Prokofiev's Ballets for Diaghilev pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Ashgate Pub Co

作者:Press, Stephen D.

出品人:

页数:294

译者:

出版时间:

价格:120

装帧:HRD

isbn号码:9780754604020

丛书系列:

图书标签:

• Prokofiev
• Ballet
• Diaghilev
• Music
• Russian Music
• 20th Century Music
• Dance
• Performing Arts
• History
• Biography
• Choreography

音乐中的流变与革新：二十世纪早期欧洲的舞蹈与戏剧交汇 导言：舞台的革命与感官的盛宴 二十世纪初的欧洲，正处于一个剧烈变革的时代。工业的轰鸣、政治的动荡以及对传统美学的反叛，共同塑造了一个充满创造力的熔炉。在艺术领域，这一时期的焦点之一便是舞台艺术的彻底革新。不再满足于传统歌剧的宏大叙事和芭蕾的古典程式，艺术家们开始探索一种全新的、综合性的艺术表达形式，旨在唤醒观众沉睡已久的感官，直击灵魂深处的原始冲动。 本书将带领读者深入探究这一关键时期（约1905年至1929年间）欧洲舞台艺术的核心动向，聚焦于那些挑战既有规范、重新定义了音乐、舞蹈与视觉艺术之间关系的先驱性实践。我们关注的焦点并非某一特定的作曲家或某一个舞团的全部作品，而是横跨数个国家和文化领域，那些推动艺术边界向前拓展的关键事件、核心理念以及标志性的合作。 第一部：超越古典的疆界——从符号到本能 本篇将考察二十世纪初欧洲对古典芭蕾形式的反思与解构。古典芭蕾，以其严谨的技巧、明确的叙事和对女性舞者的“天使化”呈现，在十九世纪末期遭遇了深刻的审美疲劳。艺术家们开始寻求一种更贴近人类原始情感、更具戏剧张力的肢体语言。 1. 身体的解放与原始主义的召唤： 我们探讨了以伊莎多拉·邓肯（Isadora Duncan）为代表的“自由舞蹈”思潮。邓肯的实践，虽然在技术上与后来的现代舞有所区别，但其核心理念——回归自然、以躯干为表达中心、受古希腊美学和自然律动的启发——极大地影响了后来的编舞者。她摒弃了足尖鞋和紧身胸衣，转而追求一种“赤裸”的、直抒胸臆的表达。这种对身体自由的追求，是理解后续所有舞蹈创新的基础。 2. 视觉革命：色彩、几何与符号的介入： 舞台不再仅仅是故事发生的背景。在这一时期的先锋戏剧和舞蹈作品中，舞台设计本身成为了叙事和情感的积极参与者。我们分析了立体主义（Cubism）和未来主义（Futurism）对舞台美学的影响。色彩不再仅仅是装饰，而是具有情绪张力的独立元素。几何形状和机械美学被引入舞台空间，打破了传统布景的自然主义倾向。例如，一些先锋作品尝试使用完全抽象的布景来配合非叙事性的肢体动作，迫使观众从听觉转向纯粹的视觉与动觉的体验。 3. 音乐与运动的“共谋”：声音的结构性挑战： 音乐在这一时期的发展，为舞蹈提供了前所未有的挑战和机遇。传统音乐的匀称节拍和可预测的和声结构被打破。我们审视了那些探索非传统音阶、不协和音程和复杂节奏的作曲家们如何直接影响了编舞者的思路。