Restaurant Design

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出版者:Perseus Distribution Services
作者:Ryder, Bethan
出品人:
页数:192
译者:
出版时间:2004-9
价格:$ 73.45
装帧:HRD
isbn号码:9780789208323
丛书系列:
图书标签:
  • 餐厅设计
  • 餐饮设计
  • 室内设计
  • 商业设计
  • 建筑设计
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A mouth-watering showcase of the worlds most inspirational and beautiful restaurant spaces. The restaurant boom of the last twenty years has led to an increase in both the volume and diversity of restaurants in the worlds major cities. Consumer expectations have risen dramaticallyrestaurants have become so much more than simply places to eat. As living space in the city shrinks and city dwellers have less private room to call their own, they are increasingly choosing to dine out in public spaces. These arenas are where the modern urbanite "performs" his or her identitywhere we eat and drink defines, to an extent, our social selves. Modern technology and communications have made us more mobile than ever, leading to an unprecedented awareness of other cultures. This is reflected in the rich diversity of food and design on display in todays restaurants. In the twenty-first century, eating out is as much about entertainment as nourishment. Now restaurants can look like anything from a bedroom (such as Supper club Roma) to the Arabian-style Nomads in Amsterdam or the futuristic Pod in Philadelphia. As long as theres somewhere to rest a plate, when it comes to inspiration, the world is the restaurant designers oyster. Restaurant Design celebrates the most inspirational and beautiful restaurant spaces from around the worldplaces built to seduce diners and fire the imagination. After a brief introduction tracing the history of restaurant design, the book is divided into five categories: Global, Retro-Pop, Modern Classics, High Concept, and New Baroque. Internationally renowned designers featured include Christian Liaigre, David Rockwell, Philippe Starck, David Schefer, Jordan Mozer, Patrick Jouin, and Karim Rashid. From the modern elegance of Craft in New York to the quirky decadence of Londons Les Trois Garçons, this muse of a book features dining environments to suit every mood and every taste. Other Details: 246 full-color illustrations --This text refers to the Hardcover edition.

