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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:1152

译者:

出版时间:

价格:232.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9781423400059

丛书系列:

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现代音乐理论与实践：和声、对位与配器深度解析 本书旨在为严肃的音乐学习者、作曲家及编曲人士提供一套全面、深入且高度实用的现代音乐理论框架。本书内容聚焦于西方十二平均律体系下的和声进行、复调写作的逻辑，以及如何将这些理论应用于管弦乐队、流行乐队乃至电子音乐的实际配器之中。全书内容严谨，逻辑清晰，力求突破传统音乐教材的理论僵化，强调理论与创作实践的紧密结合。 --- 第一部分：深度和声学——超越基本三和弦 本部分将彻底解构传统功能和声，并将其延展至二十世纪及当代的和声手法。我们不仅会探讨古典时期的调性关系，更会深入分析如何利用色彩和声（Color Chords）来丰富音乐的层次感。 第一章：功能和声的再审视与拓展 本章首先回顾基础的三和弦、七和弦的构造与功能（主、属、下属关系）。随后，我们将重点讲解“替代和弦”的运用。这包括三全音关系替代（Tritone Substitution）在爵士乐与电影配乐中的广泛应用，以及如何通过副属和弦（Secondary Dominants）来平滑地导向远关系调性。 第二章：九、十一、十三和弦的精确构建与听感 本章不再满足于将九、十一、十三和弦视为简单的“装饰音”，而是将其视为具有独立功能和独特音色的和声实体。我们将详细分析这些和弦中导音（Tension Tones）的引入、解决与保留技术。特别关注如何处理小九和弦（Minor Ninth）与增五十一和弦（Augmented Eleventh）在营造模糊或紧张感时的最佳位置选择。我们将配有大量实例，展示如何通过对这些和弦进行“根音移动”或“内声部重排”来创造全新的和声色彩。 第三章：非功能性与集合理论和声 进入现代和声的领域，本章引入集合理论（Set Theory）的基础概念，用以分析无调性音乐或高度半音化和声。我们将探讨音高类（Pitch Class Sets）、特里斯坦和弦（Tristan Chord）的结构解析，以及如何利用全音阶（Whole-Tone Scale）和八度音阶（Octatonic Scale）来构造具有强烈色彩的块状和声（Block Chords）。目标是让读者理解，即使在无调性环境中，音乐依然遵循着内在的逻辑结构。 --- 第二部分：复调写作的艺术——对位法与织体构建 对位法（Counterpoint）是理解音乐逻辑的基石。本部分将从巴赫的二部、三部对位法入手，逐步过渡到复杂的赋格曲结构，并将其理论应用于现代的编曲织体设计中。 第四章：严格对位法（Species Counterpoint）的精研 本书采用对位法“五种范式”（Five Species）的教学方法，但侧重点在于对“运动性”的理解。我们不仅学习如何避免平行五度、八度，更要理解不同音符间节奏的交织与旋律线的独立性。针对高级学习者，本章会加入“反向对位”（Inversion）和“转位”（Retrograde）的实际写作练习。 第五章：赋格曲的结构与声部布局 赋格曲（Fugue）是检验作曲家对位思维的试金石。本章详细拆解呈示部（Exposition）中主导动机（Subject）的引入、应答（Answer）的真实与模仿关系，以及如何巧妙地进行中段（Middle Entries）的展开。重点在于如何保持声部的独立性，同时确保整体和声的连贯性，即便在复杂的复调交织中，听众依然能清晰地追踪各个声部的“个性”。 第六章：织体设计与现代复调的应用 本章讨论如何将古典对位思维转化为现代编曲中的“织体”（Texture）。我们将分析如何利用密集/稀疏的织体变化来控制音乐的能量流。例如，在流行音乐中，如何用低音吉他和鼓组建立坚实的节奏对位，同时让主音吉他与键盘演奏出相互渗透的旋律片段。我们将探讨序列主义（Serialism）在构建复杂对位织体时的应用，以及如何使用随机过程（Aleatoric Techniques）来模拟“受控的混乱”。 --- 第三部分：配器学的科学与美学——从木管到合成器 配器（Orchestration）是将理论转化为听觉现实的关键环节。本部分专注于不同乐器组的声音特性、音域限制以及它们之间最有效的组合方式。 第七章：管弦乐队的色彩矩阵与混合 本章首先提供精确的乐器音域图谱（Range Maps）和动态范围（Dynamic Profiles）。重点不再是简单的“谁来演奏哪个音高”，而是“什么音高组合在一起时，能产生特定的音色效果？”我们将深入分析： 1. 木管组的交响： 单簧管与双簧管的融合技巧，以及长笛的高音区如何作为“光点”使用。 2. 铜管组的冲击力： 小号与圆号在不同调性上的音色差异，以及如何利用弱音器（Mutes）创造戏剧张力。 3. 弦乐组的层次： 区分Divisi（分奏）与Unison（齐奏）在饱满度上的区别，以及使用不同的弓法（如Sul Ponticello, Col Legno）所产生的听觉后果。 第八章：现代节奏组与电子音色编排 本章聚焦于非传统管弦乐团的配器，特别是现代流行、摇滚和电子音乐的编排。 1. 鼓组的层次化： 如何为底鼓（Kick）、军鼓（Snare）和镲片（Cymbals）分配不同的频率空间，确保节奏的清晰度。 2. 合成器声音设计基础： 介绍减法合成（Subtractive Synthesis）的基本原理，讲解包络（Envelope）、低频振荡器（LFO）和滤波器（Filter）如何塑造一个声音的“生命周期”。我们将展示如何设计出既有冲击力又不会与人声或主旋律冲突的贝斯音色。 3. 电吉他的空间布局： 清音（Clean Tone）的立体声扩展，失真（Distortion）的频率切割，以及延音（Delay）和混响（Reverb）在配器中的空间定位作用。 第九章：动态与平衡的控制——“听力训练”的实践 最终的配器成果取决于对动态平衡（Dynamic Balance）的掌握。本章提供实用的听觉测试练习，教导读者如何在混音环境中判断“哪个乐器太靠前，哪个声音太靠后”。我们将讨论对位配器（即让不重要的声部在低动态或特定音区中运行）的技术，确保关键旋律永远清晰可闻。本书提供大量的“反面教材”分析，揭示那些看似宏大实则混浊的配器错误，引导读者走向清晰、有力且具有情感深度的音乐呈现。 --- 本书为高级学习者量身打造，假设读者已具备基础乐理知识。它不是一本速成手册，而是一份深入探索音乐结构与声音魔力的工具箱。通过对和声、对位、配器的三位一体的深入探讨，读者将能构建出更加逻辑严密、情感丰富、技术精湛的原创音乐作品。

