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出版者:Starword

作者:Barry Salt

出品人:

页数:351

译者:

出版时间:2003-9-15

价格:USD 34.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780950906621

丛书系列:

图书标签:

• 电影理论
• 电影技术
• 电影
• Cinema
• 【外文版】
• 电影史
• 电影研究
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• Cinematography
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《光影织梦：电影美学与制作技艺的探索》 这是一部关于电影艺术的深度剖析，它将引领读者走进光影的奇妙世界，探寻电影创作的核心密码。本书并非聚焦于某一部具体的电影，而是将目光投向电影语言的底层逻辑，以及支撑这些语言得以实现的精湛技艺。它旨在揭示电影是如何通过一系列精心设计的元素，唤起观众的情感，传递思想，并最终在银幕上创造出令人难忘的视听体验。 本书的写作初衷，源于对电影作为一种独特艺术形式的深深敬畏，以及对其背后复杂而迷人的制作过程的强烈好奇。我们希望通过这本书，打破那些认为电影艺术遥不可及的神秘感，让更多人理解电影制作的专业性与创造性，认识到每一帧画面、每一个镜头背后所蕴含的匠心独运。 在内容构成上，《光影织梦》将围绕电影创作的两个核心维度展开：美学追求与技术支撑。这两个维度并非相互独立，而是紧密交织，共同塑造着电影的最终形态。 一、光影的诗学：电影美学的设计与叙事 这一部分将深入探讨电影如何通过其独特的美学语言来构建叙事和表达情感。我们将从以下几个层面进行阐释： 构图的呼吸： 学习电影构图的黄金法则与创新运用。从经典的“三分法”、“对称构图”，到更具表现力的“引导线”、“景深”等，我们将分析这些构图方式如何引导观众视线，强化情感表达，并为画面注入生命力。我们会探讨不同景别（远景、全景、中景、近景、特写）在叙事功能上的差异，以及它们如何构建人物与环境的关系，暗示人物心理状态。 色彩的情书： 剖析色彩在电影中的魔力。我们将研究色彩的心理学效应，探讨不同色彩搭配所能唤起的特定情绪，例如蓝色系的冷静、红色系的激情、绿色系的自然。同时，我们也会分析电影中如何运用色彩来区分不同场景、人物，甚至是扮演象征意义的角色。从滤镜的使用到后期调色，色彩是电影叙事不可或缺的组成部分。 运动的旋律： 探索镜头运动的语言。本书将细致分析各种镜头运动，如摇镜头（pan）、推拉镜头（tilt）、轨道镜头（dolly）、跟拍镜头（tracking shot）等。我们会讲解这些运动如何创造动态感，引领观众探索场景，强调人物动作，或营造悬念。镜头运动不仅仅是技术的展示，更是情感的放大器。 剪辑的节奏： 理解剪辑作为电影“第二次创作”的重要性。我们将分析不同剪辑手法，如连续性剪辑（continuity editing）的流畅自然，蒙太奇（montage）的跳跃性叙事，交叉剪辑（cross-cutting）制造的平行叙事与紧张感。剪辑决定了影片的节奏、情绪的起伏以及信息的传递效率，是构建电影叙事骨架的关键。 声音的画外之音： 探索声音设计在电影中的地位。本书将讲解对白、音效、背景音乐（BGM）以及寂静（silence）如何在电影中发挥作用。我们将分析声音如何创造氛围，揭示人物内心，甚至直接推进剧情。音效不仅仅是“听”起来真实，更在于它如何与画面协同作用，构建出一个完整的听觉世界。 二、器械的灵魂：电影制作的技艺与革新 在美学理念得以实现的背后，是无数电影人对技术的不懈追求与创新。本部分将聚焦于支撑电影创作的各类技术与工具： 影像的捕捉： 从胶片到数字，探讨电影摄影技术的演进。我们将审视电影摄影机的关键技术参数，如感光度（ISO）、光圈（aperture）、快门速度（shutter speed），以及它们如何影响画面质感、景深与运动的呈现。本书还将介绍镜头（lens）的种类及其光学特性，如焦距（focal length）、畸变（distortion）等，它们如何塑造空间感和视觉风格。 光线的魔法： 深入解析电影照明艺术。我们将学习如何运用三点布光（three-point lighting）、侧光、逆光等经典布光方法，以及它们在创造立体感、氛围感和突出人物特征上的作用。本书还将探讨硬光与柔光的区别，以及如何通过控制光线方向、强度和色彩来塑造画面的情绪基调。 场景的构建： 讨论美术设计（production design）与摄影的协同。从场景的选址、搭建，到道具的细节，再到人物的服装与化妆，所有这些视觉元素都在共同构建电影的世界观。我们将分析它们如何服务于叙事，如何传达时代背景、社会环境和人物性格。 后期制作的精雕细琢： 揭示后期制作在电影完成过程中的关键作用。本书将涵盖剪辑、声音设计、视觉特效（VFX）、调色等环节，并探讨它们如何将前期拍摄的素材转化为最终呈现在银幕上的作品。我们会关注特效技术是如何融入叙事，而不是仅仅作为视觉奇观的堆砌。 技术的边界拓展： 展望电影技术的未来发展。从3D摄影、虚拟现实（VR）与增强现实（AR）在电影中的应用，到人工智能（AI）在剧本创作、特效制作等方面的潜力，我们将探讨技术如何不断重塑电影的表达方式与观众的观影体验。 《光影织梦》并非一本纯粹的技术手册，也不是一本空泛的美学评论集。它致力于在美学追求与技术实现之间搭建一座桥梁，让读者在欣赏电影的艺术魅力的同时，也能理解并欣赏到支撑这一切的幕后英雄——那些精湛的技艺与不懈的创新。本书将通过大量的案例分析，结合理论阐述，引导读者以一种全新的视角去观看电影，去感受光影的律动，去品味技术的温度。无论您是电影爱好者、 aspiring 电影工作者，还是对艺术创作充满好奇的探索者，本书都将为您打开一扇通往电影深邃世界的大门。