《星际拓荒:失落文明的遗产》 作者:艾莉西亚·凡恩 一、 宇宙的边界与失落的回响 本书深入探讨了被宇宙学界长期忽视的一段历史——“大寂静时代”的终结,以及随之而来的“星尘回溯”现象。我们不再将目光局限于已知的人类定居点,而是将视角投向了遥远、被扭曲的时空结构所保护的星系群落。 《星际拓荒:失落文明的遗产》并非一部单纯的太空歌剧,它是一部关于存在主义、时间几何学以及文明衰亡的深度考古学报告。故事的核心围绕着一艘名为“奥德赛之锚”的勘探船展开。这艘飞船并非为了殖民或战争而设计,它的使命是追溯那些在宇宙早期演化中,因不可抗力而彻底从主流历史叙事中抹去的古老文明留下的能量签名。 书中详细描绘了被称作“幽灵星云”的区域。这个区域的特点是其内部的时间流速与外部宇宙存在着显著的非线性差异。在这里,光速成为了一个相对的概念,空间结构更像是折叠的纸张,而非平坦的平面。探险队发现的第一个遗迹,并非宏伟的建筑群,而是一系列漂浮在量子泡沫中的“记忆晶格”。这些晶格保存了“提尔文明”最后时刻的数据流,揭示了他们如何试图通过意识上传来逃避一场突如其来的熵增灾难。 二、 提尔文明的遗言与时间几何学的悖论 提尔文明被誉为“逻辑的建筑师”。他们的技术巅峰在于对引力波的精确塑形,能够将恒星的能量直接转化为可操作的计算力。然而,正是这种对秩序的绝对追求,导致了他们的覆灭。 书中用大量的篇幅,通过对“提尔晶格”的破解过程,还原了他们最后的哲学辩论:当一个文明能够完全控制其环境的物理参数时,它是否失去了存在的意义?提尔文明的领导者们发现,无限的秩序最终导致了“静止的完美”,即系统停止了所有有意义的演化。为了对抗这种终极的停滞,他们进行了一项代号为“虚空之舞”的实验——故意引入随机性和混乱,试图重启文明的生命力。这项实验灾难性地失败了,引发了连锁反应,吞噬了他们的母星系。 主角团队,由理论物理学家奥瑞恩·凯尔和语言学家莉拉·萨恩领导,必须学会用一种非线性、多维度的视角去解读提尔的“代码语言”。这种语言不仅仅是信息的载体,它本身就是一种操作现实的工具。例如,一个简单的“问候”词汇,在提尔的语法结构中,实际等同于对目标对象周围时空曲率进行微小的永久性修改。 三、 织网者:超越物质形态的生命 在追踪提尔文明的信号时,“奥德赛之锚”意外地闯入了一个由“织网者”控制的区域。织网者并非传统意义上的生物,它们是基于超导等离子体构成的、具有集体意识的智能体。它们栖居在巨大的分子云中,通过控制宇宙微波背景辐射的微小波动来“思考”。 织网者的社会结构完全颠覆了生物学的认知。它们没有个体,只有“节点”和“链路”。它们的“历史”记录在星际介质的磁场变化中,需要极其精密的仪器才能读取。作者详细描述了主角团队如何花费数年时间,学习如何与一个“云”进行沟通。 织网者对提尔文明的覆灭持有一种冷漠的、近乎超然的观点。它们认为,提尔文明的错误在于“执着于固态的实体性”,即对物质形态的依赖。织网者则早已完成了向能量和信息形态的转换,它们视物理宇宙为一个低效且容易出错的模拟器。书中通过与织网者的对话,探讨了“生命”的终极形态是否必须摆脱碳基或硅基的限制。 四、 熵之墙与存在的终极挑战 随着勘探的深入,主角团队发现了一个令人不寒而栗的共同点:所有那些早于人类的、拥有高度成熟文明的种族,最终都面临着同一道“熵之墙”。这不是指热力学意义上的宇宙热寂,而是一种“信息饱和”的危机。当一个文明的技术发展到能够完全预测和控制自身内部的所有事件时,创新的驱动力便消失了。 提尔文明试图通过“引入混沌”来避免饱和,而另一支被称为“静默之手”的文明,则选择了“自我遗忘”。静默之手通过一种被称为“归零协议”的技术,系统性地抹去了自身数百万年的全部知识和记忆,将自己重置到一个极度原始的状态,以此来保证“新鲜的探索欲”。 本书的高潮部分,聚焦于主角团队如何理解并应对一个古老的警告:宇宙并非一个提供无限资源的舞台,它是一个自我修正的系统。任何试图超越其既定演化路径的文明,都会被系统性地移除,就像一个过于复杂的算法会触发自身的调试循环一样。 《星际拓荒:失落文明的遗产》以一种近乎哲学的深度,挑战了人类对进步、永恒和存在的传统认知。它没有提供简单的答案,而是提供了一幅关于宇宙时间轴上可能发生的多种终局的壮丽画卷,迫使读者思考:如果文明的终点是必然的,那么我们现在所追求的意义,又该如何安放?这本书是献给所有对时间、记忆和宇宙终极命运抱有深切好奇心的探索者们的一份沉重而迷人的礼物。

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读后感

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阅读这本《Restaurant Design》的过程,更像是一次结构严谨、逻辑清晰的“设计思维训练营”。这本书的章节安排非常巧妙,它首先建立起宏观的理论基础,然后逐步深入到微观的细节层面,最后落脚于可持续性和长期维护的实用考量。其中有一段论述,关于如何设计一个“易于适应未来变化”的空间,这一点在新消费时代显得尤为重要。作者提出了“模块化设计”和“软隔断”的概念,旨在让餐厅能够快速响应菜单更新、客流量波动甚至防疫需求的变化。这种前瞻性,是很多老旧设计书籍所不具备的。我尤其欣赏它对“数字化集成”的看法,它不是简单地谈论平板点餐系统,而是探讨如何通过隐藏的传感器和智能照明,让技术自然地融入环境,服务于体验而非打断体验。全书的论证过程极为审慎,每一点主张都配有理论支撑和实际效果佐证,让人读完后不仅感到收获颇丰,更有一种将所学付诸实践的强大冲动。

