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出版者:Prentice Hall

作者:Bucki, Lisa A.

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2006-1

价格:$ 84.98

装帧:Pap

isbn号码:9780131870468

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
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经典摄影后期处理技法精粹：胶片时代的色彩哲学与数字时代的完美融合 图书名称：经典摄影后期处理技法精粹：胶片时代的色彩哲学与数字时代的完美融合 图书简介： 本书并非聚焦于特定软件的使用指南，而是深入探讨摄影后期处理的核心理念、美学基础以及跨越不同技术时代的精髓技艺。我们旨在构建一个强大的理论框架，使读者无论面对何种工具——无论是传统的暗房化学药剂，还是前沿的数字图像编辑平台——都能游刃有余地实现其创作意图。 在数字影像技术席卷全球的今天，许多教程过于侧重于“如何点击”某个按钮，却忽视了按钮背后隐藏的光影科学、人眼视觉心理学以及历史上的色彩调控智慧。本书将带领读者穿越回胶片时代，探究那些决定了伟大摄影作品永恒魅力的关键要素，并将这些经过时间检验的原则，巧妙地移植到当代的工作流程中。 第一部分：光影与色彩的本质理解——跨越介质的通用语言 本章首先要打破“后期即是修复缺陷”的狭隘观念，强调后期处理的真正意义在于“诠释”与“升华”。 1.1 光的物理学与视觉感知： 我们将详细剖析光线的不同属性（如色温、硬度、角度）如何影响主体形态的塑造。这不是简单的技术参数罗列，而是结合大量的案例分析，探讨如何通过控制对比度、清晰度以及影调分布，来模拟出特定时间、特定环境下的真实感受。例如，清晨的“冷光”与正午的“硬光”在影调曲线上的本质区别，以及如何用曲线工具来精确重现这种差异。 1.2 色彩理论的深度回归： 许多人对色彩的理解停留在基础的红绿蓝三原色。本书将深入探讨色彩的心理学影响（如色彩情绪学），以及如何运用色相、饱和度、明度（HSB）系统，结合色彩平衡、分离调色等高级技术，创造出具有强烈叙事感的画面。我们会以柯达（Kodak）与富士（Fuji）的经典正片/负片色彩特性为例，解析它们是如何通过对特定色域的偏向性处理（例如，柯达对红色的温暖渲染，富士对绿色和蓝色的细腻把控），形成了自己独特的“品牌基因”。读者将学会的不是模仿某个预设，而是理解这些“基因”背后的色彩逻辑。 1.3 影调控制的艺术——“黑”与“白”的哲学： 优秀的后期处理，其核心在于对中间调的精确控制。我们将彻底解析直方图的秘密，不仅仅是看它是否“曝光正常”，而是如何利用它来判断画面的动态范围分配。本书将详细阐述“分离曝光控制”的概念，即高光、中间调和阴影的各自处理策略，这直接源于传统暗房中Dodge & Burn（加光与减光）技术的精髓。 第二部分：传统暗房技艺的数字复兴 数字工具的强大，恰恰在于它能完美复刻甚至超越传统暗房的复杂操作。本章是本书的灵魂所在，它要求读者放下对自动化功能的依赖，重新理解每一步操作背后的“化学反应”。 2.1 区域曝光控制的理论基础： 我们将详细介绍光明区（Zone System，分区曝光系统）的理论，由安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）发展而来的分区法，其核心思想是将场景的亮度精确地映射到最终输出的灰阶上。虽然我们不再使用测光表和灰卡，但理解Z1到Z9（从纯黑到纯白）的含义，能指导你如何设定数字文件的“目标影调参考点”，确保画面中的关键元素拥有最理想的层次感。 2.2 蒙版技术的前世今生： 传统暗房中，摄影师会使用不透明的纸片或手，在特定区域遮挡或延长曝光时间，这就是“加光与减光”的物理实现。本书将深入解析如何在数字平台上，利用复杂的层级蒙版、渐变蒙版以及通道蒙版来精确地、非破坏性地执行这些操作。我们会展示如何根据亮度、色彩差异或自定义笔刷来创建“活动区域”，如同在暗房中用手指“拂过”相纸一样，实现精细的局部提亮或压暗。 2.3 锐化与降噪的平衡艺术： 胶片时代的颗粒感是其质感的标志之一，而数字时代的噪点则是需要被抑制的瑕疵。本书将探讨如何区分“有益的纹理”与“有害的噪点”。我们将分析不同锐化技术（如高反差锐化、反相锐化等）的原理，并指导读者如何根据图像的打印尺寸和最终呈现媒介，来确定最佳的锐化强度和降噪策略，以保持细节的“胶片感”而非“塑料感”。 第三部分：风格化与叙事构建 后期处理的最终目标是服务于摄影师的叙事。本章关注如何建立一套成熟的、可重复的个人风格。 3.1 模拟经典胶片的色调特征： 许多优秀的后期工作流都建立在对经典胶片色彩的深度模仿之上。我们将拆解“经典黑白”的处理流程，例如如何通过调整不同颜色滤镜（相当于数字平台上的色彩通道操作）来模拟三号红镜在胶片上的强对比效果，或如何通过细微的色偏来重现Ilford Delta或Kodak Tri-X的颗粒质感。对于彩色片，则会解析如何通过控制肤色、环境色与高光/阴影的色彩分离，来重现如Agfacolor或Velvia般独特的色彩倾向。 3.2 景深控制与视觉引导： 尽管景深主要由镜头决定，但后期可以进行二次强化。本书将教授如何利用模拟或增强的“光晕”（Bokeh）效果，以及高级的渐晕（Vignette）技术——这种技术需要高度的精确性，以确保光线引导观众视线到达画面的关键点，而非生硬地造成画面边缘变暗。 3.3 档案管理与长期维护： 优秀的后期作品需要经得起时间的考验。本章将涵盖色彩空间（sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）的选择哲学，工作流程的效率优化，以及如何正确地为不同输出（印刷、网络、画廊展示）准备最终文件，确保作品的色彩保真度能够长久维持。 本书旨在培养读者成为一个“知其所以然”的后期工作者，将工具视为实现艺术愿景的延伸，而非限制创意的枷锁。通过对光影、色彩和历史技法的融会贯通，读者将掌握一套足以应对任何图像编辑挑战的坚实基础。

