具体描述
理查．華格納不僅是歌劇史上舉足輕重的人物，對於十九世紀後半全歐洲的藝文發展乃至全世界，都有著全面性影響。直至今日，音樂界、文學界、美術界、戲劇界，甚至今日流行文化裡，處處可見華格納藝術理念的踪跡。
本書以不同議題探討華格納歌劇作品，議題擴及音樂學、劇場學、語言學、德語文學、接受及影響研究等等，期望反映出華格納研究之跨領域、跨學科以及演出與實務結合的趨勢，為國內讀者帶來最新的華格納藝文氣息。
作者简介
羅基敏
德國海德堡大學音樂學博士，國立臺灣師範大學音樂系教授。研究領域為歐洲音樂史、歌劇研究、音樂美學、文學與音樂、音樂與文化等。經常受邀於國內外國際學術會議發表論文。重要中文著作有《文話／文化音樂：音樂與文學之文化場域》（高談文化，1999）、《杜蘭朵的蛻變》（高談文化，2004）、《古今相生音樂夢—書寫潘皇龍》（台北：時報，2005）、《「多美啊！今晚的公主」—理查．史特勞斯的《莎樂美》》（高談文化，2006）、《華格納．《指環》、拜魯特》（高談文化，2006）、《少年魔號 — 馬勒的音樂泉源》（華滋出版，2016）、《《大地之歌》— 馬勒的人世心聲》（九韵文化，2011）、《愛之死—華格納的《崔斯坦與伊索德》》（華滋出版，2014）、《走一個世紀的音樂路：廖年賦傳》（華滋，2014）等專書及數十篇學術文章。
梅樂亙Jürgen Maehder
瑞士伯恩大學音樂學博士。1989至2014年任德國柏林自由大學音樂學研究所教授。目前為瑞士盧甘諾義語大學音樂學教授。曾作曲及導演歌劇。其學術足跡遍及歐、美、亞洲，除有以德、義、英、法等語言發表之數百篇學術論文外，並經常接受委託專案籌組學術會議，以及受邀為歐洲各大劇院、音樂節以及各大唱片公司撰文，對歌劇研究及推廣貢獻良多。其以中文出版之重要著作有《杜蘭朵的蛻變》（高談文化，2004）、《「多美啊！今晚的公主」—理查．史特勞斯的《莎樂美》》（高談文化，2006）、《華格納．《指環》、拜魯特》（高談文化，2006）、《少年魔號 — 馬勒的音樂泉源》（華滋出版，2016）、《《大地之歌》— 馬勒的人世心聲》（九韵文化，2011）、《愛之死—華格納的《崔斯坦與伊索德》》（華滋出版，2014）等專書及其他學術文章。
目录信息
參考資料縮寫表
華格納歌劇作品概覽表
劇情大意：
●《仙女》
●《禁止戀愛》
●《黎恩濟》
●《飛行的荷蘭人》
●《唐懷瑟》
●《羅恩格林》
●《崔斯坦與伊索德》
●《紐倫堡的名歌手》
●《萊茵的黃金》
●《女武神》
●《齊格菲》
●《諸神的黃昏》
●《帕西法爾》
形式依循功能：析論華格納的《禁止戀愛》
雅各布斯哈根（Arnold Jacobshagen）著 陳怡文 譯
韋伯的《魔彈射手》與華格納的《飛行的荷蘭人》
羅基敏 著
從《黎恩濟》到《羅恩格林》—華格納德勒斯登時期的聲響與管絃樂法
楊茲（Tobias Janz） 著 蔡永凱 譯
沉默的結構 — 華格納作品的無聲視角
北川千香子（Chikako Kitagawa） 著 陳淑純 譯
「這裡只問藝術！」—論華格納《紐倫堡的名歌手》之音樂語言歷史主義
梅樂亙（Jürgen Maehder）著 羅基敏 譯
「在萊茵河『裡』」？—《萊茵的黃金》之為宇宙源起
葛洛斯（Arthur Groos）著 鄭可喬 譯
視界化為聲音：華格納於《年輕的齊格菲》中「諸神末日」之演進處理
李奉書 著
「我追求喜悅，卻喚醒苦痛」—談華格納樂劇的語言：觀察、描述、檢視
帕納格（Oswald Panagl）著 莊郁馨 譯
十九世紀法語文學華格納風潮的開始─以〈羅恩格林前奏曲〉之討論為例
洪力行著
何謂「拜魯特風格」？
莫許（Stephan Mösch）著 羅基敏 譯
附錄：NSO 2013《女武神》演出資訊
重要中外譯名對照表
黃于真 製
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
