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出版者:Thomson Learning

作者:Nelson, Robert/ Christensen, Carl J.

出品人:

页数:282

译者:

出版时间:

价格:68.95

装帧:Pap

isbn号码:9780534595562

丛书系列:

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• 音乐基础
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• 西方音乐

好的，以下是关于一本名为《Foundations of Music》之外的，一本详尽的图书简介，侧重于音乐理论、历史和实践的特定领域，以确保不涉及您提到的那本书的内容： --- 《和声的结构与演变：从巴洛克到二十世纪的调性分析与实践》 图书简介 《和声的结构与演变：从巴洛克到二十世纪的调性分析与实践》并非一本基础性的音乐入门读物，而是一部深入探讨西方艺术音乐（Art Music）核心——功能和声体系——如何构建、运作、发展并最终解构的专业性论著。本书旨在为已经掌握基础乐理知识，并希望在和声分析、配器实践、即兴创作或音乐史研究领域进行深层次探索的音乐学生、研究人员、作曲家及演奏家提供一套系统、精炼且富有洞察力的理论框架与实践指导。 本书的核心论点在于，音乐的“意义”并非仅来源于旋律的线性流动，而是根植于其垂直结构——和声——在时间维度上的张力与释放。我们致力于揭示，从巴赫的严谨对位到德彪西的色彩和声，音乐家们如何通过对音高集合（Pitch Sets）及其关系（Function）的巧妙操纵，实现情感的表达和形式的构建。 第一部分：古典调性体系的逻辑基石 (The Architecture of Classical Tonality) 本部分追溯了十七世纪中叶至十九世纪中叶，西方音乐中功能和声体系的建立过程。我们首先摒弃了早期教会调式（Modal System）的残留影响，聚焦于大调（Major）与小调（Minor）的明确确立。 章一：三和弦的形态与功能。 本章细致分析了主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）的内在张力关系。讨论的重点在于如何通过导音（Leading Tone）和七音（Seventh）的引入，强化属功能对主功能的不可抗- S-D-T 循环。我们将使用大量来自巴赫与莫扎特作品的实例，探讨和弦连接（Chord Progression）的“合法性”与“有效性”。 章二：导七和弦与和声色彩。 深入探究属七和弦（V7）及其替代和弦（如减七和弦vii°7）在解决（Resolution）中的关键作用。我们特别关注了“不协和音”（Dissonance）在巴洛克和古典时期如何从必须解决的“不和谐”转变为可以被暂时悬置的“色彩元素”。本章将涉及更复杂的调内和弦，如九和弦（Ninth Chords）在晚期古典主义中的试探性应用。 章三：转调的艺术与布局。 转调（Modulation）是构建宏大音乐结构的支柱。本章详细阐述了各种转调技巧：从最近关系调（如属调、平行小调）的直接转调，到使用中介和弦（Pivot Chords）进行平稳过渡，再到利用减七和弦和全音音阶和弦进行远距离、戏剧性的转调。读者将学习如何根据音乐的句法结构（Phrase Structure）和情感需求来规划调性布局，而非简单地进行机械转换。 第二部分：浪漫主义的扩张与和声的模糊化 (Expansion and Ambiguity in Romantic Harmony) 十九世纪的音乐家们开始质疑古典功能和声的界限，寻求更丰富的和声语言来表达个体情感的强度和复杂性。 章四：和声的色彩化与修饰。 重点分析了从舒曼到李斯特的作品中，和声如何超越其纯粹的功能性。我们将探讨大量使用“不解决的”七和弦、九和弦、以及增六和弦（Augmented Sixth Chords，如意大利式、德国式、法国式）的现象。这些和弦的引入，使得音乐在听觉上保持一种持续的、渴望被解决却又刻意被延迟的张力状态。 章五：瓦格纳与三全音的解放。 特别聚焦于理查德·瓦格纳（Richard Wagner）对调性中心带来的颠覆性影响，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”（Tristan Chord）。本书将从和声语法的角度分析，这个和弦如何模糊了主导与被主导的关系，预示着调性瓦解的趋势。我们探讨了“半音化”（Chromaticism）如何削弱了调性场域的边界感。 第三部分：对传统和声的挑战与重构 (Challenging and Reconstructing Tonal Grammar) 进入二十世纪，音乐实践面临着前所未有的技术变革，和声不再局限于七音体系。 章六：后浪漫主义的调性解体。 考察了马勒、理查·施特劳斯晚期作品以及德彪西、拉威尔的印象派和声。这一时期的作曲家们开始系统地引入非功能性的和弦集合： 平行和弦进行（Parallelism）： 和弦不再按照功能解决，而是像旋律线一样平行移动，例如德彪西对纯五度和弦的自由运用。 调式与全音阶： 探讨了对古代调式（如多利亚、弗里吉亚）的回归，以及全音音阶（Whole-Tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）如何创造出悬浮、非定向的和声空间。 章七：序列主义的结构化与无调性。 尽管这超出了传统意义上的“和声”范畴，但了解其对音高组织的替代方案至关重要。本章将分析勋伯格的十二音技法（Twelve-Tone Technique）如何通过序列（Series）的严格控制来替代调性功能，确保所有十二个音高在结构上处于“平等”地位。我们将对比荀伯格、贝尔格和韦伯恩在序列操作上的不同倾向，理解如何在一个无中心（Atonal）的体系中重新建立起内部的逻辑关联。 第四部分：实践应用与分析方法论 (Methodology and Practical Application) 本书的最后一部分提供了分析和弦的工具箱，并鼓励读者将理论知识转化为创作实践。 章八：分析的工具与视角。 介绍达林顿数字分析法（Diatonic Scale Degree Analysis）、利曼的“和声实体”（Harmonic Function）理论，以及更现代的 pitch-class set 理论在非功能性音乐分析中的局限与潜力。强调分析是理解历史语境和作曲家意图的桥梁。 章九：配器与和声的互动。 和声的听觉效果与配器（Orchestration）密不可分。本章探讨了不同乐器组（弦乐、木管、铜管）对同一和弦的音色渲染效果。例如，如何通过弦乐弱音器（Mute）处理的增六和弦，与铜管强奏的减七和弦，在情感强度上产生巨大差异。 结语： 本书并非为音乐的“规则”设下终极判词，而是为读者提供了一套深入挖掘其历史演变和逻辑框架的视角。理解了这些结构是如何建立、如何被挑战、以及如何被打破的，才能真正掌握西方音乐语言的深层含义，并在创作中做出更具意识的选择。 本书适合高等音乐院校的作曲与理论专业学生、需要深入研究特定历史时期的音乐史学者，以及希望拓展自身即兴和配器词汇的专业演奏家。通过对经典和声范例的细致剖析，读者将能构建起一个坚实而灵活的和声认知体系。 ---

