The Parrot in Art

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出版者:Antique Collectors Club Ltd
作者:Verdi, Richard
出品人:
页数:112
译者:
出版时间:2007-2
价格:$ 33.84
装帧:Pap
isbn号码:9781857594768
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 鸟类
  • 艺术史
  • 鹦鹉
  • 绘画
  • 雕塑
  • 象征意义
  • 文化研究
  • 动物艺术
  • 装饰艺术
  • 艺术品鉴赏
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具体描述

Parrots have long been a favourite subject for artists. Ever since Julius Caesar was greeted by a parrot with the words 'Ave Caesar', the bird has been indelibly linked with the Virgin Mary (Ave Maria) and become the subject of innumerable works of art from the 15th to the 17th centuries, including examples by Durer, Schongauer and Rubens. With the Age of Exploration in the 16th and 17th centuries, parrots were imported into western Europe and became the favoured accompaniments of the aristocracy, where their innately human behaviour led to them being depicted as 'stand-ins' for people, especially in scenes mocking or commenting on the follies of human behaviour (Jan Steen's "Allegory of Temperance"). This fascination with parrots as impersonators of people continued into the 19th century, culminating in such Victorian masterpieces as Henry Stacy Marks' "A Select Committee". Concurrently, parrots were seen as symbols of exoticism, East meeting West (Tiepolo's "Woman with a Parrot") and as household pets (Sir Edward Landseer's "Islay, Tilco, a Macaw and Two House Birds"). Underpinning all this is the quest to categorise and better understand parrots as depicted in the work of the natural history illustrators: John Gould, Edward Lear and Elizabeth Butterworth. Published to accompany an exhibition in January 2007 at the Barber Institute of Fine Arts, Birmingham, this beautiful book draws on examples of paintings, drawings and prints from the finest art collections in the world, demonstrating how one of the most beloved of all creatures has succeeded in taking on new identities throughout the ages, whilst never losing its perennial fascination for artists. The artists include: Jan Steen, Frans van Mieris the Elder, Jan Fyt, Sir Joshua Reynolds, Henry Tonks, William Roberts, Sir Edwin Landseer, Albert Eckhout, Edward Murphy, G.B. Tiepolo, Henry Stacy Marks, Jacob Jordaens, Joseph Southall, Jacob Franz van de Merck, Johannes Siegwald Dahl, Durer, Goya, Ferdinand Bauer, Sarah Stone, Edward Lear, and Elizabeth Butterworth.

