具体描述
《中国绘画史》将中国绘画史 分为三个大的阶段——上古史，先秦至隋；中古史，唐至元；近世史，明清。作者以极其精练的文字，不仅提纲挈领地阐述了中国绘画史上不同时代、不同地域、不同流派以及一些代表性画家的风格，而且更注重中国画发展历程中内在的渊源关系，正如作者所言：“书与画授受渊源，自古迄今，统纪分明，蔚为大观。
作者简介
陈师曾（1876—1923），又名衡恪，号朽道人、槐堂，生于湖南凤凰，祖籍江西义宁(今修水)。湖南巡抚陈宝箴孙，陈三立(陈散原)长子，陈寅恪之兄。曾留学日本，攻读博物学。归国后从事美术教育工作，1913年到北京，历任北京各大学教授。善诗文、书法，尤长于绘画、篆刻。其山水画注重师法造化，从自然景观中汲取创作灵感；写意花鸟画画风雄厚爽健，富有情趣；人物画以意笔勾描，注重神韵，带有速写和漫画的纪实性；风俗画多描绘底层人物。著有《中国绘画史》、《中国文人画之研究》、《染苍室印存》等。
目录信息
读后感
琴棋诗书画印，文人之游戏也。古之文人，上通天文，下晓地理，为人处事无处不周，诗书画印无一不精。 当代社会，因为科技而带来巨大的物质回报，社会的进步建立在科学技术的基础之上，一个人如果没有认真钻研过科学，是不可能有太高建树的。 如今社会进步之瓶颈，正是专业之划...
评分陈师曾的画作，原作只看过三两幅，可能是在中华艺术宫近代绘画的展览上。印象并不深刻，总体的感觉是中规中矩，严肃，刻画认真，但并不特别打动我，对他更近于“学者”的印象，品性应当是拘谨端肃的。写作这篇书评时，为了对此人有些文字之外的亲近，我去看了他的两本小画册。...
评分徐的《中国绘画艺术史》偏重专题讨论，更加细致，具体到如“青藤”“四王”等名家的个人专题，可以了解得更详细。缺点是全书黑白卷，无彩图。
评分画之为何物，性灵也。我国古代绘画艺术，早在五千多年前的仰韶文化时期就已出现。夏商周时期，古代绘画艺术主要表现在青铜、骨、玉器的花纹装饰上, 间或也见之于南方楚地的漆器、帛画上。 中国绘画拥有辉煌的历史和神韵。理解中国绘画的关键在于其作者用以表达的书法性线条，...
评分琴棋诗书画印，文人之游戏也。古之文人，上通天文，下晓地理，为人处事无处不周，诗书画印无一不精。 当代社会，因为科技而带来巨大的物质回报，社会的进步建立在科学技术的基础之上，一个人如果没有认真钻研过科学，是不可能有太高建树的。 如今社会进步之瓶颈，正是专业之划...
用户评价
这本书的阅读体验，对我来说，更像是一场穿越时空的艺术对话。我尤其喜欢作者处理不同流派和风格的部分。他没有把它们当作孤立的现象来介绍，而是非常巧妙地展现了它们之间的传承与演变，甚至是相互之间的借鉴与冲突。比如，在讲述文人画兴起时，他会回溯到 earlier 时的写意倾向，然后分析文人画如何突破了宫廷画的程式化，更加注重抒发个人情感和意趣。他还会对比不同文人画家的风格，比如苏轼的率意，赵孟頫的精工，元四家的洒脱，让我看到了同一种艺术理念下，多种多样的表现形式。而当我读到明清时期，那种更加世俗化、生活化的绘画风格时，我又会惊叹于艺术的生命力。特别是那些表现市井风情、戏剧场景的作品，仿佛一下子就把我拉回了那个喧嚣热闹的时代，让我感受到了那个时代人们的喜怒哀乐。作者在描述这些作品时，语言非常生动，他会用一些形象的比喻来形容笔触的轻重缓急，色彩的浓淡枯润，仿佛我亲眼看到了画家挥毫泼墨的样子。而且，他不仅仅关注“画”本身，还会深入到“画”背后的社会经济状况，比如商品经济的发展如何催生了市民阶层的兴起，进而影响了绘画的题材和风格。这种跨学科的解读，让这本书的层次更加丰富，也让我从更广阔的视角去理解中国绘画的发展轨迹。我常常在读完一段之后，会停下来，想象一下那些古代画师们的生活场景，感受他们创作时的心境。
