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出版者:McGraw-Hill College

作者:Charlton, Katherine

出品人:

页数:124

译者:

出版时间:

价格:66.05

装帧:Pap

isbn号码:9780072495553

丛书系列:

图书标签:

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《摇滚乐风潮：风格演进与文化印记》 《摇滚乐风潮》并非一本简单的摇滚乐风格介绍合集，它更像是一场深入探寻摇滚乐发展脉络的旅程，一次对塑造了无数灵魂的音乐现象的深度剖析。本书将引领读者跨越数十年的时光，从摇滚乐最初的泥土芬芳，到如今繁花似锦的多元光谱，审视其风格的演进、内在的联系以及如何在更广阔的文化土壤中生根发芽。 起源的火焰：节奏蓝调与乡村音乐的交融 本书的开篇，我们将回到摇滚乐诞生的混沌年代。这里没有现成的“风格”标签，只有来自布鲁斯、节奏蓝调（R&B）和乡村音乐等不同源头的炽热碰撞。我们将考察那些早期将黑人音乐的原始能量与白人乡村音乐的叙事传统巧妙融合的先驱者们。他们如何打破界限，用充满感染力的节奏和坦率的情感，点燃了这场革命的火种？这里不仅仅是音乐元素的简单叠加，更是社会文化变迁下，青年亚文化崛起的前奏。我们会深入分析早期摇滚音乐中蕴含的叛逆精神、对主流的反抗姿态，以及它如何成为一种表达自我、挑战权威的崭新语言。 黄金年代的百花齐放：从硬摇滚到朋克 随着摇滚乐的传播和发展，其内部的裂变与融合愈发显著。《摇滚乐风潮》将重点描绘那些塑造了摇滚乐经典面貌的关键时期。硬摇滚（Hard Rock）以其强劲的吉他Riff、饱满的鼓点和高亢的嗓音，成为了力量与激情的代名词。我们会探究Led Zeppelin、Deep Purple等乐队是如何在沉重的音墙中注入史诗般的叙事，以及Black Sabbath如何开创了黑暗、阴郁的重金属先河，为后来的金属乐种埋下了伏笔。 与此同时，另一股截然不同的力量在暗流涌动——朋克摇滚（Punk Rock）。它以简陋的编曲、粗糙的音质和直接尖锐的歌词，对摇滚乐的“艺术化”倾向发起了猛烈抨击。Sex Pistols、The Clash等乐队的出现，不仅仅是音乐上的革新，更是一种生活态度和政治立场的宣言。本书将深入剖析朋克音乐的DIY精神，它如何唤醒了无数对现状不满的年轻人，并以一种近乎原始的生命力，对整个音乐产业和社会产生了深远影响。 多元的探索：新浪潮、另类与独立 摇滚乐的发展从未停滞，它像一块不断伸展的画布，容纳着各种新奇的色彩。新浪潮（New Wave）的出现，标志着摇滚乐开始拥抱电子音乐的元素，融合了更具实验性的音效和更具舞曲感的节奏。Talking Heads、Blondie等乐队的音乐，展现了一种更为精致、时髦的都市气息。 而“另类摇滚”（Alternative Rock）的兴起，则标志着一种对主流音乐商业化运作的反叛和对个性表达的回归。R.E.M.、Pixies等乐队，以其独特的旋律、深邃的歌词和不落俗套的音乐风格，成为了地下音乐的杰出代表。本书将追溯另类摇滚如何逐渐走向主流，并催生了如Nirvana等乐队的巨大成功，彻底改变了音乐产业的版图。 独立音乐（Indie Rock）作为另类摇滚的延伸，更强调音乐创作的独立性和自主性。我们将探讨在独立厂牌和DIY精神的驱动下，无数小型乐队如何用最纯粹的热情，构建起了一个充满活力的音乐生态系统。 地域的印记与文化的交融 摇滚乐的风格演进并非孤立的现象，它与地域文化、社会思潮紧密相连。《摇滚乐风潮》也将关注摇滚乐在不同地域的独特发展轨迹。从美国的南方摇滚（Southern Rock）到英国的英伦摇滚（Britpop），再到斯堪的纳维亚的黑金属（Black Metal）和日本的视觉系（Visual Kei），我们会探讨这些地域性的音乐风格是如何在根植于当地文化土壤的同时，又吸收了全球摇滚的养分，形成独树一帜的艺术表达。 本书还将关注摇滚乐与其他艺术形式的对话，例如电影、文学、时尚和视觉艺术。摇滚乐的歌词往往蕴含着深刻的文学性，其视觉形象也深刻影响着当代设计和潮流文化。我们将在书中描绘这些跨界合作如何丰富了摇滚乐的内涵，使其成为一种全面的文化现象。 摇滚乐的精神遗产：反叛、真实与社群 《摇滚乐风潮》的核心，是理解摇滚乐所代表的持久精神。它不仅仅关乎音符与旋律，更关乎一种态度：对真实的追求，对不公的质疑，对自由的渴望。摇滚乐常常是社会变革的催化剂，是边缘群体的发声筒，是抵抗同质化浪潮的坚实堡垒。 本书将通过对不同时期、不同风格的摇滚乐的剖析，揭示其内在的共通之处：对技术限制的突破，对情感表达的极致追求，以及对听众社群的凝聚力。从早期音乐节上的狂欢，到如今遍布全球的摇滚俱乐部和音乐节，摇滚乐始终在构建着一种归属感和身份认同。 《摇滚乐风潮》是一次关于音乐、文化与社会变迁的宏大叙事。它不是对摇滚乐风格的简单罗列，而是一场对摇滚乐生命力的探究，是对其不朽精神的致敬。无论你是资深乐迷，还是初次接触摇滚乐的听众，本书都将为你提供一个全新的视角，去理解这场席卷全球的音乐风暴，以及它留下的深刻文化印记。