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我是一个对爵士乐怀有深厚兴趣的业余乐手，购买这本书的初衷是希望能找到连接古典和声体系与现代即兴创作之间的桥梁。然而，这本书在现代音乐领域的覆盖面显得捉襟见肘。当它触及二十世纪以后的音乐时，似乎变得有些力不从心，笔触明显不如处理巴洛克或古典时期那样游刃有余。例如，在讨论德彪西的印象派和声时，作者只是蜻蜓点水般地提到了全音阶和五声音阶的应用，并未深入剖析其打破传统功能和声的革命性意义，更别提对序列主义、微音程音乐的探讨了。对于一个期待从理论上解构现代爵士乐复杂和弦色彩（比如使用九和弦、十一和弦的替代音）的读者来说，这本书提供的框架显得过于陈旧和保守。它更像是一个坚固的古典主义地基，却没能有效地将脚手架搭往现代建筑的顶层。我理解任何一本“基础”书籍都必然有所取舍，但对于二十一世纪的音乐学习者而言，缺乏对后传统音乐理论的系统性梳理，无疑是一个遗憾，也使得这本书的“基础”定义略显狭隘。

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这本书的排版和配图，坦白说，是我近年来读过的专业书籍中最令人沮丧的部分之一。尽管内容极具价值，但阅读体验却像是在穿越一片信息迷雾。图表的清晰度感人至深——那些表示声波干涉和调性关系的插图，如果用A4纸打印出来，可能需要放大镜才能辨认出关键的坐标轴。更不用提索引部分了，它似乎更像是随机生成的关键词列表，完全无法帮助读者快速定位到感兴趣的特定理论点。我特别想回顾一下作者关于“色彩和声”的论述，那个引入了弗雷德里克·哈特曼的色彩理论的部分，但在冗长晦涩的文字中，找到那个精确的引文出处简直是一场噩梦。这让我不禁怀疑，作者是否将所有的精力都投入到了理论的构建上，而完全忽略了读者——一个渴望学习、但又容易分心的现代学习者——的阅读需求。如果说内容是美酒，那么这本书的装帧和排版就是粗糙的陶罐，虽然能盛放，却也大大降低了饮用的愉悦感。我希望未来的再版能请一位专业的排版设计师介入，将这些珍贵的知识以更友好的面貌呈现出来。