新的音乐语言要求身体对时间与空间产生全新的反应。舞蹈不再是简单地“跟随”音乐的旋律线，而是与音乐的内在结构、节奏的断裂和音色的对比进行复杂的对话。这种对话强调了运动的“内在逻辑”，而非仅仅是外在的模仿。 第二部：叙事重构与文化熔炉——巴黎的实验场 二十世纪初，巴黎成为了艺术实验的中心。各种文化思潮、来自不同地域的艺术家在此交汇，催生了一系列具有里程碑意义的合作项目。本篇将关注那些旨在颠覆既有戏剧范式的作品。 1. 俄国芭蕾的冲击波：异域风情与原始的爆发力： 俄国芭蕾的到来，特别是其早期巡演，为西欧观众带来了强烈的感官震撼。这些演出将古典芭蕾技巧置于大胆、充满异国情调的视觉和音乐背景下。我们分析了这些演出如何通过引入非西方（或被西方理解为“原始”）的色彩、服饰和强烈的肢体动作，成功地激发了欧洲观众对“他者”的想象，并间接推动了对本土艺术僵化的反思。这些作品的成功，在于它们巧妙地平衡了观众对“异域”的好奇心与对艺术形式革命的渴望。 2. 戏剧的“整体艺术”追求（Gesamtkunstwerk）的转向： 在当时的先锋戏剧圈内，人们热衷于探索一种“整体艺术”——即将文学、音乐、舞蹈、布景和灯光融合成一个不可分割的有机体。然而，与瓦格纳的理想不同，二十世纪初的实践者们更加注重冲突和张力，而不是和谐的统一。我们研究了那些将舞蹈元素从叙事附属品提升到与文本同等地位的戏剧作品。舞蹈不再是故事的插曲，而是情绪爆发的浓缩符号。 3. 赞助人与画廊的催化作用： 艺术赞助人的角色在这一时期的创新中起到了关键作用。这些富有远见的个体或群体，为艺术家提供了必要的经济支持和创作自由，使得那些在商业上冒险的作品得以诞生。我们探讨了这些赞助网络如何促进了作曲家、编舞家、画家和服装设计师之间的跨界合作，打破了传统艺术院校的壁垒。 第三部：技术、媒介与未来的回响 本篇将超越直接的舞台实践，探讨新兴技术和媒体如何开始影响人们对身体运动的感知和记录，以及这些影响如何反作用于舞台创新。 1. 记录与传播：摄影和电影的介入： 尽管当时尚未出现成熟的舞蹈电影艺术，但摄影和早期电影技术开始被用来记录和分析舞蹈动作。这使得编舞家能够以一种前所未有的精确度来审视和批判自己的作品，并与其他地区的艺术家进行“视觉对话”。动作的瞬间性被凝固，这促使人们思考，如果一个动作可以在瞬间被捕捉和重复，那么它在现场的意义又是什么？ 2. 工业时代的美学渗透：机械与韵律： 工业化带来的机械运动的韵律感，也渗透到了艺术家的潜意识中。例如，对机器、速度和节奏的迷恋，如何在一些极端的舞蹈表达中得以体现？这些作品往往表现出一种精确性、重复性和非人性的美感，与之前追求自然律动的思潮形成了有趣的对照。 结论：未完成的蓝图 二十世纪初的这些艺术探索，虽然在不同的国家和团体中以不同的面貌出现，但它们共同指向了一个核心目标：将舞台艺术从对过去美的模仿，转变为对当下经验的直接体验和对未来可能性的预演。这些先驱者的尝试，虽然有些最终被历史遗忘，有些则因其过于激进而显得孤立，但它们为后世所有从事音乐、戏剧和舞蹈创作的人们，留下了关于形式、内容和表达自由的深刻遗产。本书旨在梳理这些复杂而迷人的交织点，而非提供单一的结论，以此展现那个充满能量与冲突的艺术年代的全景。

