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出版者:Ayer Co Pub

作者:London, Kurt

出品人:

页数:280

译者:

出版时间:

价格:31.95

装帧:HRD

isbn号码:9780405016226

丛书系列:

图书标签:

• 电影音乐
• 配乐
• 音乐史
• 电影研究
• 音乐分析
• 作曲家
• 好莱坞
• 电影配乐
• 音乐理论
• 声音设计

银幕上的回响：电影声音设计与音乐的深度剖析 导言：超越旋律的视听交响 电影，作为一种综合性的艺术形式，其力量不仅在于视觉的冲击，更在于声音的构建。声音，无论是原创的音乐配乐，还是精妙的音效设计，都如同电影的骨骼与灵魂，深刻地影响着观众的情感体验和叙事理解。本书《银幕上的回响：电影声音设计与音乐的深度剖析》旨在系统地探讨电影声音艺术的各个层面，从其历史演变到当代实践，深入剖析声音如何与画面相互作用，共同塑造叙事结构、渲染角色心境，并最终构建起完整的沉浸式视听体验。我们关注的焦点，是声音在电影语言中的本体论地位——它如何成为叙事的主体，而非仅仅是画面的附属品。 第一部分：声音的历史脉络与理论基石 电影的诞生伴随着对声音的渴望与探索。早期的无声电影依靠现场配乐和解说来弥补听觉的空白，这本身就是一种原始的声音设计实践。 一、无声时代的听觉遗产：配乐与画外音 本章将追溯电影声音的起源，分析有声电影出现前，音乐（如管弦乐队或钢琴伴奏）在营造氛围、标记情节转折中所扮演的关键角色。我们将探讨“音乐提示”（Cue Sheets）的出现及其对早期电影叙事规范化的影响。同时，也将考察那些富有创造力的“画外音”实践，例如现场噪音模仿和对白卡的解读方式，这些都为后来的声音设计奠定了基础。 二、有声时代的黎明与技术的驱动 1927年《爵士乐之王》的出现标志着一个时代的转折。本章将详细梳理早期同步录音技术的挑战与突破，并分析“对话优先”的初始阶段，声音如何一度成为画面的束缚。重点将放在米高梅（MGM）和华纳兄弟等制片厂在早期声音标准制定上的贡献，以及“现场感”与“戏剧化需要”之间的早期张力。 三、声音的层次理论：从物理到心理 电影声音绝非单一的声波集合，它是一个复杂的结构。我们将引入当代声音理论家的核心观点，构建一套清晰的层次划分体系： 1. 对话（Dialogue）： 不仅是信息传递，更是角色心理状态的反映，包括口音、语速、呼吸的细微处理。 2. 环境音/背景音（Ambiance/Atmosphere）： 构筑场景的地理与时间背景，是“声音地图”的基础。 3. 特定音效（Sound Effects）： 推动情节、强调动作（如脚步声、爆炸声），是叙事因果链的重要一环。 4. 音乐（Music）： 情感的直接催化剂，包括管弦配乐、流行乐选段及主题动机的运用。 本章还将深入探讨“声音空间性”的概念——如何通过混音技术（如立体声、环绕声）在二维屏幕上创造出三维的声音环境，以及“画外音”（Off-Screen Sound）的心理学效应，即未被看到的声源如何激发观众的想象力。 第二部分：电影音乐的结构与功能 音乐在电影中的作用远超背景装饰。它是一种强大的叙事工具，能够预示命运、提炼情感，并建立起跨越不同场景的结构性联系。 四、主题动机的编织：莱特莫蒂夫的复兴与发展 本章将以瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论为基础，分析其在经典好莱坞音乐（如埃里希·科恩戈尔德和马克斯·施泰纳的作品）中的继承与发展。我们将剖析特定的音乐主题如何与角色、地点或概念绑定，并在剧情的演变中被“变形”（Transformation），从而实现潜意识层面的叙事沟通。探讨主题动机在非音乐类型片（如惊悚片或科幻片）中的抽象化运用。 五、音乐与画面的关系：契合、对比与颠覆 声音设计中的一个核心张力是音乐与画面的同步性。本章将分类讨论四种主要的音乐与画面关系模式： 1. 同步（Synchronization）： 音乐与动作的精确匹配，用于强调力量感和节奏感。 2. 非同步/对比（Contrapuntal）： 音乐情感与画面内容相悖，产生讽刺、疏离或宿命感（如库布里克在《奇爱博士》中的运用）。 3. 预示与延迟（Foreshadowing and Delay）： 音乐提前揭示即将发生的事态，或在事件结束后才出现，处理情绪余韵。 