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这本书的结构混乱得令人发指，仿佛作者是随意地从不同的音乐评论文件夹里抽取片段拼凑而成。它在时间线上跳跃得毫无逻辑可言，一会儿是六十年代的迷幻，下一页可能就跳到了二十一世纪初的数字摇滚（Digital Rock），中间缺少必要的过渡和背景铺垫。我尤其对它处理“地域风格”的方式感到不满。例如，当提到美国西海岸的冲浪摇滚（Surf Rock）时，我期望能看到对李欧·芬斯（Dick Dale）那种标志性颤音和混响效果的详细分析，这些正是定义该风格的听觉特征。然而，书中对这些特征的描述极其简略，而花费大量空间去描述加州沙滩的阳光、冲浪板的颜色，以及乐队成员的着装风格——这些固然是文化背景，但它们并不能构成“音乐风格”的核心要素。摇滚乐的风格，是听觉上的识别码，是音阶、节奏、和声进行和音色处理的综合体现。这本书似乎认为只要描述了乐队的穿着和他们常去的场地，就等于解释了他们的音乐风格，这种对音乐本体的漠视，使得整本书变成了一部浮光掠影的文化速写集，对于真正想深入学习摇滚乐演变轨迹的读者来说，简直是一种浪费时间。

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从装帧和排版来看，这本书试图营造一种严肃、学术的氛围，但内容上的空洞感是无法掩盖的。我的主要不满在于它对“风格”一词的定义过于狭隘，或者说，过于随意。例如，当讨论到“垃圾摇滚”（Grunge）时，我期待看到对涅槃（Nirvana）和珍珠果酱（Pearl Jam）在打破传统流行结构方面的具体音乐技术分析，比如他们如何运用失真效果器，或者主唱的旋律线是如何故意保持在“未完成”的状态。然而，这本书只是简单地将“垃圾摇滚”定义为“西雅图青年的沮丧的表达”，然后迅速转向了对电子乐采样技术在后现代音乐中的应用，这个跳跃幅度之大，让我完全无法跟上作者的思路。摇滚乐的风格演变，本质上是一种音乐语言的不断实验和创新，是对既定规则的挑战。但这本书更像是在编纂一本名流轶事录，充满了对乐手们场外活动的八卦式描述，而对他们如何通过音乐创新来定义一种“风格”的核心机制，却几乎没有提及。这种本末倒置的叙事方式，让这本书的价值大打折扣，它更像是一本包装精美的、关于“看起来像摇滚明星的人”的图鉴，而不是一本关于“摇滚乐风格”的权威指南。