评分读这本书，最大的感受就是“意料之外，情理之中”。我原本以为“中国绘画史”会是一本非常学术、枯燥的书，但实际上，作者的文字却充满了生活气息和人情味。他并没有用很多艰涩的术语，而是用一种非常平易近人的方式，把我带入到中国绘画的千年长河中。我尤其喜欢他对不同地域、不同民族绘画风格的介绍。他会分析江南画派的婉约细腻，北派山水的气势磅礴，以及边疆民族绘画的粗犷奔放，让我看到了中国绘画的多元性和包容性。他还会介绍一些鲜为人知的画师和画派，让我大开眼界。比如，他会在讲到某个朝代时，穿插一些关于当时文人雅士的绘画活动，描述他们如何以画会友，如何将绘画作为一种生活方式，这让我觉得，绘画在中国古代，不仅仅是职业画师的事情，更是文人士大夫生活中不可或缺的一部分。而且，他还会关注一些绘画技法的演变，比如从线条到皴法的出现，色彩的运用如何从浓烈走向淡雅，这些细节的分析，让我对绘画的创作过程有了更深的理解。这本书让我明白，中国绘画不仅仅是“看”的艺术，更是“悟”的艺术，它需要你用心去体会，去感受。
评分这本书的阅读过程，对我来说，更像是一场精神的洗礼。我原本以为，绘画史会是关于技法和风格的堆砌，但这本书却向我展现了中国绘画背后深邃的哲学思想和人文关怀。作者在解读每一幅画作时，都会深入挖掘其背后的文化意蕴，让我明白，中国绘画不仅仅是对“形”的描摹，更是对“神”的追求，是对宇宙人生的一种理解和表达。比如，在讲到宋代山水画时，他会强调那种“天人合一”的哲学思想，画家如何通过描绘壮丽的山河，来表达人与自然的和谐统一。又比如，在讲到元代文人画时，他会分析那种“士人情怀”，以及画家如何通过绘画来表达自己的理想和抱负。这本书让我看到了，中国绘画与中国哲学、文学、历史是多么地密不可分。作者在叙述时，非常注重细节，他会引用很多古代文献中的记载，来佐证自己的观点，这让我对书中的内容更加信服。而且，他也会用一些非常形象的比喻，来解释复杂的绘画理论，比如，他会把笔墨比作人的筋骨，把色彩比作人的肌肤，这种通俗易懂的说法，让我更容易理解。
评分这本书的阅读体验，可以用“意犹未尽”来形容。尽管篇幅不小，但作者的文字却非常有吸引力，让我常常一口气读上好几章。他不仅仅是在介绍绘画作品，更是在讲述中国人的精神世界和文化传承。我尤其喜欢他分析那些反映民俗风情的绘画作品，比如表现节日庆典、市井生活、戏剧表演的画作，这些作品仿佛把我带回了那个遥远的时代，让我感受到了那个时代人们的喜怒哀乐。他又会把这些绘画作品与当时的社会经济状况、文化习俗联系起来，让我明白，绘画从来都不是孤立的存在，而是深深地植根于社会现实之中。我记得有一段，作者在讲到清代一些宫廷画师的作品时，会分析他们如何将西方的透视法和写实技巧融入中国画，这让我看到了中国绘画在吸收外来文化方面所表现出的开放性和创造性。而且，他还会关注到一些绘画作品的“技法”之外的东西，比如，他会分析画家的“气韵”和“意境”，让我明白，中国绘画的最高境界，在于“神似”而非“形似”。这本书让我对中国绘画的理解，不再停留在表面，而是深入到了其内在的精神层面。