《城市秘境:现代都市的隐秘生态》 一、本书概述: 《城市秘境:现代都市的隐秘生态》是一部深入探索当代城市肌理下被忽视的自然与人文景观的非虚构作品。本书摒弃了对摩天大楼和玻璃幕墙的传统赞颂,转而将目光投向那些在钢筋水泥的缝隙中顽强生存、悄然演化的生命群落与生活方式。它是一部关于“在场”与“缺席”的地理学考察,探讨了人类活动如何重塑城市环境,以及自然如何在被驯化和改造的过程中,展现出惊人的适应力与韧性。 全书分为五个部分,从微观的生物学现象到宏观的城市规划哲学,层层递进,试图勾勒出一幅我们习以为常却鲜少真正“看见”的城市生态图景。这不是一本生态指南,也不是一本建筑评论,而是一种观察城市的新视角——一种寻找“野性”在“文明”中残留印记的努力。 二、主要内容深度剖析: 第一部分:沥青下的生命线——城市无脊椎动物与植物的生存策略 本部分聚焦于城市中最微小、却也最关键的生命形式。我们将跟随昆虫学家和植物学家,探访城市中最不起眼的角落:人行道裂缝、废弃工厂的墙根、高架桥下的阴影地带。 “缝隙中的演化”: 详细记录了特定种类的蚂蚁、甲虫和蜘蛛,它们如何适应极端温度变化、高频振动以及化学污染。例如,某些苔藓和地衣如何以惊人的速度吸收重金属,并在城市“生物钟”中扮演着净化者的角色。 “入侵与共生”: 分析了外来物种(如某些特定的杂草和节肢动物)在城市环境中的快速扩张机制。重点探讨了这些“入侵者”与本土物种之间复杂的、有时甚至是共生的关系,揭示了城市生物多样性的真实面貌——它不再是传统的自然多样性,而是一种混合、适应性更强的“城市生物群”。 案例研究: 深入剖析了城市公园边缘地带的“边缘效应”,即人类介入强度变化如何直接影响到昆虫种群的密度和行为模式。 第二部分:垂直森林与灰烬之鸟——城市鸟类与哺乳动物的领地重构 这一章节将视野提升到中大型动物层面,考察它们如何在三维的城市结构中重新定义“家园”和“迁徙路线”。 “建筑学的猎物”: 探讨了城市建筑结构对鸟类筑巢行为的影响。从信鸽在历史建筑上的选择,到隼类利用现代高层建筑作为捕猎高台的现象,展示了动物如何将人类的工程学奇迹转化为生存工具。 “夜间的通勤者”: 专门研究了城市中的夜行动物,如狐狸、浣熊和某些蝙蝠物种。通过热成像技术和GPS追踪,本书描绘了它们如何在午夜的街道上,利用地下管道、绿化带和交通的间隙,进行跨区域的资源搜集和社交活动。我们发现,许多动物的“迁徙”已经从季节性转变为对城市光污染和噪音周期的响应。 “光污染的代价”: 细致分析了人工照明对动物导航系统(特别是迁徙中的鸟类和夜间昆虫)造成的致命干扰,以及城市规划者正在尝试的“光污染减缓”措施的实际效果。 第三部分:水下遗迹与隐形水道——城市水文系统的生态印记 城市的发展往往伴随着对河流、湖泊和地下水资源的彻底改造。本部分关注这些被覆盖、被导流、被污染的水体及其生态系统。 “被驯化的河流”: 考察了城市中被水泥渠道化或地下化的河流。通过对沉积物和水生生物的采样,重建了河流在被“驯化”前的生态结构,并评估了当前残存的生态价值。 “雨水花园与蓝绿基础设施”: 重点介绍了新兴的“海绵城市”概念。分析了人工湿地、绿色屋顶和透水铺装在模拟自然水文循环中的潜力与局限,以及它们为两栖动物和水鸟提供的稀缺栖息地。 “地下水域的秘密居民”: 探索了城市地下深处的古老水脉,以及那些适应了黑暗、恒温环境的特有生物群落,这些生命的存在挑战了我们对城市下方世界的认知。 第四部分:人文的残响——城市遗址中的生态过渡带 这一部分转向城市中被遗弃或半遗弃的空间,如废弃的工业区、旧铁路线和未开发的地块,这些地方成为了自然与人类历史交汇的独特实验室。 “棕色地带的重生”: 考察了受污染的工业“棕色地带”如何通过“生态演替”实现自我修复。记录了耐受性强的先锋植物如何首先占据这些区域,并为后续更复杂的生态系统奠定基础的过程。 “铁轨上的生态走廊”: 分析了旧铁路和输电走廊在城市蔓延中意外扮演的“线性公园”角色。这些狭窄但连续的绿带如何连接起被高密度开发割裂的栖息地,成为动物迁移的生命线。 “废墟的叙事”: 探讨了被遗弃的建筑如何被植物和动物重新占领,形成一种“反向建筑”的景象。这些空间不仅是生态现象,也是对城市发展速度和可持续性的一种无声批判。 第五部分:适应性公民——人类与非人类的未来共存哲学 本书的总结部分探讨了如何将这些隐秘的生态观察融入到未来的城市规划与生活方式中,倡导一种更具包容性的城市公民身份。 “重塑城市边界”: 提出了一种“模糊边界”的城市设计理念,即不再将自然视为需要被严格隔离的“他者”,而是接受其作为城市不可分割的组成部分。 “生态素养的培养”: 强调提升居民对身边微小生态的敏感度,认为城市生态的健康依赖于每一个居民对身边细微变化的关注。 “面向不确定性的韧性”: 最终结论指出,城市生态的未来在于其适应不断变化的气候和人类干预的能力。理解并保护那些最顽强、最适应力强的“隐秘物种”,或许才是确保城市长期宜居的关键。 三、本书特色与价值: 《城市秘境》以严谨的田野调查为基础,辅以生动的文学笔触,避免了枯燥的学术论述。它通过对“非显著性”生态的关注,挑战了传统城市景观的审美标准,鼓励读者在日常通勤、散步中重新审视脚下的土地和头顶的天空。本书不仅对城市生态学者、规划师具有重要参考价值,更对所有对我们居住环境抱有好奇心的城市居民,提供了一扇通往更深层理解的窗户。它证明了,即使在最“人造”的环境中,生命依然在以我们难以想象的复杂方式蓬勃发展。

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用户评价

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这本书的广度令人咋舌,它没有遵循传统的按时间顺序或地域划分的窠臼,而是采用了一种主题串联的方式。其中关于“镜子与自省”主题的章节,简直是艺术史的“万花筒”。作者巧妙地将委拉斯开兹的《宫娥》中那面神秘的镜子,与文艺复兴晚期北方画家对室内反光物体的痴迷,乃至现代摄影中对反射媒介的运用联系起来。这种跨越数个世纪、横跨不同流派的对话,展现了作者宏大的视野和极强的联想能力。我特别喜欢作者对细节的执着:在分析《宫娥》时,他不止于讨论镜中人物的身份,而是花费了大量篇幅去推测镜框的材质和镀金工艺,以此来反衬当时西班牙宫廷对细节奢靡的追求。这种层层剥笋式的解读,让你明白,一件艺术品不是孤立存在的,它是特定时代、特定技术、特定社会观念共同作用的产物。读完此书,我感觉自己像经历了一场跨越时空的艺术考古之旅,每一个章节都提供了全新的“解码器”。