4. 弥补叙事空缺： 当画面信息不足时，音乐如何填补情感的空白，引导观众的解读方向。 六、当代电影配乐的风格流变 聚焦于后“新好莱坞”时代至今的作曲家，如约翰·威廉姆斯对传统管弦乐的回归与创新，汉斯·季默对电子合成器和循环乐段的运用，以及乔治·德斯普拉特对细微音色和室内乐的精妙把控。分析电子音乐、世界音乐元素、流行歌曲嵌入等如何共同构成了当代电影配乐的多元景观。 第三部分：声音设计：构建可信的听觉世界 声音设计是电影制作中最常被低估的艺术领域，它负责创造出既真实又具有戏剧张力的听觉环境。 七、从录音棚到银幕：音效的采集、合成与处理 本章将详细介绍当代声音设计师的工作流程。我们将探讨“现场同期录音”的局限性与重要性，并重点分析“拟音”（Foley Artistry）——演员通过道具在专业录音棚中为画面重新创造声音的行为。拟音师如何通过对材质、距离和冲击力的细致控制，赋予画面以触感。此外，对计算机生成音效（CGI Sound）与声音合成技术的解析，是理解现代科幻和奇幻电影听觉奇观的关键。 八、声音场景的构建：环境音层的堆叠与控制 一个场景的声音，是由几十甚至上百个分离的音轨叠加而成的。本章将分析环境音如何被分层处理： 1. 基础层（Base Layer）： 稳定、低频的环境噪音（如风、城市嗡鸣）。 2. 特征层（Feature Layer）： 标志性的、可被识别的声音（如特定的鸟叫、工厂机器声）。 3. 焦点层（Focus Layer）： 随情节变动而出现的、用于强调特定动作的瞬时音效。 同时，探讨“声音透视法”：声音如何通过混响、延迟和滤波器处理来模拟距离感，使观众清晰地分辨出近处角色的清晰对话与远处沉闷的城市背景声。 九、声音的戏剧性运用：非自然声音的炼金术 在非写实题材中，声音设计必须创造出超越现实的听觉体验。本章将研究如何通过声音来具象化抽象概念（如角色的内心恐惧、超自然力量的显现）。例如，如何设计出既恐怖又具有逻辑自洽性的外星生物的声音，或如何利用失真、反向播放等技术来表达时间扭曲或精神崩溃。探讨声音在营造“可信的不可信”方面所做的技术和艺术努力。 第四部分：混音、叙事与观众的沉浸感 最终，所有声音元素——音乐、对话、音效——都需要在一个统一的声场中被平衡和呈现。混音师是声音叙事的最后一位建筑师。 十、声音的权力分配：混音的艺术与哲学 混音不仅仅是音量的调整，它是对观众注意力的精确引导。本章将分析在不同电影类型中，声音元素之间的“权力关系”：在严肃戏剧中，对话可能占据主导；在动作片中，音效的瞬时响度可能超越一切；而在氛围驱动的艺术片中，音乐的微妙波动可能成为引导情绪的无形之手。讨论动态范围（Dynamic Range）在叙事张力维持中的关键作用。 十一、声音叙事的终极目标：沉浸与疏离 声音在引导观众进入电影世界的同时，有时也需要将观众“推开”。本章将对比两种声音策略： 1. 沉浸式设计（Immersive Design）： 追求声音的完整性和真实性，使用全景声效，让观众感觉身处场景之中（如自然纪录片或VR体验）。 2. 疏离式设计（Alienating Design）： 通过刻意使用不和谐的音乐、突兀的音效或过分突出的拟音，提醒观众这是一种艺术建构，引发思考而非单纯的情感投入。 结论：听觉的未来与无声的对话 电影声音艺术正随着技术的发展（如沉浸式音频格式、人工智能辅助音效生成）而不断演进。本书的最终目的，是培养读者对电影声音的“主动聆听”能力，理解每一次音量的提升、每一次音乐的进入、每一个精心设计的脚步声背后，所蕴含的深层叙事意图与美学选择。通过对声音的深入剖析，我们得以更全面地理解电影艺术的复杂性和无穷魅力。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉灾难，封面那种低饱和度的灰色调，加上毫无吸引力的字体，让我差点在书店里错过它。拿到手里才发现，纸张质量也出奇地粗糙，印制有些地方甚至有轻微的渗墨，对于一本定价不菲的“艺术类”书籍来说，这种对待读者的态度是完全不可接受的。更让我失望的是内页的排版，图片极少，且大多是模糊的黑白剧照，与主题“电影音乐”的核心——声音的魅力——完全不匹配。我本来期待着能看到一些著名电影配乐的乐谱片段，或者至少是录音棚的珍贵历史照片，但里面充斥着大段大段的文字，仿佛一本被遗忘在角落的旧杂志。阅读体验极差，每一次翻页都像是在与这本书进行一场无声的抗争，让人很难集中精神去深入阅读那些内容。

