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出版者:Bantam Dell Pub Group

作者:Ames, Lee J./ Fiessel, Creig/ Flessel, Creig

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:1994-8

价格:$ 11.29

装帧:Pap

isbn号码:9780385411943

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 人物
• 素描
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• 艺术
• 漫画
• 绘画技巧
• 初学者
• Draw 50

艺术的轨迹：探索人像绘画的深度与广度 一、 跨越边界：从经典肖像到当代人像的演进 本书旨在为对人像艺术怀有深厚兴趣的学习者和实践者提供一个全面而深入的视角，探讨人像绘画如何在历史的长河中不断演变、吸收新知并最终形成我们今天所见的丰富面貌。我们不会局限于任何单一的绘画技巧或特定流派，而是着眼于如何理解“人”这一永恒的主题在不同时代、不同文化背景下的视觉表达。 第一部分：结构之基——解构人体的科学与艺术 人像的描绘，其根本在于对人体结构的深刻理解。本卷首先将带领读者走进骨骼、肌肉和比例的精微世界。我们讨论的不是简单的解剖图记忆，而是如何将这些科学知识转化为具有生命力的艺术语言。 黄金分割与人类比例的永恒性： 深入探讨从古希腊雕塑到文艺复兴大师作品中反复出现的“理想人像”比例体系。我们将分析这些比例如何影响观者的视觉感受，以及在现代写实主义中，如何有意识地打破或调整这些经典比例以表达特定的情绪或个性。 动态骨架的构建： 重点研究在不同姿态下，人体关节的转动规律，特别是脊柱的S形曲线如何创造出视觉上的张力与流动感。通过大量案例分析，展示如何用简单的几何形体（如椭圆、圆柱体）快速建立起复杂体块的透视关系，这是捕捉瞬间动态的关键。 面部特征的精确测量与情感表达： 脸部是人像的灵魂所在。本部分将细致解析五官（眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵）在不同角度下的透视变化，特别是眼窝和颧骨的结构如何形成复杂的光影层次。更进一步，我们将探讨微表情与面部肌肉运动的关系，学习如何通过细微的嘴角上扬或眼角下垂来传达复杂的情感信息，避免人像画作陷入僵硬的“标准模板”。 第二部分：光影的叙事——理解与驾驭三维空间 绘画是将三维实体转化为二维平面的过程。光线是实现这一转化的魔术师。本章致力于揭示光影在塑造人像体积感和氛围感中的决定性作用。 光源的类型与特性分析： 区分硬光、柔光、散射光以及多光源环境对人像皮肤质感的影响。例如，侧逆光如何突出轮廓和发丝的细节，而顶光如何加深眼窝的阴影，营造戏剧性。 明暗交界线与反光的哲学： 深入探讨“明暗交界线”（Terminator）的微妙处理，以及如何利用“反光”（Reflected Light）来避免阴影部分变得死板和晦暗。我们强调，优秀的阴影不是黑色，而是色彩的减弱和纯度的降低。 材质的表达： 皮肤、毛发、布料，这些不同材质在光线下表现出截然不同的光学属性。我们将通过油画、素描和炭笔等媒介的实例，分析如何运用笔触的粗细、色彩的冷暖变化来暗示皮肤的细腻、头发的蓬松或衣物的厚重感。 第三部分：风格的探索——从写实到表现主义的对话 人像艺术的魅力在于其无限的可能性。本章将带领读者跳出严格的写实范畴，探索艺术家们如何通过风格化的处理来强化其表达的意图。 素描传统的深厚积淀： 回溯文艺复兴时期达芬奇和米开朗基罗的素描练习，分析他们如何通过线条的疏密和力度来构建形体和传达精神力量。学习如何进行“纯粹线条”的训练，以达到对轮廓的绝对掌控。 色彩心理学在人像中的应用： 探讨色彩不仅仅是光线的记录，更是情感的载体。分析印象派画家（如莫奈）在捕捉瞬间色彩变化时的突破，以及后印象派（如梵高）如何利用对比强烈的色彩来表达内在的激情与焦虑。我们将讨论在肖像中应用非自然色彩的原则，以达到超验的艺术效果。 表现主义与抽象的边界： 审视20世纪以来，人像如何被简化、扭曲或重构。通过研究席勒或培根的作品，理解艺术家如何故意破坏完美的比例和细腻的笔触，以更直接、更原始的方式冲击观者的情感系统。这部分旨在鼓励创作者找到属于自己的“表达签名”。 第四部分：过程与沉思——从观察者到创作者的转变 艺术的实践是一个不断反思和修正的过程。本书的最后一部分将聚焦于创作实践的策略和心态。 速写与精细描绘的平衡： 阐述速写（Gesture Drawing）在捕捉生命力方面的不可替代性，以及如何将速写中的能量有效地导入到长时间的精细创作中。我们提供了一套循序渐进的练习方法，帮助学习者提高观察速度和准确性。 模特的沟通与“捕捉灵魂”： 人像的成功往往在于艺术家与模特之间的无声交流。讨论如何在不干涉模特自然状态的前提下，引导或等待那个最能展现其内在个性的瞬间。这涉及到对模特定位、光线设置以及保持自身专注力的技巧。 从“画得像”到“画得好”的飞跃： 总结了艺术家在长期实践中总结出的，关于如何超越技术层面的心法。这包括如何从作品中抽离出来进行客观的自我批评，以及如何处理创作中的挫败感，保持对人像艺术持续探索的热情。 本书不是一套简单的“画50个头部”的步骤指南，而是一部关于视觉感知、结构科学、光影哲学以及艺术史脉络的综合性论述。它要求读者带着批判性的眼光去审视每一幅人像作品，理解其背后的思考和抉择，最终形成自己对“描绘人类存在”的独特艺术理解。阅读并实践本书中的理论，将使读者构建起一个坚实且富有弹性的个人人像创作体系。

