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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Alec, Wilder

出品人:

頁數:130

译者:

出版時間:2008-11

價格:$ 22.54

裝幀:Pap

isbn號碼:9780634024023

叢書系列:

圖書標籤:

• Alec Wilder
• Songbook
• Jazz
• Standards
• Vocal
• Piano
• Sheet Music
• American Songbook
• Musical Theatre
• Classic Songs

經典爵士樂的璀璨群星：一部未曾提及的音樂寶庫 引言：穿越時光的鏇律之旅 音樂是情感的載體，是曆史的見證。在浩瀚的音樂文獻長河中，總有一些作品以其獨特的魅力和深遠的影響力，構建起一個時代的聲景。本書聚焦於二十世紀中葉，一個爵士樂、百老匯音樂與流行歌麯交織的黃金時期。我們不談及《The Alec Wilder Song Collection》中所收錄的那些寜靜、內省的民間抒情麯，而是將目光投嚮那些更加張揚、更具時代烙印，並在爵士樂壇留下深刻印記的作麯傢和他們的經典作品。 本書旨在為讀者提供一份詳盡的、關於彼時美國音樂圖景的深度剖析，重點闡述那些推動瞭音樂風格演變，並至今仍在全球舞颱上被不斷重新演繹的標誌性作品與流派。我們將深入探究搖擺樂（Swing）如何演化為比波普（Bebop）的復雜結構，以及冷爵士（Cool Jazz）如何以其精緻與剋製迴應瞭早期爵士樂的熱烈。 第一部分：搖擺時代的輝煌與結構 二十世紀三十年代，是“搖擺樂”占據統治地位的時代。這不是一個單一的音樂風格，而是一場席捲全國的文化現象，其核心在於強勁的節奏感和大型樂隊（Big Band）的華麗編排。 1. 艾靈頓公爵：色彩的調色闆與樂團的進化 艾靈頓公爵（Duke Ellington）無疑是這一時代的建築師之一。他的音樂超越瞭簡單的娛樂範疇，達到瞭近乎古典音樂的復雜性。我們將在本書中詳細考察他早期作品，如《Mood Indigo》和《Take the "A" Train》。這些作品不僅僅是鏇律的堆砌，更是對音色和紋理的精妙運用。艾靈頓天纔地將樂團的每個聲部視為一種獨特的樂器，通過不同的組閤與對位，創造齣前所未有的“聲音色彩”。 本書將分析艾靈頓如何巧妙地處理“和聲的張力”，尤其是在他為特定演奏傢量身定製的樂章中。例如，對於薩剋斯管演奏傢強尼·哈奇斯（Johnny Hodges）的抒情獨奏，艾靈頓會構建齣怎樣的背景和聲，以最大化其情感的穿透力。這種對個體樂手聲音的極緻挖掘，是其樂團保持長盛不衰的關鍵。 2. 班尼·古德曼與搖擺樂的普及 班尼·古德曼（Benny Goodman）的樂隊，雖然在音樂的實驗性上可能不及艾靈頓或巴塞特，但其對搖擺樂社會意義的貢獻無可估量。古德曼的成功在於他能夠將復雜的節奏結構轉化為大眾易於接受的、充滿活力的舞蹈音樂。 我們重點研究古德曼如何通過其跨種族的樂團配置，在當時保守的社會環境中，成為瞭打破藩籬的文化符號。他的現場錄音，特彆是卡內基音樂廳那場裏程碑式的演齣，揭示瞭搖擺樂是如何從夜總會的小眾娛樂，一躍成為被主流文化正式認可的藝術形式。本書將詳細解析其現場演奏中，即興部分與既定編麯之間的動態平衡。 第二部分：比波普的革命與智性迴歸 到瞭四十年代中期，一批年輕的音樂傢感到搖擺樂的結構過於僵化，節奏過於平穩，不足以承載他們日益復雜的音樂思想。於是，比波普（Bebop）誕生瞭——一場真正的音樂革命。 3. 查理·帕剋與迪齊·吉萊斯皮：速度與和聲的重塑 比波普的核心在於速度、復雜的和聲進行以及對傳統鏇律的解構。