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我不得不说，作者在对某些非常小众、非主流电影配乐流派的挖掘上，展现出了近乎偏执的热情。他花了大量的篇幅去研究上世纪六十年代东欧独立电影中使用的民间乐器组合，以及这些组合如何影响了后来的恐怖片音效设计。这无疑是深入和独特的视角，但问题在于，这种深入的程度已经超出了大多数读者的兴趣阈值。我阅读时，总有一种被作者牵着鼻子走的无力感，他似乎急于向世界展示他那不为人知的知识体系，却忽略了最基本的“可读性”。比如，他对某部早已被遗忘的意大利铅黄电影配乐的分析，用了整整三章，而对于那些耳熟能详的经典大片配乐，却只是草草带过，寥寥数语，仿佛那是俗套而无需探讨的垃圾。这让这本书的整体份量失衡，读起来像是一份私人研究报告，而不是一本面向公众的百科全书。

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这本书的编辑工作简直是灾难性的疏忽。我发现了好几个明显的错误，其中最让我恼火的是，它引用了一段关于某位著名作曲家创作高峰期的轶事，但时间和地点完全与史实不符。更别提那些参考文献列表，格式混乱，许多条目根本无法在任何图书馆或数据库中查证。作为一本宣称提供深度见解的读物，这种基础性的事实错误是不可原谅的。它让我对书中其他所有信息的准确性都产生了巨大的怀疑。我不得不频繁地停下来，拿出手机去核对作者所陈述的关键日期和人物关系，这极大地打断了阅读的流畅感，让原本可能还算有趣的段落也变得索然无味。一本关于艺术和历史的书，如果连最基本的严谨性都无法保证，那么它存在的意义何在？

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说实话，这本书的语调从头到尾都带着一种居高临下的傲慢感。作者似乎深信，只有他所推崇的那些“纯粹的、未被商业污染的”电影配乐才是值得研究的，而那些大众喜闻乐见的、影响了无数人的好莱坞大片配乐，则被他轻蔑地归类为“市场化的口水歌”。这种非黑即白、极度二元对立的评价体系，让阅读过程充满了不适。每一次对“流行”配乐的批判，都伴随着一系列刺耳的嘲讽和不屑的语气，读起来让人感觉好像作者在对读者说：“如果你喜欢那些东西，说明你的品味很差。”这种主观偏见已经严重干扰了对客观音乐现象的分析。我希望阅读一本能拓宽我视野的书，而不是一本试图用作者狭隘的个人好恶来定义什么是“好音乐”的教条主义宣言。它的存在，更像是作者的一场个人清算，而非对电影音乐艺术的公正回顾。

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这部电影音乐的合集，坦白说，有点让我摸不着头脑。我本来期待着能听到一些对电影配乐历史的深入剖析，或者至少是一些经典配乐家的访谈录。结果，翻开目录，看到的更多是关于某种特定流派音乐在电影中运用的探讨，比如后摇滚对悬疑片的烘托，或者电子乐在科幻场景下的替代性选择。内容组织上，似乎更偏向于学术论文的结构，引用了大量的音乐理论术语，对于一个只是想放松一下，听听约翰·威廉姆斯或者汉斯·季默的幕后故事的普通乐迷来说，门槛设置得太高了。我试着去理解那些关于“音色对比与叙事节奏重构”的章节，但读完后，我感觉自己更像是在上完一堂枯燥的音乐分析课，而不是在享受电影艺术的魅力。如果作者的本意是提供一本给专业作曲家参考的教材，那或许它合格，但作为面向大众的“电影音乐”读物，它显得过于精英化和晦涩难懂。我更希望看到的是那些能让人产生情感共鸣的故事，而不是一堆冰冷的音符分析。

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