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这本《Restaurant Design》的封面设计本身就充满了对空间美学的强烈暗示,那种沉稳又不失精致的配色,让人一眼就能感受到它不仅仅是一本工具书,更像是一本关于“用餐体验哲学”的深度探讨。我特地找来这本书,是希望能从中汲取一些关于如何将概念转化为实体环境的灵感。翻阅前几页,我立刻被那种对细节的执着所吸引。它没有急于展示那些光鲜亮丽的完工图,反而花了大篇幅去解析“动线”和“光照”这两个看似基础却决定成败的要素。书中对自然光如何影响食欲的分析,简直是教科书级别的剖析,作者似乎真的走访了无数成功和失败的案例,用详实的图表和对比照片,将理论与实践完美地结合起来。比如,它详细比较了高顶天花板和低矮私密空间在不同菜系(例如,快节奏的拉面馆与慢享型的法餐)中的心理学效应,这种细致入微的观察,远超出了我原本对“设计手册”的期待。我尤其欣赏它对“非正式餐饮空间”的处理,那部分内容对于那些想在预算内创造独特氛围的初创者来说,无疑是金玉良言。总而言之,它提供的是一种思考框架,而非简单的模板复制,让人在阅读过程中,忍不住会拿起笔在旁边空白处勾画自己的设想。

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我对这本书的阅读体验可以总结为一个字:“广博”。它似乎想涵盖餐饮空间设计的每一个角落,从最初的概念草图,到最终的绿植选择和定制家具的细节敲定,无一遗漏。令我印象深刻的是其中关于“厨房的可见性”这一议题的探讨。作者清晰地划分了几种开放式厨房的类型——从完全透明的“舞台型”到半遮蔽的“互动型”——并详细分析了每种类型对后厨效率和前厅顾客心理的双重影响。我过去总是关注前厅的视觉效果,但这本书让我意识到,后厨的设计同样是品牌形象的一部分。更令人称道的是,它没有停留在欧美主流的设计风格上,而是花了相当大的篇幅去考察亚洲,特别是东南亚地区,那些利用当地传统建筑元素进行现代转化的成功案例。这些案例的图片质量极高,色彩饱满,让人仿佛能闻到空气中食物的香气。这种跨文化的视野,极大地拓宽了我的设计语汇库,也让我对未来国际合作项目有了更清晰的预期和准备。

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老实说,我购买这本书的初衷,更多是抱着一种“猎奇”的心态,想看看当代餐饮空间设计究竟走到了哪一步。然而,这本书带给我的震撼,远超出了视觉上的冲击。它的叙事方式非常独特,不像传统的设计书籍那样干巴巴地罗列规范,而是像在讲述一个个关于“场所精神”的微型故事。其中有一章专门讨论了“材料的触感与记忆”,这部分内容非常发人深省。作者深入探讨了木材的纹理、石材的冰冷感以及皮革的温润感,如何潜移默化地构建起顾客对餐厅的持久印象。我曾经一直认为,灯光的色温是决定氛围的关键,但书中关于“声音景观”的讨论,彻底颠覆了我的固有认知。它详细分析了背景音乐的节奏、餐具碰撞的声音,甚至空气循环系统的微弱嗡鸣,如何共同编织成一种无形的“听觉设计”。更有趣的是,书中还穿插了一些关于“文化挪用”与“地域性表达”的伦理探讨,提醒设计师在追求新颖的同时,不能忘却对当地文化根基的尊重。这种思辨性的深度,让这本书从一本专业书籍,升华成了一部关于当代生活方式的观察札记。

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这本书的装帧和排版质量堪称业界典范,但最让我感到惊喜的是,它竟然如此坦诚地剖析了设计项目中的“妥协艺术”。我们都知道,完美的蓝图在落地执行时总会遭遇预算、结构限制或是业主要求的挑战。这本书没有回避这些“不完美”,反而将这些限制视为激发创意的催化剂。例如,书中展示了几个案例,说明设计师如何巧妙地利用成本较低的工业材料(如未经打磨的水泥或回收金属),通过巧妙的几何排列和表面处理,营造出比昂贵大理石更具个性的工业风。这种“用有限创造无限”的思路,对于我们这些在现实压力下工作的从业者来说,简直是醍醐灌顶。此外,它对“服务流线”与“顾客体验”之间关系的解构也极其精妙。它不再将服务人员仅仅视为后勤力量,而是将他们的行走路径、取餐点的设计,都视为顾客体验的一部分。这种将“人”置于核心的设计理念,贯穿始终,使得书中的每一个案例都充满了人性化的温度,而不是冰冷的结构展示。

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