The Classical Theatre of China pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Dover Pubns

作者:A. C. Scott

出品人:

页数:260

译者:

出版时间:2001-5

价格:$ 12.95

装帧:Pap

isbn号码:9780486415796

丛书系列:

图书标签:

• 文化研究
• 历史
• 中国古典戏剧
• 戏剧史
• 中国文学
• 戏曲
• 传统文化
• 舞台艺术
• 表演艺术
• 文化研究
• 历史
• 艺术

《东方舞台的千年回响》 本书是一部深入探索中国古典戏剧艺术的百科全书式著作。它并非简单罗列剧目或人物，而是从更广阔的历史、文化、哲学及美学视角，勾勒出中国古典戏剧的演进脉络、独特魅力及其在东方艺术体系中的重要地位。 第一部分：孕育与萌芽——从远古祭祀到雏形初现 中国古典戏剧的根源可以追溯至遥远的远古时代。本书将首先剖析先秦时期各种原始的歌舞、祭祀仪式以及民间故事在戏剧雏形形成过程中的作用。从巫觋的歌舞表演，到民间流传的叙事歌谣，再到诸子百家著作中闪现的戏剧性片段，我们将看到戏剧的种子是如何在中华大地上悄然播撒。这一时期，尽管尚未形成成熟的戏剧表演体系，但其朴素的叙事性、程式化的动作以及与宗教、政治生活的紧密联系，已经为后来的发展奠定了基础。我们将考察《山海经》中奇幻的神话故事，以及《诗经》中富有感染力的民歌，探讨它们如何为后世戏剧创作提供了丰富的素材和情感表达的可能性。 第二部分：百花齐放——宋元戏剧的黄金时代 宋元时期是中国古典戏剧发展的第一个高峰。本书将详尽论述宋代的“杂剧”和“南戏”，以及元代“元杂剧”的辉煌成就。我们将深入分析这些剧种的表演形式、音乐特点、人物塑造以及剧本结构。重点将放在元杂剧的代表性剧作家，如关汉卿、王实甫、白朴、马致远等，及其不朽名作，如《窦娥冤》、《西厢记》、《墙头马上》、《汉宫秋》等。本书将不仅仅是介绍这些剧目，更会探讨其产生的社会历史背景，如商品经济的繁荣、市民阶层的崛起，以及这些因素如何促进了戏剧的世俗化和大众化。我们将分析元杂剧在语言、情节、人物性格刻画上的创新，以及它们所蕴含的深刻思想内涵，例如对社会不公的批判、对真挚情感的歌颂、对人生哲理的探索等。此外，本书还将触及当时的戏曲理论，如《录鬼簿》、《戏文辨》等，展现这一时期对戏剧艺术的思考和总结。 第三部分：雅俗共赏——明清戏剧的传承与演变 明清时期，以昆曲为代表的“传奇”登上了历史舞台，并达到了极高的艺术水准。本书将详细阐述昆曲的音乐唱腔、表演程式、舞台装置以及其精致典雅的艺术风格。我们将重点介绍汤显祖的“临川四梦”，如《牡丹亭》、《紫钗记》等，以及吴梅鼎、孔尚任、洪昇等剧作家的重要作品，探讨明清传奇在情节构思、人物塑造、语言艺术等方面的成就与特色。同时，本书也不会忽略这一时期逐渐兴起并发展壮大的地方戏曲，如徽剧、京剧、越剧等，它们在继承传统的基础上，吸收融合了不同地域的文化元素，形成了各具特色的表演风格和声腔体系。我们将分析这些地方戏曲如何走向成熟，以及它们最终如何为近代京剧的形成奠定基础。本书将深入研究明清时期戏剧的社会功能，例如其在士大夫阶层中的传播，以及在民间节庆中的重要作用。 第四部分：舞台之外——中国古典戏剧的文化意蕴 除了对具体剧种和剧目的剖析，本书还将深入探讨中国古典戏剧的深层文化意蕴。我们将考察戏剧在儒家、道家、佛家思想影响下的表现，以及戏剧如何成为传递道德观念、哲学思想、历史故事的载体。本书将分析中国古典戏剧独特的表演程式，如唱、念、做、打的完美结合，以及其高度写意化的舞台表现手法，如象征性的道具、简约的布景、脸谱化的妆容等，探讨这些艺术手段如何超越写实，直达观众的内心，引发共鸣。我们还将研究戏曲中的美学原则，如“意境”、“气韵”、“神形兼备”等，并将其置于中国传统美学的宏大框架下进行解读。此外，本书还将探讨中国古典戏剧在社会生活中的地位，从宫廷庆典到市井娱乐，从文人雅集到民间庙会，戏剧始终扮演着重要的角色。 第五部分：流传与影响——古典戏剧的时代回响 最后，本书将审视中国古典戏剧在中国乃至世界范围内的影响。我们将探讨古典戏剧如何随着历史的进程而演变，以及其在现代社会的传承与创新。我们将关注古典戏剧对中国现代文学、绘画、音乐、电影等艺术形式产生的深远影响，以及它如何在当代舞台上焕发新的生命力。本书还将简要介绍中国古典戏剧在国际上的传播和接受情况，以及它如何作为中华文化的重要组成部分，为世界文明贡献独特的光彩。 《东方舞台的千年回响》旨在为读者提供一个全面、深入、富有洞见的中国古典戏剧研究视角，带领读者穿越时空，感受东方舞台上那永恒的艺术魅力与深刻的人文关怀。这是一次关于中国古典戏剧艺术的深度对话，也是一次对中华民族文化精神的虔诚探寻。