對於華格納作品的「總體藝術」理念，我一直感到非常好奇。他並非簡單地將音樂、詩歌、戲劇、視覺藝術等元素簡單地疊加，而是希望通過一種高度整合的方式，創造出一個全新的藝術形式，能夠更直接、更強烈地觸動觀眾的靈魂。我希望這本書能夠為我詳細闡釋這一理念的內涵，以及他在實踐中是如何將這些看似不同的藝術門類，通過音樂作為核心，將它們有機地融合在一起。 例如，書中是否會探討，華格納是如何運用舞台美術，例如布景、服裝、燈光，來與音樂和詩文產生共鳴？他對這些視覺元素的設計，是否也遵循著他對音樂和戲劇的嚴格要求？我希望能夠通過書中的分析，看到這些不同層面的藝術元素是如何相互作用，共同構建出華格納獨特的藝術世界，從而讓觀眾不僅是聽到，更是看到、感受到，甚至全身心地沉浸其中。
閱讀這本書，我希望能對華格納的「象徵主義」有更為深入的認識。他的歌劇，似乎無處不在地充滿著各種象徵，從神話人物的身份，到道具的出現，再到特定的音樂主題，都可能承載著多重的含義。我期待書中能夠為我揭示這些象徵的意義，以及它們是如何相互關聯，共同構建出華格納作品的深層次內涵。 例如，在《尼伯龍根的指環》中，那枚象徵著權力與詛咒的戒指，在音樂和戲劇中又扮演著怎樣的角色？齊格弗里德那把象徵著力量與命運的寶劍，又是如何被華格納賦予了更多意義？我希望能夠通過書中的詳細分析，更好地理解這些象徵符號，以及它們如何幫助華格納傳達更為複雜和深刻的思想，從而讓我對他的作品有更為透徹的理解。
華格納的作品，除了其藝術上的價值，也常常與其個人經歷和時代背景緊密相連。他作為一個具有強烈個人意志和獨特思想的藝術家，他的生平經歷，例如他參與革命運動、與各界人士的交往，以及他所處的那個風雲變幻的時代，對他的創作產生了怎樣的影響？我希望這本書能夠在介紹其藝術成就的同時，也能適當地提及這些背景信息，幫助我更全面地理解這位偉大作曲家。 例如，書中是否會探討，華格納的政治觀念，例如他對德意志民族主義的態度，是如何體現在他的作品中的？他作品中那些關於英雄、民族、救贖的主題，在當時的社會語境下，又具有怎樣的意義？我希望能夠通過對這些歷史和社會背景的了解，更好地理解華格納作品中那些複雜的層面，以及它們在歷史長河中所扮演的角色。
在閱讀這本書之前，我對華格納的印象，更多是來自於電影或是一些零散的介紹，例如《現代啟示錄》中那段令人毛骨悚然的《瓦爾基麗》的應用。我知道他的音樂充滿力量，但也伴隨著一種令人不安的感覺。因此，我非常希望這本書能夠幫助我更深入地理解這種力量的源泉，以及那種不安感的根源。例如，他作品中那些極具象徵意義的人物，如齊格弗里德的無畏，布倫希爾德的決絕，甚至是阿爾貝裏希那種被貪婪吞噬的扭曲，這些形象在神話的原型上，是如何被華格納進行了個人化的詮釋，並在音樂和舞台上得到了具體化的呈現。 我還想知道，書中是否會探討華格納作品中，關於善惡、正義、權力之間的永恆鬥爭。這些主題在不同的作品中，是如何通過不同的神話人物和情節來展現的？例如，《羅恩格林》中對純潔與陰謀的對比，《帕西法爾》中對信仰與救贖的探討，這些元素是否在華格納的藝術世界中，構成了一個更為宏大和連貫的體系？我想知道，他究竟是想通過這些作品，向我們傳達怎樣一種關於人類存在和命運的深刻洞察。
初拿到這本《華格納研究：神話、詩文、樂譜、舞台》，我並沒有抱持著能立刻理解所有複雜概念的預期。畢竟，理查·華格納這個名字本身就帶著一股宏大、深邃，甚至有些令人望而生畏的氣息。他的作品，無論是《尼伯龍根的指環》那冗長卻又充滿魔力的史詩，還是《特里斯坦與伊索爾德》那直擊靈魂的愛情悲劇，都像是將觀眾拉入了一個全然不同的時空。這本書的標題已經明確指出了它將深入探討的幾個面向：神話、詩文、樂譜、舞台。我很好奇，作者將如何將這些看似獨立的元素編織在一起，揭示出華格納藝術的真正核心。 我尤其期待書中對神話的闡述。華格納的歌劇，很大程度上取材於日耳曼和北歐的神話傳說，這些古老的故事中蘊含著深刻的宇宙觀、道德觀和人類的情感。他如何從這些原始的敘事中提煉出具有現代意義的主題？他對這些神話的改編和重塑，又反映了他自己怎樣的時代精神和個人哲學？我希望書中能詳細分析《指環》系列中對於權力、愛情、命運的描繪，以及這些神話符號在華格納的音樂和戲劇結構中扮演的角色。是單純的借用，還是有更深層次的象徵意義？這些都讓我充滿了探索的渴望。