评分这本书对我最大的启发，在于它让我重新认识了“美”的定义。我以前总觉得，美就是某种固定的标准，而这本书则让我看到了中国绘画审美的多元性和发展性。作者并没有简单地告诉我们什么才是“美”，而是通过展示不同时期、不同流派的绘画作品，让我们自己去体会和感悟。比如，他会展示唐代绘画的雄浑大气，宋代绘画的细腻雅致，元代绘画的率意洒脱，明清绘画的繁复精巧，让我看到了中国审美的丰富性和层次感。我尤其喜欢他分析那些表现女性形象的作品，从唐代的丰腴自信，到宋代的内敛含蓄，再到后来的工笔精细，让我看到了不同时代女性地位和审美观念的变化。作者在叙述时，非常客观，他会分析各种绘画风格的优缺点，以及它们在历史上的地位，让我对中国绘画的发展有了更全面的认识。而且，他还会关注到一些绘画作品的社会功能，比如，有些画作是作为礼品赠送，有些是作为装饰品，有些是作为教育工具，这让我看到了绘画与社会生活的紧密联系。
评分老实说，我一开始是被这本书的书名吸引了，总觉得“中国绘画史”听起来就很有分量，而且封面设计也相当古朴典雅。拿到书后，我首先是被它的装帧所打动，纸张的质感很好，图片印刷也相当清晰，这对于一本关于艺术的书来说，是非常重要的。然后我开始阅读，发现作者的叙事方式非常吸引人。他不会一开始就抛出大量理论，而是从一些引人入胜的故事和趣闻开始。比如，他会讲述一些古代画师的轶事，或者某个画派的起源故事，这些都像一个个小小的引子，把我牢牢地抓在手里，让我迫不及待地想知道接下来会发生什么。当他开始介绍具体的画作时，他不仅仅是描述画面，更重要的是解读画面背后的故事和文化内涵。他会解释为什么这幅画会被认为是杰作，它在当时起到了什么样的作用，又对后世产生了怎样的影响。我特别喜欢他分析人物画的部分，他会从人物的表情、姿态、服饰，去解读画家的意图，以及那个时代的人物风貌。比如，在讲到顾恺之的时候，他会分析《洛神赋图》中人物的飘逸与忧伤，仿佛能听到那段凄美的爱情故事。在介绍山水画的时候，他也会强调中国山水画的“意境”，而不仅仅是写实。他会告诉我，那些山水画不仅仅是对自然景色的描摹，更是画家心灵的寄托和精神的升华。我感觉，作者是用一种非常人性化的方式，在讲述这段漫长的艺术史，让我感觉非常亲切，一点也不觉得遥远。
评分这本书给我的感觉，就像是在一本厚重的史书中，寻找到了一条充满艺术气息的河流，它蜿蜒流淌，滋养着中华文明。作者的写作手法非常灵活，有时候像一位严谨的历史学家，考证每一个年代的细节；有时候又像一位充满激情的艺术家，用诗意的语言去描绘那些流传千古的画作。我特别喜欢他描述不同时期人物画发展时，那种对人物内心世界的挖掘。比如，他会分析唐代仕女画的丰腴与雍容，宋代人物画的内敛与细腻，元代人物画的疏淡与写意，仿佛能通过这些人物的形象，窥探到那个时代人们的生活方式和审美趣味。他又会把这些绘画风格的演变，与当时的社会变迁、阶级关系结合起来，让我明白，艺术从来都不是脱离现实的，而是深深地根植于社会土壤之中的。我记得有一段，作者在讲到明清时期程式化倾向的绘画时，并没有一味地批评，而是分析了其产生的原因，比如市场经济的影响，学院派的形成等等，让我对艺术的发展有了更辩证的认识。这本书让我意识到，中国绘画的发展，并非一条直线，而是充满了曲折和反复，但无论如何，那种对东方审美的坚持，那种对精神世界的追求，始终贯穿其中。
评分这本书最让我印象深刻的是，它展现了中国绘画“形而上”的一面。我以前总以为，绘画就是画得像，技巧越精湛越好。但读了这本书之后，我才明白，中国绘画的精髓，很多时候在于“气韵生动”，在于“神似”。作者会花很大的篇幅来讲解“意境”这个概念，以及画家如何在笔墨间融入自己的情感和哲学思考。比如，在谈到水墨画的时候，他不仅仅是分析墨色的浓淡干湿，更重要的是去体会那份留白所带来的想象空间，以及水墨本身所蕴含的那种东方哲学里的“空”与“无”。