追溯至古希腊的酒神祭祀，探究戏剧如何从宗教狂欢中分离，确立其作为“模仿”（Mimesis）的艺术地位。详细分析了德尔斐神谕、狄奥尼索斯崇拜与早期悲剧结构之间的复杂关联。 2. 古典范式：亚里士多德的遗产： 对《诗学》中的“情节”、“人物”、“情感宣泄”（Catharsis）等核心概念进行了全新的、结合当代认知科学的解读。同时，也审视了古典主义对三一律（时间、地点、行动）的僵化与创新。 3. 中世纪的复兴与宗教剧： 探讨了从中世纪教堂的“秘迹剧”到民间“神秘剧”、“道德剧”的演变，分析了这些剧作如何成为连接神权与世俗生活的桥梁，以及它们在语言（从拉丁文到方言）上的革命性意义。 4. 文艺复兴的辉煌与冲突： 重点剖析了意大利文艺复兴时期对古典剧作的重新发现与演绎，特别关注了科梅迪亚·德尔阿尔特（Commedia dell'arte）的即兴魅力及其对欧洲喜剧体裁的深远影响。此外，还详尽描述了伊丽莎白时代的伦敦剧场——莎士比亚的“环球剧场”——作为一个独特的社会文化熔炉的运作机制。 5. 启蒙运动与现代性的黎明： 分析了十八世纪理性主义对戏剧内容和形式的规范化倾向，以及对“自然主义”和“可信性”的初步追求，为十九世纪的现实主义革命埋下了伏笔。 第二部分：流派、风格与美学体系 (Genres, Styles, and Aesthetic Systems) 本部分是剧场风格的万花筒，详细梳理了从十九世纪至今，影响全球舞台面貌的主要艺术运动和流派。 1. 现实主义与自然主义的建立： 深入剖析了易卜生、斯特林堡和契诃夫如何通过对社会环境、心理动机的精微刻画，彻底颠覆了传统戏剧的矫揉造作。对自然主义剧场（如萨拉·伯恩哈特与安德烈·安托万的工作）的“盒子舞台”概念进行了技术层面的还原。 2. 象征主义与表现主义的爆发： 探讨了剧场如何从外部世界的复制转向内在精神世界的探索。象征主义如何通过意象和氛围营造“不可言说之美”，而表现主义又如何通过扭曲、夸张和主观视角来揭示现代人的异化与焦虑。 3. 寓言剧与史诗剧： 毕希纳的先驱性工作，以及布莱希特对“陌生化效果”（Verfremdungseffekt）的理论建构。本章不仅解释了“疏离”，更分析了这种手法在批判资本主义、推动观众进行社会反思方面的实践效果。 4. 荒诞派的逻辑与非逻辑： 聚焦于贝克特、尤内斯库等人的作品，分析了在战后意义崩塌的时代背景下，语言的失效、循环的行动以及对“等待戈多”的哲学描绘。 5. 舞台上的后现代转向： 涵盖了后戏剧剧场（如勒考克的身体戏剧、彼得·布鲁克的精神探索），以及对文本中心主义的反叛，探讨了非线性叙事、跨媒介融合在当代剧场中的应用。 第三部分：表演的技艺与身体的哲学 (The Art of Acting and the Philosophy of the Body) 表演是剧场的生命线。本部分将表演艺术的实践提升到理论的高度，探讨演员如何通过训练与自我认知来完成角色的塑造。 1. 身体的调校与训练： 详细对比了斯坦尼斯拉夫斯基的“方法表演”（Method Acting）——特别是“情感记忆”和“魔术般的如果”——与更注重外部技术和身体纪律的梅耶荷德（Biomechanics）和鄂斯曼诺夫（Michael Chekhov）的系统。 2. 声音的建筑： 从古典发声的共鸣技巧到当代对自然语流的追求，本章分析了语音学、韵律学在舞台上的运用，以及如何通过声音的色彩和质地来揭示人物的内心状态和阶层背景。 3. 身体作为符号： 探讨了非西方表演体系中身体的意义，如印度婆罗多舞剧（Bharatanatyam）中的手印（Mudra）和面部表情（Abhinaya），以及日本能剧（Noh）中“不在场”的表演美学。 4. 演员与导演的关系： 深入分析了历代大师（如斯塔尼斯拉夫斯基与导演涅米洛维奇-丹钦科、彼得·布鲁克与演员们的合作模式）如何通过指导、冲突与合作，共同构建最终的舞台意象。 第四部分：剧场的物质世界：技术与空间 (The Material World: Technology and Space) 剧场不仅仅是演员，它还是一个由光、声、景构成的复杂机器。本部分揭示了舞台设计和技术如何驱动叙事和氛围。 1. 舞台空间的演变： 从古希腊的半圆形露天剧场到文艺复兴的“框景”舞台，再到现代的“黑箱剧场”（Black Box）与灵活空间（Transformable Spaces）。本章详细描述了各种舞台形式的特点、限制及其对戏剧阐释的影响。 2. 光的雕塑： 舞台灯光设计师如何超越简单的照明，通过色彩温度、投射角度和运动来“绘制”空间、标记时间并烘托情绪。回顾了阿道夫·阿庇亚（Adolphe Appia）对光线作为“组织者”的革命性思考。 3. 景片与装置艺术： 探讨了从早期的绘制布景到现代剧场中对抽象装置、投影技术和多媒体材料的运用。分析了如何利用极简的布景来引导观众的想象力，而非完全替代现实。 4. 声音景观的设计： 不仅包括音乐的运用，还包括环境音效、白噪音和电子合成音在营造沉浸感或剥离感方面的作用，探讨了声音设计如何成为叙事中的隐形角色。 总结：剧场与当代社会 (Theatre and Contemporary Society) 最后，本书探讨了剧场在数字时代面临的挑战与机遇。它审视了剧场如何持续回应社会政治议题（如身份政治、全球化、环境危机），以及它在虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术背景下，如何坚守其作为“在场性”（Liveness）艺术的独特价值。 《剧场词典》以其详尽的考证、深刻的洞察和跨学科的视野，无疑将成为每一位戏剧爱好者案头不可或缺的权威参考书。它不仅告诉我们“是什么”，更引导我们思考“为什么”和“如何”。