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如果说这本书有什么让人意犹未尽的地方，那就是它对于“群体动态与空间关系”的探索略显不足。在学习了如何精准描绘单个、静态或动态的人物之后，我自然希望能将他们自然地融入到一个场景中去，而不是让他们像“剪贴画”一样孤零零地站在那里。书中对“透视对人物形体的影响”的讲解虽然基础到位，但当涉及到多人互动的复杂场景时，比如一个热闹的派对或者一个拥挤的市场，人物之间的遮挡关系、视线引导以及空间深度的营造，内容就相对比较简略了。我希望看到更多关于如何通过改变线条的清晰度、细节的丰富程度来暗示人物在空间中的远近关系。例如，如何通过降低远景人物的轮廓线粗细和细节处理，来自然地制造出景深。当然，这也许已经超出了本书的初衷，它似乎更专注于“个体的人体塑造艺术”，但我个人的阅读体验是，在掌握了“如何画好一个人”之后，下一个自然的需求就是“如何将一群人画得有生命力地置于一个真实的环境中”。总体而言，这是一本非常出色的基础构建工具书，它教会了我如何用最少的笔触捕捉到人物的精髓，但如果能在后续篇章中加入更多关于“群体叙事”和“环境融入”的深度探讨，那它将会是更完美的选择。

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这本书的选材角度非常独特，它并没有局限于传统的“标准”人体结构，而是花了相当大的篇幅去描绘那些在日常生活中常常被忽略的“不完美”或“特定状态”下的人体。比如，如何准确而富有尊严地描绘老年人的皱纹和略微驼背的姿态，又或者是在拥挤的交通工具里，人们为了保持平衡而扭曲身体的瞬间形态。这种对“真实生活”的捕捉，使得书中的每一个案例都充满了烟火气，而不是那种在画室里摆拍出来的、过于完美的模特形象。我尤其喜欢它对“穿着不同类型服装下的人体形态”的分析。你不得不承认，衣服的材质、厚度和剪裁，对人体轮廓的遮盖和重塑是巨大的。作者细致地讲解了厚重的冬衣如何增加人物的体积感和稳定感，而轻薄的夏装如何凸显身体的流畅曲线。这对于我这种经常想画一些有生活场景的作品的画者来说，是极其实用的。它打破了我过去“先画光溜溜的人体再套衣服”的僵硬思维，让我学会了如何在“人体”和“服饰”之间建立动态的相互作用关系。这种从实际应用场景出发的教学逻辑，让学习过程充满了解决实际问题的乐趣。