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我必须得说,这本书的装帧设计简直是艺术品本身。从纸张的选择到字体排布,都透露出一种低调的奢华和对读者的尊重。但抛开外在的精美,其内容中最让我受益匪浅的部分,是关于哥特式大教堂彩绘玻璃艺术的章节。这部分内容处理得极其细腻,它没有停留在对圣经故事的图解上,而是深入探讨了光线作为“神圣媒介”的象征意义。作者详尽描述了中世纪工匠如何利用不同矿物质来调配出那种既能穿透又能折射的独特色彩,以及这些色彩如何与建筑的拱顶和立柱结构完美融合,营造出一种令人敬畏的“天堂入口”的错觉。书中甚至包含了几张关于彩色玻璃结构工程学的图解,让你明白,那些看似飘渺的光影效果,其实是建立在极其坚实的几何学和物理学基础之上的。读完后,下次我再走进一座古老的教堂,我看到的将不再仅仅是精美的图案,而是一整套精心策划的光学与信仰的综合表达。

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这本书的价值,绝不仅仅在于对“画什么”的描述,它更像是一本关于“如何看”的哲学指南。我尤其欣赏作者对待抽象表现主义的态度,那份克制而深刻的理解,避免了将杰克逊·波洛克的滴画简单归结为“混乱的线条”或“艺术家的情绪发泄”。书中引入了相当篇幅来讨论二战后美国文化心理的真空,以及艺术家如何通过肢体运动(Action Painting)来重新确立个体在巨大历史阴影下的存在感。作者的论证逻辑非常清晰:颜料不再是描绘对象的媒介,而是艺术家自身行动的直接记录。书中详细对比了几位主要艺术家的“作画现场录像”的片段描述,那种强调过程而非结果的视角,彻底颠覆了我过去对抽象艺术的刻板印象。阅读时,我感觉自己被拉进了那个充满松节油气味的画室,不是作为旁观者,而是作为一个无声的见证者,目睹着画布如何成为一场与自我意志的搏斗场。

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老实说,我原本对这种偏向技术分析的书籍是持保留态度的,总觉得它们容易陷入干巴巴的术语泥潭。但这本书的叙事节奏掌握得炉火纯青,它成功地将复杂的绘画技巧融入到流畅的叙事主线中,读起来竟然有点像在追一部悬疑剧。最让我拍案叫绝的是它对十九世纪印象派画作中笔触分离技巧的解读。作者没有满足于简单地指出“他们用了短促的笔触”,而是通过对当时化学颜料发展史的梳理,解释了为什么莫奈非得用那种特定的、快速的堆叠方式才能捕捉到光线在水面上转瞬即逝的特质。书中配的那些高分辨率的局部放大图,简直是艺术史级别的“显微镜观察”,我仿佛能听到画笔刮擦画布的声音。更绝的是,作者还加入了对当时巴黎社会背景的侧写,将画家的创作行为与户外写生运动的兴起紧密挂钩,让你明白,那些看似随意的户外场景,背后是多么严谨的科学实验和一场对传统学院派的无声革命。读完这一部分,我对那些色彩斑斓的田园风光,立刻多了一层敬畏。

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这部厚重的画册一入手,就带着一种油墨和陈年纸张混合的、令人安心的沉香。我最先被吸引的是其中对文艺复兴时期肖像画中光影处理的深入剖析,尤其是对达芬奇和提香作品中“晕染法”的细致描摹,简直像是给我的眼睛做了一次专业级的色彩校准。书中没有过多地谈论那些耳熟能详的宏大叙事,而是将焦点放在了光线如何塑造人物内在情绪的微妙之处。比如,书中有一整章专门探讨了伦勃朗的自画像群,作者旁征博引,将不同时期的自画像进行对比,用近乎病态的精准度去分析他眼中光斑的移动与他内心世界的波动,那种对艺术家心理状态的捕捉,远超了一般的艺术史论述。我记得有一张关于维米尔室内场景的分析,仅仅是窗外射入的几缕光线,作者就用近乎诗意的语言描述了它们如何与室内的深蓝和鹅黄产生共振,让整个画面从二维平面中跳脱出来,拥有了呼吸感。阅读的过程,与其说是学习,不如说是一种与历史对话的沉浸式体验,每一个页面的翻动,都像是打开了一个尘封已久的艺术工坊的秘密入口,充满了对形式、对色彩、对永恒瞬间的虔诚致敬。

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