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这本书的魅力在于其对“听觉习惯”的批判性审视，这可能是它最不为初学者所理解，却最吸引我的地方。作者并非只是教你如何识别和弦，而是不断地质问：你所认为的“对”与“错”，究竟是源于音响物理的必然，还是社会文化长期熏陶下的产物？在探讨大小调体系的形成时，作者引入了大量的文化人类学案例，对比了不同文明中对“悲伤”与“快乐”旋律的不同表达方式，这极大地拓宽了我的视野。我不再仅仅将C大调视为默认的“快乐”调性，而是理解了它在西方音乐历史中占据主导地位的复杂原因。这种不断反思自身前提的阅读过程，是极具挑战性的，它要求读者放下既有的偏见，重新以一个孩童般的好奇心去聆听音乐。阅读过程中，我多次放下书本，走到钢琴前，不是去弹奏书上说的和弦，而是试图用我新建立的理论框架去“听破”我熟悉的曲子，寻找那些被传统分析忽略掉的微妙张力。这本书，与其说是一本音乐理论书，不如说是一份邀请函，邀请读者加入一场关于声音本质的漫长对话，一场关于人类感知边界的深度探险。

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刚翻开这本号称“音乐基石”的著作，我心里就涌起一股莫名的期待与不安。期待它能为我揭示那些隐藏在旋律与和声背后的数学般精确的结构，不安则来自于我对古典音乐理论的敬畏——生怕那些复杂的术语和抽象的图表会像冰冷的墙壁一样将我拒之门外。然而，这本书的开篇以一种近乎诗意的散文笔触，描绘了人类感知声音的生理机制，那种将听觉转化为大脑中色彩与形状的描述，立刻抓住了我的注意力。它没有急于抛出调式、音阶这些硬核概念，而是从最基础的物理振动谈起，用极其生活化的比喻解释了泛音列的形成，仿佛我不是在阅读一本教科书，而是在听一位资深的音乐人类学家讲述声音的起源故事。特别是关于“纯律”与“十二平均律”的辩论部分，作者的论证逻辑严密，层层递进，将历史的演变与音质的细微差别结合得天衣无缝。我尤其欣赏作者对“美感”的探讨，他试图用数学模型去量化那些玄妙的听觉愉悦，这种跨学科的尝试虽然大胆，但却为我理解为什么某些和弦听起来“对味”提供了一个全新的、理性的视角。读完第一部分，我感觉自己像是站在一个巨大的音乐万花筒前，每一个小小的棱镜都折射出关于频率、比例和认知的深刻洞见。

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说实话，这本书的深度远超我最初的预期，它更像是一部精妙的音乐哲学论著，而不是一本简单的工具书。我原本期望看到大量清晰的五线谱例和和弦走向的速查表，但这本书的内容处理方式截然不同，它更侧重于“为什么”而非“如何做”。作者在探讨复调音乐的演进时，几乎是将整个中世纪到巴洛克时期的音乐史浓缩成了一场关于逻辑与自由的哲学思辨。他将巴赫的赋格视为一种对理性秩序的终极表达，并将其与笛卡尔式的思维方式进行类比，这种跨界的联想极其富有启发性。我花了整整一个下午的时间，反复研读了其中关于“主题发展”的章节，作者没有简单地罗列“模仿”、“转位”这些技巧，而是深入剖析了作曲家如何在有限的音高材料中，通过结构化的变形，创造出无穷的变化，这简直就是对创造力本身的拆解和重构。书中对十九世纪浪漫主义音乐的批判也相当尖锐，作者毫不留情地指出过度依赖情感宣泄可能带来的结构松散，这对于那些只追求“感觉”的演奏者来说，无疑是一记警钟。全书的行文风格略显晦涩，需要反复咀嚼，但一旦领悟，那种豁然开朗的感觉是任何速成指南都无法给予的。

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