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我是一个对乐谱的视觉呈现有着偏执要求的人，我无法忍受那些用Word文档拼凑、格式混乱的网络资源。这本《Guitar Tab White Pages》在视觉层面上，至少达到了一个“专业出版物”应有的水准。纸张的质地很好，油墨清晰，即使在昏暗的排练室灯光下，六线谱上的数字和符号也分辨得一清二楚。我最看重的是它对**和弦指法图**的处理。对于一些复杂的、横按太多的和弦，它不仅给出了指法图，还标注了指尖的按压位置，这对于我这种手指力量不太够的乐手来说，极大地降低了入门的挫败感。它让那些看似遥不可及的复杂和声变得触手可及。更进一步来说，它在收录曲目时，明显做了风格上的平衡处理，没有过度偏向某一个年代或某个流派，这使得它在乐队合奏排练时，成为了一个多功能的工作台。我们团队想快速学习一首风格跨度很大的歌曲时，翻开它总能找到一个可靠的参考版本。但是，作为一个长期使用标准五线谱的人，我不得不抱怨，这本书对五线谱的引用少得可怜，很多地方仅仅是以Tab谱为主导。这对于那些希望通过学习Tab谱的同时，提升五线谱阅读能力的乐手来说，是一个潜在的障碍。Tab谱虽然直观，但它无法直观地告诉你音高的相对关系和乐理结构，它告诉你“按这里”，却不告诉你“为什么是这里”。所以，这本书在“提升吉他手的综合音乐素养”方面，显得有些保守和保守，它提供的是**路径**，而不是**地图**。

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这本书的体积和重量，让我每次搬动它都像是在进行一次小的负重训练，但正是这种物理上的“沉重感”，无形中提升了它在我心中的“含金量”。我买它，是希望能获得一个在技术层面上无懈可击的**参考标准**。它的价值不在于教会我如何弹吉他，而在于提供了一份**准确无误的指引**，告诉我那些大师们的指尖到底拂过了哪些琴弦。我拿它来对比过几首我个人非常喜欢的、但网络上流传的谱子存在明显错误的曲目。令人欣慰的是，在这本“白皮书”中，那些关键的转调点、特殊的调音设置（比如Drop D或者Open G），都有明确的指示，这避免了我在尝试弹奏时因为调音错误而产生的巨大挫败感。它非常注重细节，比如某些段落需要使用拨片（Pick）还是手指（Fingers）演奏，也做了区分，这种对演奏手法的关注，让我觉得它不仅仅是音符的堆砌。不过，如果以一个“学生”的角度来看待它，我会认为它的知识结构是扁平化的。它平等地对待了一首极其复杂的史诗级作品和一个简单的三和弦流行歌曲，没有提供难度分级或者进阶路径。对于一个刚开始学习指弹（Fingerstyle）技巧的新手来说，直接面对书中的一些复杂指法，很可能会被瞬间劝退。它更像是一个博物馆的藏品目录，所有的珍品都摆在那里，等待有足够知识和技艺的人去解读和欣赏，而不是一个手把手的教学导览员。购买它，是为了拥有一个**终极的校对工具**，而非一个入门向导。