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这本书，坦白说，我本来对它期望挺高的，毕竟“摇滚乐风格”这个名字听起来就充满了无限的可能性。我翻开第一页，期待着能看到对蓝调根源的深入挖掘，那种能让你感受到尘土飞扬的密西西比三角洲的文字，或者至少是关于早期布鲁斯摇滚如何与英国入侵浪潮碰撞出火花的精彩论述。然而，整本书给我的感觉就像是走进了一家装潢豪华但货架空空的唱片店。作者似乎热衷于用大量篇幅去描绘一些我根本不感兴趣的领域。比如，花费了将近四分之一的篇幅去详述上世纪八十年代末期某些小众的、带有强烈地域色彩的独立放克（Funk）音乐场景，用词极其学术化，充满了晦涩的术语，但这些“风格”与我们通常理解的摇滚乐的主流演变路径似乎关联甚微。我试图从中找到关于伍德斯托克一代的精神内核，或者至少是关于朋克运动如何颠覆既有音乐体系的犀利分析，但这些内容要么一笔带过，要么干脆缺失。更令人沮丧的是，书中对一些至关重要的转型期——比如重金属如何从布鲁斯金属演化出前卫和力量金属的分支——的讨论浅尝辄止，仿佛只是为了应付章节要求而匆匆写就。这种对核心内容的避重就轻，让我感觉作者的兴趣点完全偏离了“摇滚乐风格”这个主题本身，更像是一份个人音乐品味散乱的记录集，而非一部有条理的音乐史概述。我花了很长时间才读完，但合上书本时，脑海中剩下的只有对那些未被提及的伟大作品的遗憾。

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这本书的叙事节奏简直像是在听一首由不合拍的鼓点和走调的贝斯线构成的即兴演奏，让人抓狂。我原本期待的是一种清晰的、能够引导我理解不同摇滚子流派之间如何相互影响、如何继承和反叛的脉络。比如，后朋克（Post-Punk）如何吸收了德国电子乐的冷峻，又如何反作用于九十年代的英式摇滚（Britpop）？这些关键的交汇点，这本书处理得极其含糊。它似乎更热衷于将篇幅用在对一些过渡性、几乎可以忽略不计的音乐现象进行近乎于人类学的细致描述。我记得有一章，专门用长篇大论来分析“酸爵士”在某个特定年份某个欧洲城市的短暂兴起，以及它对当地酒吧背景音乐的微小影响。读到这里，我几乎要怀疑自己是不是拿错了一本关于“欧洲小众亚文化”的书籍。书中对于七十年代“前卫摇滚”（Progressive Rock）的结构复杂性、编曲的宏大叙事，缺乏应有的敬畏和深入的结构分析；相反，它用非常平淡的语言概括了，然后迅速跳到了其他似乎更吸引作者的领域。我需要的是对吉他音色的演变、鼓点节奏的细微差别，以及歌词主题的哲学转向的深度剖析，但这里面只有大量的、让人昏昏欲睡的文化社会学观察，而这些观察与“摇滚风格”的音乐本体论关联度极低，读起来感觉非常空洞和不知所云。

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这本书的语言风格极其古怪，充满了作者自认为高深莫测的隐喻和重复的、缺乏实证支持的断言。它很少使用具体的音乐实例来佐证其观点，而是倾向于宏大叙事，比如宣称某种风格的兴起是“时代精神对资本主义过度饱和的反抗的必然结果”。这种论调本身在社会学层面或许有其价值，但对于一本旨在解释“风格”的书来说，却是致命的缺陷。例如，关于硬摇滚（Hard Rock）向重金属过渡的关键阶段，书中用了大量的篇幅来探讨“力量”与“柔性”的二元对立，但当涉及到像齐柏林飞艇（Led Zeppelin）是如何将布鲁斯、民谣和迷幻元素融合，创造出一种全新的、史诗般的“风格”时，作者只是轻描淡写地说了一句“他们展示了音量的潜力”。我更想知道的是，他们是如何在四人编制内达成那种复杂的、多层次的声场构建的？是吉他的堆叠、贝斯的线条驱动，还是鼓的宏大律动？这些具体的技术和艺术选择，才是风格的真正基石，但在这本书里，它们完全被抽象的概念性文字所淹没。读完后我感觉我学到了一大堆关于“能量流动”和“文化张力”的术语，但对于如何辨识或理解一种新的摇滚风格，我仍然一头雾水，这完全背离了阅读一本风格指南的初衷。

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learned a lot, got an A ;)

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真的要开始写论文了么【摔

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我一定要把你从图书馆偷走!

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真的要开始写论文了么【摔

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