查理·帕剋（Charlie Parker，人稱“鳥”）和迪齊·吉萊斯皮（Dizzy Gillespie）是這場運動的雙子星。 本書將深入剖析帕剋在薩剋斯管演奏中如何運用“和弦音的替代”（Chord Substitutions）和“琶音的快速跑動”，這使得即興演奏不再僅僅是對主鏇律的裝飾，而成為瞭一種全新的、高密度的鏇律創作。我們將分析《Ko-Ko》或《Ornithology》等作品中，他們如何利用快速的八度和十六分音符，在短短幾秒鍾內完成“主題發展”的過程。 吉萊斯皮的貢獻則在於其對節奏的革新，他將鼓點從傳統的二四拍重音，轉移到更分散、更具切分感的組閤上，為後來的爵士樂（如拉丁爵士）奠定瞭基礎。本書將對比分析他們早期在五十二街酒吧的錄音，展示比波普如何從最初的“後颱實驗”走嚮舞颱中心。 第三部分：冷爵士與精緻的沉思 作為對比波普高速、高熱度的一種反思，五、六十年代冷爵士（Cool Jazz）應運而生。它更注重音色的柔和、鏇律的綫條感和結構上的精緻安排。 4. 邁爾斯·戴維斯與“調性空間”的探索 邁爾斯·戴維斯（Miles Davis）是冷爵士樂團的代錶人物，他的《Birth of the Cool》錄音室作品集，為這種風格樹立瞭標杆。本書將詳細研究這套錄音的編麯特點：減少瞭高音的尖銳感，增加瞭圓號、法國號等“古典”樂器的使用，創造齣一種室內樂般的質感。 我們著重探討戴維斯如何在這種氛圍中，運用“空間”和“沉默”作為音樂元素。《Boplicity》中的演奏，其特點是鏇律綫條的剋製與呼吸感。與比波普的“填滿所有空間”形成鮮明對比，冷爵士學會瞭如何“呼吸”。 5. 鋼琴傢的創新：從巴剋到埃文斯 在冷爵士的浪潮中，鋼琴傢也迎來瞭新的發展。本書不會探討那些偏嚮於布魯斯和硬波普的演奏傢，而是將焦點放在那些對和聲進行進行精細化處理的大師。 例如，布奇·巴剋（Butch Ballard）如何通過對和弦的“色彩化處理”，為鏇律提供一個更為豐富、但又不過分喧鬧的背景。而比爾·埃文斯（Bill Evans）則將三和弦的使用推嚮瞭極緻，他的“開放式和弦”（Open Voicings）徹底改變瞭爵士鋼琴的伴奏方式，其和聲進行充滿瞭抒情性和內省的特質，為後世的流行抒情麯和電影配樂提供瞭無盡的靈感源泉。 第四部分：硬波普與靈魂的迴歸 到瞭五十年代中期，一些音樂傢認為冷爵士過於疏離，缺乏爵士樂根植於布魯斯和福音音樂的“靈魂”。硬波普（Hard Bop）因此興起，它保留瞭比波普的復雜性，但重新注入瞭更強烈的節奏律動和布魯斯情感。 6. 亞特·布雷基與節奏的驅動力 亞特·布雷基（Art Blakey）和他的“爵士信使”（Jazz Messengers）樂隊是硬波普的旗幟。布雷基的鼓點是直接的、宣講式的，充滿瞭力量和明確的意圖。本書將分析他如何使用強烈的切分音和“重擊”（Accents）來驅動整個樂團的能量，使得即興演奏充滿瞭敘事性和宣教性。 7. 索尼·羅林斯的結構化即興 索尼·羅林斯（Sonny Rollins）在硬波普時期的作品，尤其值得深入研究。他並非像帕剋那樣依賴於快速的音符堆砌，而是專注於“動機發展”（Motivic Development）。一個簡單的鏇律動機，可以被他拆解、重建、拉伸、壓縮，最終構成一個完整且邏輯嚴密的即興段落。這種對主題材料的專注與發展，體現瞭一種高度結構化的即興智慧，與那些主要依賴華麗技巧的演奏傢形成瞭鮮明的對比。 結論：未盡的鏇律綫 通過對搖擺樂的宏大敘事、比波普的智性突破、冷爵士的精緻內省以及硬波普的靈魂迴歸的梳理，本書描繪瞭一幅二十世紀中葉美國音樂的全景圖。這些音樂傢和他們的作品，共同構築瞭現代音樂的基石，他們的影響遠遠超齣瞭爵士樂的範疇，深刻地塑造瞭流行音樂、電影配樂乃至當代古典樂的聽覺體驗。我們所迴顧的，是那些充滿活力、不斷自我革新的鏇律火焰，它們的光芒至今未曾黯淡。

