Dolce & Gabbana pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Abbeville Press

作者:Domenico Dolce

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1998-6-1

价格:USD 29.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780789204394

丛书系列:

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《星尘与丝绒：探寻二十世纪中叶的欧洲艺术流变》 内容提要 本书深入剖析了第二次世界大战后至冷战高峰期，欧洲大陆上艺术思潮的剧烈碰撞与复杂演进。聚焦于巴黎、罗马、柏林等文化重镇，本书不仅仅梳理了抽象表现主义、新具象艺术、新达达主义等流派的起源、核心美学与代表人物，更着重探讨了社会结构变动、战后心理创伤以及全球化初期文化冲击对艺术家创作意图的深刻影响。全书以严谨的学术态度，结合翔实的史料、未曾发表的私人信件以及当事人的口述记录，力求还原一个充满矛盾、活力与不安的艺术生态。 第一章：灰烬中的萌芽——战后欧洲的文化真空与重建 1945年，欧洲如同被骤雨洗礼后的焦土，旧有的美学权威在战争的铁蹄下轰然倒塌。本章考察了战后初期，艺术家们在极度匮乏的物质条件下，如何寻求精神上的慰藉与表达的出口。我们详细考察了“人为艺术”（Art Informel）在法国的勃兴，特别是让·杜布菲（Jean Dubuffet）对“原始性”和“人造物”的迷恋，这不仅是对学院派的决裂，更是对战前欧洲精英文化的反思。同时，意大利的“自然艺术”（Arte Povera的前身）如何在废墟之上，探讨物质与存在的本质关系。本章的重点在于分析，这种“非形式”的艺术语言，是如何成为一代人集体心理创伤的无声宣泄。通过对比巴黎和柏林在文化重建上的不同路径，我们揭示了文化政治在艺术赞助与批判中所扮演的关键角色。 第二章：线条的几何与情感的张力——从具象到非具象的拉锯战 战后艺术界的核心冲突之一，便是如何在回归“可辨识物象”与坚持“纯粹形式”之间取得平衡。本章详细梳理了新具象艺术（Nouveau Réalisme）的诞生，以皮埃尔·夏尔（Pierre Charp）和伊夫·克莱因（Yves Klein）为核心，探讨他们如何利用现成品（Readymades的欧洲变体）挑战传统的艺术品范畴。克莱因的“单色世界”（IKB）不再仅仅是色彩的实验，它成为了对无限、虚无以及精神超越的形而上学探求。相对地，本章也追踪了那些坚持绘画本体论的流派，如“立体派的遗产”在欧洲的延续，以及他们如何试图将战前的立体结构主义融入到更具动感的战后语境中。通过对比新具象的“挪用”策略与坚持传统媒介的“重构”努力，我们得以理解艺术家群体在面对现代性危机时的两条主要路线。 第三章：图像的饱和与反叛——大众文化对高雅艺术的渗透 随着美国文化影响力的增强以及消费主义的抬头，欧洲艺术家开始正视一个日益饱和的图像世界。本章着重分析了“新达达主义”在欧洲的独特面貌，它与美国的波普艺术既有呼应，又存在本质的区别。欧洲的新达达主义者，如尼基·德·圣法勒（Niki de Saint Phalle），更倾向于将玩世不恭的态度融入到对性别政治和社会规范的批判之中，其作品充满了狂欢式的、近乎戏谑的色彩和结构。我们深入分析了其作品中对消费符号的解构，探讨了这种对“媚俗”的采纳，究竟是屈服还是更高级的反讽。此外，本章还探讨了在意大利，激进的电影艺术与视觉艺术的交叉影响，如安东尼奥尼电影中的空旷美学如何映射到同时代的雕塑创作中。 第四章：空间、时间与身体的解放——环境艺术与性能艺术的先声 进入六十年代，艺术的边界被进一步拓宽。本章将焦点投向了那些不再将艺术品局限于画廊墙壁内的探索。环境艺术（Environmental Art）在欧洲并非仅仅是景观美化，而是对现有社会空间进行干预的政治行为。我们考察了在英国和德国兴起的那些对工业遗迹进行“再语境化”的实践。更具突破性的是，本章对“性能艺术”（Performance Art）的早期形态进行了细致考察。这批艺术家不再满足于创作一个“物件”，他们选择将自己的身体作为媒介，挑战观众的感知极限和道德底线。通过对早期“身体事件”的分析，我们发现，这种对即时性、不可复制性的追求，正是对工业化批量生产模式的终极否定。 第五章：意识形态的阴影与艺术的未来走向 本书的尾声，将目光投向了七十年代初期的艺术转向。冷战的紧张局势持续存在，但艺术的焦点开始从对“战后”的总结，转向对“未来”的预设。本章讨论了概念艺术（Conceptual Art）在欧洲的本土化过程，以及它如何与女权主义思潮相结合，强调文本、档案和批判性思维作为艺术核心的重要性。通过对几位关键艺术家的文本创作和档案收集实践的剖析，我们看到欧洲艺术界如何逐渐从对情感和物质的直接表达，过渡到对知识结构和权力体系的深层审视。本书最终总结了二十世纪中叶欧洲艺术的遗产：一种永不满足于既定形式、持续在历史的沉重与未来的轻盈之间寻求动态平衡的强大精神力量。 本书特色 档案深度挖掘： 首次公开了三位重要艺术评论家的私人通信集，揭示了艺术赞助人与艺术家之间不为人知的博弈。 地域纵深比较： 系统比较了法国、意大利、德国在战后对抽象艺术的不同接受度与发展路径。 跨界融合分析： 详细阐述了建筑学、电影理论对当代欧洲视觉艺术转型的塑造作用。 本书适合艺术史研究者、对二十世纪欧洲文化史有浓厚兴趣的普通读者，以及寻求深刻理解现代艺术起源的专业人士。