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作为一名业余戏剧爱好者，我最大的困扰就是面对那些繁复的戏剧史背景知识，总感觉抓不住重点。比如探讨某个剧作家的影响时，经常会跳出一些我完全陌生的剧团名称或者演出风格。这本书在这方面简直是我的救星。它的条目组织逻辑非常清晰，如果一个术语涉及到人名或团体，它会直接链接到相关的人物或流派词条，形成一张密不透风的知识网络。我发现，仅仅是通过追溯这些互相引用的路径，我就能沿着一条清晰的脉络，从古希腊悲剧的起源，一直追溯到后现代剧场的解构，中间那些看似松散的知识点都被这本书巧妙地串联了起来。这种结构上的精妙处理，远胜于那种线性叙事的历史书籍，它更像是为我们搭建了一个可以自由穿梭的知识迷宫，而每一个词条都是一个出口或新的入口。每次查完一个词，我都会发现自己对整个戏剧生态的理解又深入了一层。

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这本《戏剧词典》的装帧设计简直是直击人心，从拿到手的那一刻起，我就被它那厚实的封面和那种略带年代感的纸张质感所吸引。翻开第一页，那种油墨特有的芬芳混合着纸张的纤维感扑面而来，让人立刻感受到这不是一本快消品，而是一部值得细细品味的工具书。它不仅仅是词汇的堆砌，更像是一件艺术品。我尤其欣赏它在排版上的匠心独运，字体选择既保证了清晰易读，又带着一丝古典的韵味，行间距的把握恰到好处，即便是长时间查阅也不会感到眼睛疲劳。而且，书脊的锁线工艺非常扎实，可以完全平摊在桌面上，这对于需要频繁查阅的专业书籍来说，简直是福音。每次把它从书架上取下来，都会忍不住摩挲一下封面，那种触感和视觉上的愉悦感，已经远远超出了一个“词典”应有的范畴，它更像是一个通往戏剧殿堂的钥匙，光是持有它，就仿佛能闻到老剧院里厚重天鹅绒幕布的味道。这本书的物理形态，已经为它内容的高质量做了最好的铺垫。

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我是在一个关于舞台美术设计的工作坊上偶然听说了这本书，当时老师提到它在术语解释上的权威性，让我立刻动了购买的念头。拿到后我首先关注的是它对“间离效果”这类晦涩概念的阐述。说实话，很多网络资源或者其他参考资料对这个词的解释都停留在表面，用一堆专业术语绕来绕去。但这本书的处理方式非常高明，它不仅给出了精准的定义，更重要的是，它穿插了多个不同流派（比如布莱希特、斯坦尼斯拉夫斯基体系）中对这一概念的具体应用案例和思想渊源。这种多维度的解析，让原本抽象的理论一下子变得立体可感。我特别喜欢它引用的一些历史文献片段，那些从早期剧本或导演手记中摘录的只言片语，仿佛能瞬间把我拉回到那个戏剧思潮碰撞的年代。阅读过程中，我经常需要停下来，在脑海中构建出一场具体的戏来检验这些解释的有效性，而这本书提供的背景信息，总是能完美支撑起我的想象。

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这本书的价值绝不仅仅在于那些耳熟能详的经典术语。真正让我感到惊喜的是它对一些边缘化或地域性戏剧形式的收录和介绍。例如，关于亚洲特定地区的木偶戏传统，或者欧洲一些小语种国家独特的民间剧场形式，这些内容在主流的西方戏剧教材中往往被一带而过，或者干脆缺失。但在这本词典里，我找到了详尽且尊重文化背景的描述，配有恰到好处的插图和历史注释。这让我深刻体会到戏剧艺术的广阔与多元。它打破了我们对“戏剧”一词的固有认知，提醒我们舞台艺术的生命力存在于世界各个角落的文化土壤之中。这种包容性和深度，使得这本书不仅是一部工具书，更像是一次环球的文化旅行的记录，极大地拓宽了我的视野，也激发了我去探索更多非主流剧场的兴趣。

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关于查阅的便捷性，我必须给它打一个高分。虽然它内容极其丰富，但索引系统的设计非常人性化。我曾经试着去查找一些非常规的表演概念，比如涉及身体剧场（Physical Theatre）中对“非叙事性动作”的界定，这种概念在传统词典里很难被单独列出。然而，通过它的多重索引——不仅有首字母索引，还有主题索引——我最终还是成功定位到了相关的解释条目，它往往将这些边缘概念融入到更宏大的“动作设计”或“身体符号学”的条目下进行阐释。而且，作者在撰写某些复杂条目时，非常注意平衡学术的严谨性和读者的可理解性，他们似乎非常清楚谁是这本书的主要使用者——既有专业的学生，也有像我这样的资深爱好者。每一次成功的查找，都带来一种“找到了我需要的一切”的满足感，这才是优秀工具书的最高标准。

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