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閱讀這本書的過程，與其說是“學習”，不如說是一種深入的“對話”。Wilder的音樂裏有一種特有的、略帶憂鬱卻又飽含人情味的敘事感，這在他的歌詞中體現得淋灕盡緻。雖然我關注的重點是音樂本身，但這本書對歌詞的處理同樣值得稱贊。歌詞被放置在一個非常尊重的位置，既沒有被伴奏淹沒，也沒有被過度放大，它以一種優雅的方式與鏇律綫並存。我注意到，有些歌麯的歌詞版本似乎是經過精心挑選的，可能並非流傳最廣的版本，而是最能體現歌麯情感核心的版本。這種細節的處理，讓人感覺到編者是在“講述”這個作麯傢的故事，而不是簡單地“展示”他的作品。翻閱時，我仿佛能聽到那些上世紀中葉紐約爵士俱樂部的低語，感受到那些關於愛情、失落和城市生活的復雜情緒，這本書成功地搭建瞭一座通往那個特定時代聲音景觀的橋梁，讓今天的我們也能清晰地捕捉到那份獨特的“時代感”。

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從實操角度來看，這本書的編輯質量，特彆是樂譜的精確性，是衡量一本音樂集優劣的關鍵所在。坦率地說，我非常挑剔，因為很多齣版物在轉錄過程中會齣現微小的錯誤，這些錯誤在初聽時不明顯，但一旦演奏者深入下去，就會發現和聲的微妙失衡或者節奏的不自然。然而，這本《The Alec Wilder Song Collection》的錶現是令人驚喜的。所有的記號——從力度標記（如 *p*，*mf*，*sforzando*）到演奏法（如 *legato*，*staccato*，連弓法）都標注得清晰且專業，完全符閤標準的音樂記譜法。更重要的是，我對比瞭幾個我通過其他途徑學習過的片段，發現這裏的鋼琴伴奏部分處理得尤為齣色，它不僅僅是鏇律的簡單和弦支持，而是巧妙地融入瞭Wilder作品中特有的那種室內樂般的對話感，使得即使是獨奏者也能感受到更豐富的音樂層次。這種近乎苛刻的準確性，保證瞭學習者能夠真正掌握作麯傢的原意，避免瞭學習“變異版本”的風險，這對嚴肅的音樂學習者來說，是無價的。

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我必須承認，我對這本書的初印象是基於其“收藏”二字的重量感，這不僅僅是隨便收錄瞭幾十首歌那麼簡單。裏麵的麯目選擇極為精妙，沒有那種流水綫批量生産的流行口水歌，而是沉澱下來的、帶有明顯時代烙印和個人風格的經典作品。我花瞭整整一個下午，隻是對照目錄和幾首自己熟悉的鏇律反復比對，發現編者在選取這些麯目時，一定深諳Wilder這位作麯傢的創作脈絡和心路曆程。它不僅僅展示瞭他在商業上的成功麯目，更挖掘瞭一些相對小眾、但藝術價值極高的作品，這些麯目往往更能體現他音樂哲學的深度和廣度。尤其是幾首那些結構復雜、和聲進行充滿驚喜的作品，被如此完整和準確地呈現齣來，著實讓人佩服。這感覺就像是跟著一位經驗老道的嚮導，在音樂的迷宮中被帶領，發現那些隱藏在主乾道旁的小徑，感受那些不為人知的風景。這本書的價值，在於它構建瞭一個完整的、有層次感的音樂圖景，而不是簡單的作品堆砌。

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這本書的裝幀設計簡直是藝術品，封麵采用瞭厚實的啞光紙張，觸感溫潤而富有質感，中央的插畫以一種略帶復古的素描風格呈現，描繪瞭一個似乎在昏黃燈光下沉思的音樂傢形象，綫條流暢卻不失力量感，仿佛能透過紙麵感受到音符的流動。字體排版更是考究，標題“The Alec Wilder Song Collection”采用瞭優雅的襯綫字體，大小和間距的拿捏恰到好處，既保證瞭清晰度，又流露齣一種古典的韻味。我特彆喜歡內頁的紙張選擇，它不是那種刺眼的純白，而是略帶米黃的暖色調，即便是長時間閱讀或翻閱，眼睛也不會感到疲勞，這種對細節的極緻追求，無疑提升瞭整本書的收藏價值。裝訂處采用瞭綫圈裝訂，展開平整，這對於樂譜集的實用性來說至關重要，無論是放在鋼琴架上還是抱著吉他研讀，都能輕鬆定位到任何一頁，不會有書頁閤攏的睏擾。總而言之，從拿到手的第一個瞬間起，就能感受到齣版方在製作過程中傾注的心血，它不僅僅是一本樂譜的集閤，更像是一件精心打磨的工藝品，讓人愛不釋手，每一次翻閱都成為一種享受，這種對物質形態的重視，往往預示著內容本身也應是精品，讓人對接下來的內容充滿期待和敬畏。

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坦白講，市場上充斥著大量的“精選集”或者“精簡版”，它們往往為瞭追求篇幅的精簡而犧牲瞭音樂的完整性和深度，要麼是簡化瞭和聲，要麼是刪減瞭間奏。這本書完全避開瞭這種陷阱，它提供的是一種“完整體驗”的承諾，並且兌現瞭這個承諾。從麯目的廣度來看，它涵蓋瞭不同時期和不同風格的創作，展示瞭Wilder在麵對不同主題時所展現齣的音樂適應性和創造力。我個人尤其欣賞它對配器記號的尊重，即使是標注為“鋼琴/聲樂”，其鋼琴聲部的處理也絕非敷衍瞭事，它保留瞭許多原版編麯中原本復雜的對位和織體，這為那些希望將這些作品改編成更大型樂團或進行深入二次創作的音樂傢提供瞭堅實的基礎。購買這本書，就像是為自己的音樂資料庫購置瞭一件“基石”級彆的藏品，它不僅能滿足我眼下的演奏需求，更能在未來我不斷成熟的過程中，持續提供新的解讀空間和學習價值，它經得起反復推敲和時間考驗，是真正麵嚮專業和深度愛好者的版本。

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