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我必须承认，这本书在处理20世纪中后期电子音乐与具体音乐（Musique Concrète）的交叉领域时，展现出了一种令人兴奋的未来视角。作者并没有沉溺于老旧的合成器技术描述，而是聚焦于声音作为本体的哲学意义。书中对皮埃尔·舍费尔的“孤立声音”理论的阐释尤其精彩，它挑战了我们对“音乐”的传统认知，促使读者思考，当声音被剥离了传统旋律和和声的束缚后，它如何依然能承载情感和意义。我个人非常欣赏作者对录音带剪辑技术的历史回顾，这部分内容将抽象的声音实验与具体的、甚至是有些“手工感”的创作过程联系起来，使得原本高冷的电子音乐变得触手可及。通过阅读，我开始以一种全新的角度去聆听那些早期的电子作品，不再追求熟悉的旋律，而是去感受声音纹理的细微变化和空间布局。这是一本真正具有前瞻性和颠覆性的声音艺术指南。

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这是一本聚焦于早期二十世纪室内乐作品的专著，它以极其严谨和令人敬畏的学术态度，梳理了从勋伯格到斯特拉文斯基早期室内乐创作的脉络。这本书的强悍之处在于其结构逻辑的缜密性，作者没有采取简单的年代顺序，而是根据不同的“技术革新点”进行划分，例如“无调性探索的早期尝试”、“序列主义的萌芽”等等，这种组织方式极大地增强了论点的说服力。我花了很长时间去啃食关于对位法和节奏复杂性的章节，那些密集的图表和精确到小节的分析，对于非专业人士来说可能有些吃力，但对于致力于理解这些复杂作品结构的人来说，简直是如获至宝。它成功地揭示了这些看似“刺耳”的作品背后，蕴含的强大理性结构和对传统美学规范的系统性颠覆。这本书的参考文献列表本身就是一份极具价值的导览图，指向了更多重要的原始资料和后续研究。

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这本书简直是一部精彩的传记文学，讲述了特定时期（我猜是二战前后）巴黎乐坛的社交图景。它描绘的不是冰冷的音乐作品，而是活生生的一群音乐家、赞助人和评论家们如何相互影响、竞争与合作。作者擅长通过生动的叙事手法，将复杂的艺术观点融入到日常的沙龙聚会和深夜长谈之中。例如，其中描述了一位著名指挥家与一位前卫作曲家之间关于“艺术与大众接受度”的激烈争论，这场争论的背景是作者对当时一家咖啡馆装饰的细致描摹，这让场景感无比真实。读这本书，感觉就像是拿到了一张通往那个时代音乐精英圈子的VIP通行证，能够窥见那些艺术巨匠们在聚光灯下光鲜亮丽的形象背后，所承受的巨大压力与内心挣扎。它成功地做到了，既是对特定历史时期音乐生态的深度还原，也是对人性和艺术创作复杂性的深刻洞察。

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我对这本探讨德彪西音乐哲学的著作抱有极高的期待，而它完全没有让我失望。与其说这是一本音乐分析，不如说这是一场关于印象派美学的诗意漫游。作者对和声语言的解读极为细腻，特别是对音色和氛围的捕捉，让我重新审视了《牧神午后前奏曲》中那些飘忽不定的管乐声部是如何构建出那朦胧而又充满暗示性的夏日黄昏景象的。书中有大量篇幅专门分析了德彪西如何从东方艺术，尤其是日本浮世绘中汲取灵感，这种跨艺术形式的对话被阐述得既学术又易懂。我最喜欢的部分是关于“潜意识”在德彪西音乐中作用的探讨，作者引用了当时流行的哲学思潮，论证了德彪西如何通过音乐而非具象叙事来表达人类内心深处的波动与迷惘。读完后，我立刻去重听了《夜曲》，那些曾经觉得过于“模糊”的段落，现在听来，每一笔色彩的晕染都变得清晰而富有目的性。这本书无疑提升了我对20世纪初欧洲现代主义音乐的理解维度。

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这部关于柴可夫斯基芭蕾舞剧的选集，简直是为任何热爱俄罗斯古典音乐和舞台艺术的人量身定做的宝典。我花了整整一个周末沉浸其中，尤其是对《天鹅湖》的深度剖析，作者对彼得·伊里奇·柴可夫斯基创作心路历程的还原，细致入微，仿佛能听见作曲家在指挥台后焦虑而激动的呼吸声。书中不仅仅罗列了乐谱上的细节，更深入探讨了创作背景下的社会思潮与宫廷文化的交织，比如他对奥黛特与奥杰莉亚双重角色的心理刻画，简直是天才般的洞察力。特别让我震撼的是，作者通过大量信件和当时的报纸评论，重建了首演时的争议与赞誉，这使得阅读体验不再是枯燥的学术分析，而是一场跨越时空的剧场之旅。我尤其欣赏作者对不同版本演绎的比较分析，从马林斯基剧院的传统演绎到现代先锋派的解构重塑，这种广阔的视野让读者能更全面地理解这部作品的生命力。对于任何想要深入了解俄国“黄金时代”音乐剧场的爱好者来说，这本书提供的参照系是无价之宝。

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