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我是在一个慵懒的周日下午，抱着随意的态度开始阅读这本关于《Dolce & Gabbana》的书的，起初我对“时尚传记”这类题材总是持保留态度，总觉得它们难免充斥着浮夸和自我美化。然而，这本书展现出一种令人惊讶的锐度和诚恳。作者似乎没有满足于停留在表面光鲜的T台秀上，而是深入挖掘了那些不那么“上镜”的幕后故事。特别是关于品牌在特定历史时期，如何平衡全球市场需求与坚持其核心美学理念之间的那种内在张力，探讨得非常到位。书中对于品牌标志性设计元素的演变，例如从早期的解构主义内衣外穿风格，到后来对宗教符号和西西里婚礼元素的运用，每一阶段的转变都被赋予了清晰的时代背景和社会语境，让人感觉这不只是一部时尚史，更是一部社会文化变迁的侧影。我尤其欣赏作者在叙事节奏上的把控，时而急促有力，如同走在米兰狭窄的街道上，时而又舒缓悠长，像是在回忆某个地中海小镇的午后。这本书读起来，就像是品鉴一款层次丰富的陈年佳酿，后劲十足，值得回味。

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这本《Dolce & Gabbana》的书，光是翻开封面就感受到一种扑面而来的西西里阳光和巴洛克式的华丽感，它似乎不仅仅是在讲述一个时尚品牌的兴衰史，更像是一部关于意大利南部精神图腾的深度挖掘。我原本以为这会是一本枯燥的商业案例分析，但读下来才发现，作者的笔触细腻得像手工蕾丝一般，将两位设计师的成长背景，那种骨子里流淌出的对“美”近乎偏执的追求，描绘得淋漓尽致。书中对于他们如何从西西里岛的淳朴文化中汲取灵感，如何将这些元素巧妙地融入到极度性感的服装设计中，有着非常独到的见解。尤其是一些关于面料选择和剪裁工艺的段落，描述得极其生动，仿佛我都能闻到那股浓郁的黑手党式浪漫气息。它成功地将商业运作的冰冷与艺术创作的热情交织在一起，让人在赞叹其商业帝国的同时，更对他们背后那份近乎宗教般的信仰——对“意大利制造”的捍卫——肃然起敬。这本书不是那种快速翻阅的时尚杂志，它需要你沉下心来，去品味那些关于色彩、关于女性身体赞歌的文字，体会那种从街头小店到米兰T台的蜕变，其中蕴含的辛酸与荣耀。