当我读到关于宋代山水画的部分，比如范宽的《溪山行旅图》，作者并没有停留在对山峦叠嶂、云雾缭绕的简单描绘，而是深入分析了画家如何通过构图和笔触，营造出那种壮丽、雄浑、又带着一丝渺远孤寂的意境，让我感受到一种宇宙的宏大和个人的渺小。他又会把这种意境与当时的哲学思潮联系起来，让我明白，这些画作并非孤立的存在，而是那个时代中国人精神世界的一种体现。我尤其喜欢作者在分析一些文人画作品时，那种对画家个人品格和情趣的关注。他会告诉你，为什么某些画家宁愿清贫，也要坚持自己的艺术追求，这让我觉得，中国绘画不仅仅是技巧的展现，更是人格的修炼和精神的寄托。
评分这本书的结构安排非常清晰，逻辑性很强，但又不会让人觉得死板。作者会围绕着几个大的主题，比如“师造化”、“抒情写意”、“笔墨精神”等等，来展开叙述。在讲到“师造化”时，他会分析历代画家如何从自然中汲取灵感，如何通过写生来捕捉自然的形态和神韵。他会举例说，唐代张僧繇如何观察飞鸟，宋代郭熙如何描绘山林，这些生动的例子，让我感受到画家与自然的亲密关系。而在讲到“抒情写意”时，他又会强调画家如何将自己的情感和哲学思考融入画作，使得画面不仅仅是对景物的描摹，更是心境的表达。我尤其喜欢他对水墨花鸟画的解读，他会告诉我，那些看似简单的几笔，是如何蕴含着生命的活力和诗意的哲理。比如，写意的梅花，不仅仅是一朵花，更是象征着坚韧不拔的精神；而写意的兰花，则代表着高洁的品格。这本书让我明白，中国绘画的写意，并非“随意”，而是“写心”，是对自然和生命的深刻理解与感悟。作者的文字，时而如行云流水，时而如山峦巍峨，变化万千，也让我感受到了中国文字本身的魅力。
评分《中国绘画史》这本书，我拿到手的时候，心里是既期待又有点忐忑的。期待是因为一直对中国传统艺术有着深厚的好感，总觉得那里蕴藏着无尽的东方智慧和审美情趣；而忐忑，则是因为“史”这个字，总让我觉得会是一堆枯燥的年代、流派、人物的堆砌，读起来会不会像在啃一本厚重的教科书？然而，翻开第一页，我便被作者的文字吸引住了。他并没有上来就给我列举某个朝代的某个画家，而是从非常宏观的角度，将中国绘画置于中国整个文化的大背景下去解读。比如，他会谈到早期绘画与祭祀、巫术的关联，这种视角一下子就打开了我对绘画起源的认知，让我明白，艺术并非凭空产生，而是与社会生活、精神信仰紧密相连。接着，他会细致地剖析不同时期绘画所体现出的哲学思想，比如魏晋南北朝时期对“神韵”的追求，宋代对“理”的推崇，元代文人画的独立精神等等。读到这些，我仿佛能看到那些古老的思想如何一点点渗透到笔墨之中，最终化为一幅幅动人心魄的山水、人物、花鸟。作者在举例时，也并非简单地罗列画作，而是会深入分析一两幅代表性的作品，从构图、用笔、设色，乃至于画家的人生经历和创作心境，都进行了详尽的阐述。这种“以点带面”的解读方式，让我对抽象的绘画理论有了更直观的理解。比如，在讲到唐代阎立本的《步辇图》时，他不仅分析了画面的叙事性、人物的刻画，更结合了当时的政治背景，解释了为何这幅画具有如此重要的历史意义。总而言之，这本书没有让我感到枯燥，反而像一位循循善诱的老师，带领我一步步走进中国绘画那博大精深的殿堂，让我对“中国风”有了更深刻的体悟。
评分内容略显概括，于画的描写评论较少
评分文字不错，可惜没有配图，熟悉的画家大抵知道，不熟悉的还是没有留下太深的印象，读得有点囫囵
评分内容略显概括，于画的描写评论较少
评分文字不错，可惜没有配图，熟悉的画家大抵知道，不熟悉的还是没有留下太深的印象，读得有点囫囵
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