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这部著作的叙述视角极其独特，它仿佛带领读者进入了一个由光影、丝绸和历史尘埃构筑的舞台，然而，它并未深入探讨我们熟知的那些东方戏剧的精髓。作者花费了大量的篇幅去描绘一个宏大却虚无的“古典剧场”概念，试图从西方现代主义的框架去解构一种完全不属于其语境的艺术形式。书中的文字堆砌着晦涩的哲学词汇，比如“本体论的缺失”、“符号学的反向投射”，读起来像是在阅读一篇跨学科的学术论文，而非一本关于戏剧的书。你会期望读到关于京剧脸谱的象征意义，或昆曲水袖的古典美学，但通篇却充斥着对某种“形而上学结构”的空洞探讨。它更像是一份关于“我们如何看待他者的戏剧”的元评论，而非对“他者的戏剧本身”的深入考察。这种抽离感让人困惑，仿佛作者在舞台的侧幕，用一把尺子衡量着舞台上的每一个动作，却从未真正走进聚光灯下感受那份热烈或哀婉。对于期待了解中国古典戏曲具体表演技艺、剧目源流或者服装体系的读者来说，这本书无疑提供了一个高冷且令人望而却步的视角，它更像是一份精致的“理论框架演示”，而非对实践艺术的忠实记录。

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令人费解的是，这本书似乎对“音乐”和“表演”这两个构成中国古典戏剧核心的两大要素采取了一种近乎轻视的态度。它更侧重于对“文本结构”和“空间布局”的讨论，仿佛戏曲仅仅是一种文学体裁的变体。书中对于板式、腔调、五音唱法，乃至锣鼓点子与角色情绪的对应关系几乎只字不提，这些本应是中国戏剧的灵魂所在。与之相对，作者却花费了大量的篇幅去分析舞台道具的几何排列，或者探讨观众在不同历史阶段的“观看距离”是如何影响剧场体验的。这种偏科式的研究，使得全书的重心严重失衡。一个研究中国古典戏剧的人，却对构成其生命力的声腔艺术表现得如此陌生，这本身就是一个巨大的遗憾。它给人的观感是，作者研究的可能是一个“被理论建构的中国古典剧场模型”，而不是那个在民间流传、在宫廷上演的、有血有肉的活态艺术。

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我一直以为能出版一本题为《中国古典戏剧》的书，必然会有一份详尽的资料汇编，包含大量的剧本节选、角色分析或者至少是演出传统的分支流派介绍。然而，这本书的结构更像是某种欧洲先锋派的实验文本。它回避了对具体剧目的细致阐释，例如《牡丹亭》中杜丽娘的梦境是如何通过唱腔和身段得以完美呈现，或者《霸王别姬》中项羽与虞姬在艺术处理上的悲怆差异。相反，作者似乎热衷于构建一系列抽象的分类图表和时间线，这些图表试图将中国戏剧的脉络强行塞入某种预设的、线性的西方历史进程中。这种“硬塞”的结果是，许多具有高度地域性和口传性质的艺术细节被完全忽略了，比如地方戏曲的俚俗趣味、不同声腔之间的细微差别，甚至是民间仪式与剧场艺术的融合点。它给人的感觉是，作者掌握了大量的西方戏剧史知识，并试图用这些知识来“解释”东方艺术，但这种解释最终流于表面，缺乏扎根于文化土壤的洞察力。读完之后，我脑海中浮现的不是舞台上的华美景象，而是一张张复杂的、缺乏注脚的思维导图。

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通篇读下来，我产生了一种强烈的错位感——这本书仿佛写给一个对中国文化一无所知，但对后结构主义理论了如指掌的西方学者。它在不断地试图“翻译”中国古典戏剧的元素，但这种翻译过程充满了损失。书中的章节标题充满了令人望而生畏的术语，例如“叙事断裂的可能性”或者“角色身份的流变性”，但这些宏大的理论议题并没有切实地落地到具体的戏曲实例中去加以印证。你读不出剧作家是如何在有限的篇幅内完成复杂的人物刻画，也无法理解演员是如何通过极简的动作来传达千年情感的复杂性。这本书更像是一种自我指涉的智力游戏，它精心构建了一个理论迷宫，邀请读者在其中徘徊，但始终没有提供一张清晰的地图，来指引我们找到那个真正蕴含着艺术力量的古典殿堂的入口。它更像是一份关于“如何构建一个戏剧理论”的样本，而不是对“中国古典戏剧”本身的深入探索。

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这本书的语言风格异常的干燥且充满学究气，如同在阅读一份被时间尘封的档案。它采用了大量的第一人称叙事，但这种叙述并非是分享亲身体验，而是不断地向读者阐述作者构建的理论体系的“正确性”。例如，作者在谈论戏曲的“程式化”时，并没有通过具体的动作来佐证，而是反复强调程式如何服务于某种“绝对的审美秩序”。对于习惯了生动描述的戏剧爱好者而言，这种阅读体验无疑是煎熬的。你渴望听到鼓板的急促，看到水袖的翻飞，闻到戏台上的脂粉气，但你得到的只是对“程式”的僵硬定义。书中引用的资料似乎也大多来自二手或三手的翻译文本，缺乏对原始戏曲文献的直接接触和体悟。这使得整本书缺乏一种“在场感”。它试图描绘一个辉煌的古代剧场，但文字本身却充满了现代学术的隔阂和距离感，完全没有将读者拉入那个历史场景的魔力之中。

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老外写中国的书，只要作者态度真诚，就没有“隔靴搔痒”之感，反而会有很多意想不到的收获。再加上对自己国家的文化处于“知其然不知其所以然”或“灯下黑”的状态，往往有很多盲点。外人全新的眼光和角度，常常有醍醐灌顶之效。喜欢。他的另一本关于京剧的书也不错，可惜买不到。

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