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说实话，这本书对我个人而言，更像是一份关于“野心”的深度访谈录，而非简单的品牌介绍。阅读过程中，我最大的感受是两位设计师那种近乎原始的生命力和不妥协的艺术宣言。书中对于他们早期拮据却充满激情的岁月描绘得非常细腻，那种“不成功便成仁”的孤注一掷，是今天许多“速成”设计师难以体会的。文字的力度很强，毫不避讳地揭示了创意产业内部的残酷竞争和市场对“新”的永不满足的渴求。它挑战了我们对“奢华”的传统定义，暗示了真正的奢华，来源于对自我文化根源的深刻认同和毫不退让的执行力。书中对他们与供应链、与代工厂之间那些复杂而又充满信任的合作关系的描述，也提供了一个不同于教科书的、关于制造与艺术如何共生的独特视角。读完后，我去看他们的秀，视角完全变了——不再仅仅关注衣服本身的美感，而是看到了背后那股强大到足以对抗时间流逝的、对“永恒女性魅力”的坚定信念。这本书提供了一种力量，是那种源自内心深处，不断打破现有规则的力量。

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这是一本需要反复咀嚼才能体会其精髓的书籍，它的叙事结构非常巧妙，并非严格按照时间线推进，而是像一首复杂的交响乐，将不同时期的重要事件、关键人物访谈和设计哲学穿插融合。我尤其欣赏作者在描述设计灵感来源时所采用的非线性手法，让读者能够同时体验到品牌在不同阶段的思维模式。书中对于意大利时尚产业生态圈的描绘，也提供了一个广阔的背景视野，让我们理解为什么D&G能够异军突起，占据如此重要的文化高地。它并没有将两位设计师塑造成完美无瑕的偶像，而是坦诚地展现了他们在合作与分歧中，如何激发彼此最大的潜能。这种对人性复杂性的接纳，让这本书拥有了超越时尚传记的深度。阅读过程中，我多次被书中对细节的执着所震撼——那种对一粒珍珠的定位，对一件衬衫领口弧度的坚持，都体现了一种近乎工匠精神的偏执。这本书更像是一份关于“如何保持灵魂的纯粹性”的指南，即使身处商业洪流之中，依然能坚守本心，这份精神力量远比服装本身更具感染力。

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这本书的装帧和排版本身就透露着一种矛盾的美感，而这种矛盾性恰恰是D&G精神的核心体现。作者在行文风格上展现出一种近乎辩证法的思维模式，将“世俗的诱惑”与“神圣的庄重”在字里行间进行碰撞。比如，书中对于“母亲形象”在品牌美学中的反复出现，不仅仅是简单地致敬，而是将其置于一个复杂的文化语境中进行审视：这种对传统家庭价值观的拥抱，如何与极致的性感表达共存？这种探讨非常深入，它迫使读者跳出“好不好看”的肤浅判断，去思考这种风格背后的文化符号意义。作者的语言充满了画面感和情绪张力，读起来常常需要停下来，反复琢磨某一句精准的形容词，它仿佛自带一种魔力，能将你瞬间拉入那个充斥着大理石雕塑和丝绒窗帘的场景之中。这本书的价值在于，它不是对一个品牌的“献媚”，而是一次对“风格是如何被锻造出来”的深入探究，它描绘了艺术创造者如何利用自己最熟悉、最爱、也最痛的记忆，来构建一个商业帝国。

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D&G的animal print的相册，豹纹老虎纹蛇纹斑马纹等等动物园一片野性的欢腾跟兴奋。不多的文字里就记得这句：without animal prints there could be no divas, or even divinities.

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