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说实话，这本书在处理“人物情绪表达”这块的处理，简直是教科书级别的细致入微。很多绘画书往往只教你五官的画法，比如眼睛怎么画出神采，嘴巴怎么表现微笑，但却很少有人会深入到如何通过身体的微小姿态来烘托情绪。这本书的作者显然在这方面下了大功夫。我记得有一章是关于“焦虑与放松”的对比，它用两组非常相似的人物姿势，仅仅通过肩膀的紧张程度、颈部的倾斜角度，甚至是手指的微小弯曲，就将两种截然不同的心理状态表现了出来。这种对“非语言交流”绘画元素的挖掘，极大地拓宽了我的创作思路。以前我画人像，总觉得表情到位了，人物就成功了，现在我意识到，一个人物的“气场”往往是由他的整体姿态决定的。此外，它对光影在人物塑造上的运用也值得称道。它没有采用传统的光影叠加法，而是将光影视为塑造人物性格和环境氛围的工具。比如，在表现一个在聚光灯下的表演者时，它使用的对比度极高、边缘锐利的光影，立刻就营造出一种戏剧张力和聚焦感。这不仅仅是绘画技巧，更是一种视觉叙事能力的培养。读完这部分内容，我再看街上的人流，会不自觉地去分析他们的肢体语言，这已经超越了单纯的绘画学习，变成了一种观察世界的全新视角。

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这本画册，说实话，我刚拿到手的时候，心里是有点犯嘀咕的。封面设计得倒挺简洁，黑白线条勾勒出的那种随性，倒是吸引了我。我本来就对手绘人物有点兴趣，但总觉得市面上那些教人体结构的书籍，要么是过于学术化，充斥着各种复杂的解剖学术语，看得我头昏脑胀；要么就是过于“网红化”，教你画一些千篇一律的卡通形象，缺乏灵魂。我更偏爱那种能够捕捉生活气息和瞬间动态的画作。打开书，第一印象是它的排版非常讲究，留白处理得恰到好处，让你在学习的时候，眼睛不会感到拥挤。作者似乎非常懂得“少即是多”的道理，没有堆砌大量的文字解释，而是主要依靠清晰、分步骤的图示来引导你。我特别欣赏它对“动态捕捉”的强调，它教你的不是如何画一个僵硬的人体模型，而是如何去观察一个人在走路、交谈、大笑时身体各部位的协调和重心转移。比如，它有一页专门讲如何用最简单的线条勾勒出“奔跑中姿态的韵律感”，而不是拘泥于肌肉的准确走向，这一点对我这个初学者来说，简直是醍醐灌顶。它让我明白，绘画的魅力首先在于“神似”而非“形似”，那种一气呵成的感觉，才是真正让画面“活”起来的关键。这种注重感觉和流程的教学方式，极大地降低了我学习的心理门槛，让我敢于拿起笔去尝试，而不是在复杂的理论面前望而却步。

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我必须承认，这本书的“步骤分解”做得极其精妙，它摒弃了那种冗长、枯燥的文字说明，转而采用了一种非常直观的、由简到繁的递进方式。在我以往的经验中，很多教程的第一步就是让你画一个完美的椭圆或方块作为头骨基础，这常常让人在开始前就感到压力山大，生怕第一笔就画错了。而这本书的作者似乎深谙此道，它似乎更推崇一种“自上而下”的骨架定位法。它会先让你用几根长直线确定人物的整体重心和动作轴线，这几根线决定了人物的“精气神”，如果轴线错了，后面再怎么精雕细琢也无济于事。然后，才是在这些轴线上“搭建”出最基本的几何形体——胸腔、骨盆。最让我感到惊喜的是，它在讲解手和脚这种“高难度部位”时，并没有直接跳到复杂的骨骼关节，而是先用最简单的“方块”和“楔形”来表示手掌和脚掌的体积，然后才是在这些体积上进行关节和手指的添加。这种由大局到细节的推进，就像搭积木一样，既有结构感，又留下了足够的修改空间，极大地提升了我的作画效率和信心，让人感觉画人物不再是一件需要耗费数小时才能看到一点成果的苦差事。

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