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我对**《高级视觉叙事与后期雕琢》**这本书的失望，主要来源于它对“后期雕琢”部分的敷衍程度。书名听起来雄心勃勃，好像要教我们如何把一张普通的照片打磨成博物馆级别的作品。然而，当我翻到后期处理的部分时，我震惊地发现，作者几乎完全依赖于某种“一键式”的预设效果，然后用大段的文字来赞美这个预设如何完美地体现了他对“电影感”的理解。他甚至没有详细解释这个预设背后的逻辑，比如它到底调整了哪些曲线点、如何处理了肤色降噪，或者如何精确控制了高光区域的层次。当我尝试手动复现他所描述的“雕琢感”时，我发现根本无从下手，因为所有的关键信息都被打包成了一个无法拆解的黑箱。这本书更像是一个关于作者个人工作流的“广告手册”，而不是一本开放给大众学习的教材。它强调了“结果的美感”，却完全忽略了“过程的科学”。对于一个希望学习如何系统性地掌控后期每一个细节的人来说，这本书提供的帮助微乎其微，它更像是让你学会了依赖工具，而不是掌握工具本身。我感觉自己买的不是一本学习书籍，而是一份高价的“作者的私人偏好清单”。

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天呐，我简直不敢相信我竟然浪费了这么多时间在**《色彩魔法师的秘密画笔》**这本书上！如果你指望通过这本书学会如何真正掌控数字图像的奥秘，那你就大错特错了。作者似乎沉浸在他自己过于宏大和抽象的理论世界里，通篇充斥着“光影的本质”、“像素的灵魂”这类听起来很美，但完全不接地气的哲学思辨。翻开目录，我期待着实用的图层混合模式解析、曲线和色阶的高级应用技巧，结果呢？得到的却是一堆关于“感知艺术”的冗长论述。举个例子，当他讲到蒙版技术时，他用了整整三章的篇幅来探讨“边界的模糊性对人类心智的影响”，而不是教你如何用快速选择工具精确抠图！读完这本书，我感觉自己像是在听一场冗长晦涩的美学讲座，而不是一本实操指南。我的工作流程一点儿也没改善，反而因为被这些“高深”的概念绕晕了，效率更低了。如果有人想找一本能立刻上手解决工作问题的书，请千万避开这本，它更像是一本印刷精美的、毫无营养的理论读物，只能在你书架上占据一个角落，落满灰尘。我甚至怀疑作者本人是否真的在日常工作中进行过大量的图像处理，或者他只是一个纯粹的理论家，将实践操作完全抛诸脑后。这本书的实践指导性，比我多年前买的那本关于古代陶器纹饰的书还要薄弱，简直是浪费生命。

