具体描述
Volume 1 introduces the intermediate pianist to the basic chord-types used in jazz, from major and minor triads to seventh and ninth chords. Other topics include: Chord/scale relationships, modes, broken chord and scale patterns, pentatonic and blues scales, walking bass lines, Latin rhythms and bass lines, the diatonic cycle, secondary dominants, II V I sequences, horizontal and vertical improvisation, tritone substitution, two-handed voicings, rootless voicings, technical exercises and fingering, accompaniment styles, ear-training, discography (suggested listening). 28 pieces by the author appear alongside special arrangements of well-known jazz standards, including: Autumn Leaves * Fly Me to the Moon * In a Sentimental Mood * Mannenberg * On Green Dolphin St (Part 1) * Ornithology * Song for My Father * Straight No Chaser * Take the A Train. Also included are transcribed solos by Thelonious Monk and Horace Silver, an invaluable source of authentic jazz techniques.
作者简介
目录信息
读后感
评分
评分
评分
评分
用户评价
这本书的阅读体验非常私人化，仿佛作者是在与我进行一场跨越时空的、关于钢琴艺术的深度对话。我欣赏作者在书中展现出的那种罕见的平衡感——既有严谨的学术深度，又不失演奏者特有的激情和灵动。特别是在讨论“触键”（Touch）和音色控制的部分，作者的描述达到了近乎诗意的境界。他没有使用那些老套的形容词，而是通过描述指尖与琴键接触时微妙的重量转移、回弹力度与踏板使用的复杂互动，来阐述如何塑造出具有个人辨识度的音色。这种对物理感受的细致捕捉，是其他任何侧重于和弦与音阶的书籍都无法企及的。我根据书中的建议调整了我的练习方式，不再过度关注速度和复杂性，而是把精力集中在如何让每一个弹出的音符都带有明确的“意图”和“重量”。结果是，我的演奏听起来不再那么“机械化”，而是开始展现出更丰富的情感层次。这本书不仅是一本技术手册，它更是一本关于“如何成为一个更具感知力的音乐家”的指南。它鼓励我走出书本的框架，去真正地感受音乐的流动与生命力。对我而言，这是一次里程碑式的学习经历。
评分我必须承认，我是在一个非常迷茫的阶段接触到这本书的，当时我对自己的演奏陷入了一种瓶颈期，感觉无论怎么练习，都像是在原地打转，缺乏那种真正的“个人声音”。这本书的出现，简直像是一道闪电，照亮了我前方的道路。它的结构安排非常巧妙，从基础的和声进行开始，但绝不满足于基础，而是迅速引导读者进入到更深层次的和声替代和色彩运用之中。我最欣赏的是作者对于“空间感”的强调。他反复提到，钢琴演奏不仅仅是把音符弹对，更重要的是在音符与音符之间留白，让音乐“呼吸”。这种理念，我以前在很多教材中只是一扫而过，但在这本书里，它被提升到了核心地位，并且提供了大量实用的练习方法来培养这种空间感。书中介绍的那些关于琶音和分解和弦的变体练习，看似简单，但当你真正带着“呼吸”和“叙事”的概念去练习时，你会发现自己的手指和大脑开始以一种全新的方式协同工作。此外，书中对“即兴创作”的讨论也极其务实，没有空泛地谈论灵感，而是提供了一套清晰的、可操作的框架，让你知道如何在既有的和声结构中构建出属于自己的旋律线条。读完这本书，我感觉自己不再只是一个“弹琴的人”，而是一个正在学习“讲故事的人”。它极大地拓宽了我的音乐视野，让我对未来充满期待。