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说实话，当我拆开那层塑料包装，看到这本厚得离谱的乐谱集时，我的第一反应是敬畏，第二反应是头疼。这东西的重量，让我严重怀疑出版商是不是在里面塞了铅块来增加质感。我买它的主要诉求是想要一个能让我彻底告别网络临时打印、追求稳定和便携的**参考源**。在这一点上，它无疑是成功的。它的装订质量出乎意料地坚固，即使我把它平摊在沉重的谱架上，它也没有表现出任何要散架的迹象，这对于经常被我翻开又合上的乐谱来说太重要了。我用它来核对了一些我记忆中可能有偏差的老歌片段，发现它在基础的音高和节奏上极少出错，这一点值得称赞，因为它在“权威性”上给自己定了很高的基调。然而，我们必须正视“Tablature”（六线谱）的局限性，而这本书把这种局限性放大了。它完全依赖数字指示，对于那些需要高度依赖听觉和乐感才能把握的细微处理——比如特定风格的“推弦颤音”（Vibrato）的幅度、滑音的快慢——它能做的只是用箭头和标记来暗示，效果远不如一段高质量的音频示范。我尝试跟着书上的谱子弹奏了几段Funk的切分节奏，虽然音符是对的，但听起来总像是在背诵课文，缺乏那种流畅的“律动感”。这迫使我不得不又回到YouTube上搜索原曲来对比节奏。所以，这本书更像是一个**精准的速记本**，记录了音符的位置，但“演奏的艺术”部分，它依然要求学习者自行去发掘和体悟。如果你是那种追求完美复刻录音棚版本的硬核玩家，这本书是你的基础工具；但如果你想学习如何**即兴**或者**理解**音乐背后的情感，它提供的引导就比较有限了。

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这本号称“吉他谱白皮书”的乐谱集，对于我这种业余摸索了几年，一直靠着零散的网上资源和二手教材学习的人来说，简直是如获至宝，但我得承认，期望值和实际体验之间还是存在一些微妙的落差。首先，它在曲目的选择上展现了一种近乎“百科全书式”的野心，横跨了摇滚的黄金时代到现代的独立思潮，从布鲁斯根源到金属的狂躁，简直像是在一个巨大的唱片店里随机抽取了一张张唱片。我翻阅的瞬间，那种厚重感——不仅仅是纸张的克数，更是乐谱所承载的历史重量——确实让人肃然起敬。它收录了大量那些在各大吉他论坛上被奉为“必学圣经”的经典solo片段和Riff，那些曾经让我绞尽脑汁去扒的乐句，现在清晰地呈现在眼前，排版考究，制谱师似乎也下了不少功夫确保指板图示的准确性，尤其是对于一些复杂的三连音和推弦技巧，标注得相当到位。我尤其欣赏它在不那么主流的七十年代前卫摇滚部分的处理，很多曲目我已经很久没在其他资源里见到了。然而，这种广度也带来了深度上的妥协。当你试图深入某个特定流派，比如七十年代后期的美式放克（Funk）的律动时，你会发现虽然有几个例子，但似乎只是蜻蜓点水，缺乏对律动细微差别的深入解析，更像是目录而非精讲。对于初学者来说，它提供的和弦图谱和基础练习部分，相比起专门的入门教材，显得有些过于简洁，更像是为那些已经掌握了基本乐理和指法的人准备的参考工具箱。总而言之，它是一部宏伟的“吉他文化纪念碑”，但想靠它实现“从零到精通”的飞跃，可能还需要辅以其他更具针对性的学习材料。

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天呐，我得说，这本《Guitar Tab White Pages》简直就是我书架上最“压手”的存在，与其说它是一本书，不如说它是一块砖头，而且是一块充满了六线谱的、厚度惊人的砖头。我买它的主要目的，是想一劳永逸地解决我那堆积如山的“未竟之曲”清单。你知道，就是那种你听了无数遍，却总也弹不出那个“神韵”的曲子。这本书的优点，显而易见：它提供了海量的曲目，数量上绝对能让你在未来几年内保持忙碌。排版是那种经典的、密密麻麻的、需要戴上老花镜才能看清的风格，这让我产生了一种莫名的“专业感”——仿佛只有这种密集的符号才能承载摇滚乐的灵魂。我特别试弹了几个公认难度极高的独奏部分，比如某个八十年代速度金属的经典桥段，书里的记谱逻辑清晰，至少在音符的准确性上，它达到了一个相当高的标准，让你能清楚地知道哪个音符需要做延音，哪个是击勾（Hammer-on）。但是，这种“白皮书”的特点在于它更像是一个**记录者**，而非**指导者**。它忠实地记录了乐手的演奏，却很少介入“如何练成”这个环节。例如，对于那些需要精确扫弦节奏的乡村蓝调曲目，谱子上只写了“Down, Up, Down-Up”，但真正的问题在于扫弦的力度和角度，这本书在这方面是保持沉默的。如果你是一个习惯了带有详细练习指南和技巧分解的教材的乐手，你会觉得它有点冷漠。它把所有的知识点都摆在了你面前，然后拍拍你的肩膀说：“自己努力吧，天才。”它确实填补了我曲库中的空白，但对于我的演奏技巧提升而言，它的贡献更多是“清晰可见”而非“立竿见影”。

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