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我真是被**《光影魔术师的思维殿堂》**这本书的名字给骗了。我原本期待的是那种充满活力的、一步步教你如何通过光影创造戏剧性效果的教程。结果呢，这本书更像是一本关于“如何思考光影”的心理学著作，而不是一本教你“如何操作光影”的技术手册。作者似乎对“完美”有着一种近乎偏执的追求，他花了大篇幅去讨论“理想光源的数学模型”和“人眼对高光溢出的心理反应阈值”。当他终于开始谈及实际操作时，他使用的术语是如此的晦涩难懂，充满了行话和缩写，而且完全没有提供任何“为什么”和“怎么做”的清晰解释。例如，他提到“运用伽马曲线的非线性调整来平衡Perceptual Uniformity”，我查阅了所有相关资料，依然不明白在他那个特定的操作流程中，到底应该如何准确地设定那个非线性系数。这本书给我的感觉是，作者急于展示自己的知识深度，却完全忘记了读者的需求是学习一项技能，而不是被灌输一篇学术论文。它缺乏必要的截图指导，缺乏清晰的步骤分解，更别提配套的素材文件了。买这本书，你得到的是一堆理论的骨架，但缺少了支撑它站立起来的血肉。非常不推荐给任何需要提高实际操作能力的人。

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这本书，**《数码影像的深度解析与重构》**，简直是一场灾难性的阅读体验，它仿佛是为那些已经精通行业十年的专家写的，充满了假设你已经完全掌握了基础知识的前提。我承认我在图像处理方面有一定的基础，但这本书的叙事方式极其跳跃和碎片化。它似乎默认读者对色彩空间、色彩管理流程了如指掌，然后直接跳跃到一些极其小众且深奥的插件操作细节上，但这些插件很多都是过时的或者根本找不到资源去学习。更令人沮丧的是，书中的配图简直是侮辱智商。它们要么分辨率极低，根本看不清操作的细节；要么就是用一些看起来非常老旧的界面截图，让人摸不着头脑——拜托，现在的软件迭代速度有多快，你用这种上个世纪的界面截图是想让人笑吗？我尝试跟着书中的一个“高级锐化”教程操作，结果发现书里介绍的菜单选项在我的新版本软件里根本不存在，或者位置完全变了。我不得不花费大量时间在网上搜索和比对，来验证书里所说的到底是不是真的，结果大部分时间都是在修正和推翻书中的内容。这本书的结构混乱，逻辑跳跃，读起来感觉像是在拼凑一本不完整的说明书，而不是一个有条理的教学体系。如果这是一本给初学者的入门读物，那它绝对是地狱级别的难度，只会让人在半途放弃。

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如果有人告诉我**《突破性影像合成技术》**是一本小说，我都会相信，因为它的故事情节性远远大于它的指导性。这本书的重点似乎完全偏离了核心技能的传授，反而大肆渲染了一种“艺术家的孤独与挣扎”的氛围。每一章的开头都有大段的作者的个人感悟和对创作过程的抒情描写，这些内容对于我学习如何精确地进行多重曝光合成毫无帮助。我最想知道的是，如何处理边缘过渡的细节，如何确保不同光源下的物体色彩一致性，但这本书里关于这些关键技术点的描述，轻描淡写得令人发指。它把“合成”这个技术活描绘成了一种玄妙的、需要灵感才能完成的魔法，而不是一套可以通过练习掌握的工具组合。我跟着它尝试了一个所谓的“无缝天空替换”的例子，结果发现书里使用的合成方法是基于十年前的某个特定软件版本，而且仅仅依赖于作者声称的“直觉判断”，完全没有提供任何量化的参数支持。这本书简直是反教学设计的典范，它试图贩卖一种“氛围”，却遗漏了作为一本技术书籍最核心的价值——可复制的、可靠的操作指南。如果你只是想找一本咖啡桌上的装饰品，也许可以考虑，但若想提升你的技术水平，请绕道。

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