评分这本书的排版和内容组织方式，让我立刻意识到这不是一本快速消费的指南，而是一部需要沉下心来研读的经典。我发现，作者在讨论每一个技术点时，都会追溯到它在爵士乐历史演变中的源头，这使得学习过程充满了历史的厚重感和逻辑的严谨性。例如，在讲解特定的“和弦转位”技巧时，作者会引述早期摇摆乐（Swing）时期大师们如何使用这个转位来制造驱动力，然后过渡到比波普（Bebop）时期如何用更复杂的转位来增加线条的张力。这种纵向和横向的交织，让知识点不再是孤立的，而是构成了一个有机的知识网络。我尤其喜欢书中对“织体”（Texture）的分析。作者不是简单地告诉你左手应该如何伴奏，而是深入剖析了不同织体在营造音乐氛围中的作用，从稀疏的单音线条到饱满的四部和声，每一种选择背后都有其明确的目的性。这种深度分析，极大地提升了我对“聆听”的敏感度。现在，当我再次去听那些经典录音时，我能分辨出乐手们在不同段落如何细微地调整他们的织体和密度来服务于整体的音乐叙事。这本书是一把钥匙，它为我打开了理解复杂爵士乐编排和即兴思维的密码锁。
评分这本书，说实话，我拿到手的时候，心里是有点忐忑的。毕竟现在市面上关于音乐理论和演奏技巧的书籍汗牛充栋，能真正触动人心的少之又少。我一开始是抱着试试看的心态翻开的，没想到的是，它一下子把我拉进了一个我从未完全领略过的音乐世界。这本书的叙事方式非常独特，它不是那种冷冰冰的公式堆砌，更像是一位经验丰富的老乐手，坐在你身旁，手里拿着琴，一边弹奏，一边用他的人生阅历来跟你讲述每一个和弦背后的故事。我特别欣赏作者对于节奏处理的细腻描摹，那种对律动的把握，简直到了出神入化的地步。他用非常生动的比喻来解释那些看似复杂的切分音和复节奏，让原本晦涩的理论瞬间变得鲜活起来，仿佛我能直接在脑海中听到那种“跳跃”的感觉。更让我惊喜的是，书中穿插了许多关于历史上几位大师的轶事和他们对音乐哲学的思考。这使得整本书的厚度不仅仅停留在技巧层面，更上升到了对音乐本质的探讨。每次读完一个小节，我都会忍不住放下书，走到我的键盘前，尝试着去模仿书中所描述的那种“呼吸感”。这本书更像是我的一个私人导师，它教我的不仅仅是“怎么弹”，更是“为什么要这样弹”，以及“如何在自己的演奏中找到声音的灵魂”。对于任何一个渴望突破自我、真正理解音乐深层脉络的演奏者来说，这本书提供了一种全新的视角，让你不再是技术的奴隶，而是音乐的驾驭者。
评分说实话，我对很多技术类书籍的观感是“学完就忘”，因为它们通常过于偏重“做什么”而忽略了“为什么”。但《探索爵士钢琴》这本书，彻底颠覆了我的这种体验。它最成功的地方在于，它把枯燥的和声学理论，像解谜游戏一样呈现出来。作者没有直接给出答案，而是引导你通过一系列精心设计的练习和思考题，自己去“发现”那些和声规律。这种主动学习的过程，带来的记忆深度是无可比拟的。我记得有一次，我卡在一个特定的七和弦延伸音上，怎么都觉得弹出来很别扭。翻到书中的那一页时，作者用了一种非常直观的几何图形来比喻这个和弦的结构张力，瞬间茅塞顿开。那种清晰感，比单纯死记硬背音符的组合要强大得多。此外，这本书对不同风格的融合讨论也极其到位。它并不武断地划分流派，而是展示了从新奥尔良爵士到融合爵士（Fusion）之间，哪些核心元素得以保留，哪些又被创新性地改造了。这让我不再局限于模仿某一个特定时期的演奏风格，而是学会了如何灵活地在自己的音乐语言中汲取营养。它教会了我如何批判性地看待音乐，如何构建自己的审美体系。
评分 评分 评分 评分 评分相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2026 qciss.net All Rights Reserved. 小哈图书下载中心 版权所有