關於華格納的「動機」概念，我一直感到非常著迷。他如何創造出那些能夠貫穿整部歌劇，並與特定人物、情感、概念緊密聯繫的音樂片段？這些動機在音樂結構中是如何發展、變奏，並最終匯聚成宏大的樂章的？我期待書中能夠對此進行詳細的剖析，或許通過一些具體的樂譜範例，來演示這些動機是如何被運用，從而構建出華格納獨特的音樂語言。 例如，在《尼伯龍根的指環》中，像「權力動機」、「愛情動機」、「命運動機」等，它們的音樂特徵是什麼？它們是如何在不同情節中，通過變奏和組合，來表達人物的心理變化和劇情的发展的？我希望通過書中的分析，能夠更深刻地領會到華格納音樂的精妙之處，以及他如何通過音樂來傳達複雜而豐富的意義。
詩文，對我而言，是歌劇中最直觀也最容易讓人沉醉的部分。華格納不僅是作曲家，他更是他自己作品的劇作家，他筆下的歌詞，往往既有史詩般的莊嚴，又有抒情詩般的細膩。我希望這本書能深入剖析他對歌詞創作的獨特方法。他如何平衡詩的韻律、語感與音樂的旋律、節奏？那些充滿哲思和情感的長段獨白，在舞台上如何被演唱和詮釋，才能最大限度地展現其張力？特別是《羅恩格林》中那個充滿神秘感的騎士形象，他的語言又該如何體現那種高貴與孤獨？我渴望了解，在華格納的構想中，詩文與音樂的結合，究竟能達到怎樣的藝術境界。 此外，我還想知道，華格納的詩文創作是否也受到當時文學潮流的影響？他是否在其中融入了自己的文學觀？書中如果能提供一些具體的歌詞段落分析，並與其音樂相輔相承地解讀，那將會是極大的收穫。畢竟，歌劇的魅力，很大程度上就在於語言與音樂的無縫融合，讓情感的表達更加豐富和深刻。
音樂，無疑是華格納歌劇的靈魂所在，也是我最期待深入了解的部分。他的「樂劇」概念，打破了傳統歌劇的詠嘆調、宣敘調的界限，以「動機」為線索，將音樂的織體編織得異常複雜而精妙。《特里斯坦與伊索爾德》中那著名的「特里斯坦和弦」，究竟承載了怎樣的音樂革命？他如何運用樂隊來刻畫人物的內心世界，以及推動劇情的發展？我期待書中能有對這些音樂元素的詳細分析，例如「無限旋律」的運用，以及他如何通過和聲、配器來營造出那種強烈的情感衝擊力。 我還想知道，華格納的音樂發展歷程是如何演變的？從早期的作品到晚期那些集大成的巨作，音樂風格上有哪些變化和突破？書中是否能提供一些樂譜上的具體例子，並結合音樂理論來解釋其獨特性？對於像我這樣對音樂理論並非專精的讀者來說，能夠通過淺顯易懂的方式，卻又不失深度地理解這些音樂上的複雜性，將會非常寶貴。
對於「虛無」和「救贖」這兩個主題，在我對華格納作品的初步了解中，感覺它們扮演著重要的角色，尤其是在《特里斯坦與伊索爾德》和《帕西法爾》等作品中。我希望這本書能夠深入探討這兩個主題在華格納的藝術世界中的意義。例如，他如何通過音樂和詩文來描繪愛情中的虛無感，以及尋求精神救贖的過程？ 我還想知道，華格納的「救贖」理念，是否與當時的哲學思想，例如叔本華的悲觀主義，有著什麼樣的聯繫？他作品中的「貞潔」和「犧牲」所代表的意義又是什麼？我希望能通過書中的分析，更清晰地理解這些形而上的主題，以及它們是如何與華格納的音樂和戲劇融為一體的，從而引導觀眾進行更深層次的思考。
舞台，是華格納歌劇最終呈現的載體，也是他「總體藝術」理念的最終體現。他對舞台設計、演員表演、甚至是觀眾體驗，都有著極為嚴苛和前瞻性的要求。我對書中關於「拜羅伊特節日劇院」的設計理念很感興趣，這個專為演出他作品而建的劇院，在聲學、視覺上又是如何體現華格納的藝術追求的？他又是如何設想演員的表演方式，才能與他宏大的音樂和劇本相得益彰？ 我還想了解，在華格納的時代，他的舞台理念是如何被實踐的？在技術條件有限的情況下，他又是如何克服困難，追求他理想中的舞台效果的？書中是否能探討一些早期演出的史料，甚至是關於他親自指導演出的記錄？對於我這樣一個對歌劇表演充滿好奇的觀眾來說，能夠窺見華格納在舞台藝術上的野心和實踐，將會非常有啟發性。