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这本书的标题是《Film Style and Technology》，但当我翻开它，期望看到对电影美学元素如何被技术驱动的深入剖析，或是某个特定技术（比如摄影机、灯光、剪辑软件）如何塑造了某个时期电影风格的案例研究时，却发现它讲述的完全是另一回事。书中的内容仿佛是作者跳过了所有关于“形式”和“技术”的直接讨论，转而深入到了一系列看似毫不相关的领域。举个例子，其中一章详细地探讨了19世纪末欧洲各国的殖民政策，从经济利益、地缘政治博弈到文化输出的策略，都分析得头头是道。我尝试着去理解，这些内容与“电影风格”和“技术”之间究竟存在怎样的联系？难道是说，电影作为一种文化产品，其风格和技术的演进，受到当时国际政治格局的间接影响？或者，电影在早期被视为一种新的“殖民”工具，用来传播特定意识形态和生活方式？书中虽然没有直接点明，但字里行间流露出一种宏大的历史观，试图将电影的诞生和发展置于更广阔的社会、经济、政治语境中去理解。这让我颇感意外，也有些许困惑。我期待的是能够指导我分析具体影片的理论框架，但得到的却是关于历史背景的宏大叙事，这无疑是对我原有阅读预期的极大颠覆。

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当我翻到《Film Style and Technology》关于20世纪初的社会学理论，特别是马克思主义对阶级斗争和社会结构的分析时，我感到更加意外。我原本以为会看到关于电影如何反映社会现实，或者某些电影类型（如社会现实主义电影）如何表达政治立场。然而，书中深入探讨了资本主义的运作机制、意识形态的控制以及社会矛盾的根源。我开始猜测，作者是不是想通过这种方式来解释，为什么电影在20世纪初会迅速发展成为一种强大的意识形态工具？电影所呈现的“风格”，是否与某个特定阶级的文化偏好有关？电影的“技术”，是否又服务于某种经济和政治目的？书中还提到了大众文化和精英文化的区分，这让我联想到，电影在发展过程中，是如何在商业化和艺术性之间寻求平衡，以及如何影响和塑造不同社会群体的文化认同。但作者的论述非常宏观，并没有具体到电影的某个技术细节或风格特征，我只能在一片宏大的历史叙事中去寻找与电影相关的蛛丝马迹。

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当我翻到《Film Style and Technology》的第三部分时，简直以为自己拿错了书，这部分内容竟然是关于19世纪末到20世纪初的城市规划和建筑发展。我反复核对了封面和封底，确认书名无误。书中详细描述了当时西方城市如何从工业化带来的混乱和拥挤中寻求秩序与美感，例如对宽阔林荫大道的规划、公共建筑的风格统一、以及功能分区的重要性。我开始费力地寻找其中的逻辑链条：难道是说，现代电影院的建筑设计，以及其内部的观影体验，受到当时城市公共空间设计理念的影响？又或者，电影本身所创造的“空间感”和“环境营造”，与城市规划中的“空间秩序”有着某种暗合之处？书中也谈到了立体派和包豪斯等现代主义艺术流派对建筑的革新，这让我眼前一亮，因为我对这些流派在电影史上的影响有所了解。但问题在于，书中对建筑和城市规划的讨论，并没有明确地指向电影，而是作为一种独立的、深入的分析呈现。我只能自行脑补，电影的剪辑如何制造出不同的空间体验，摄影机的运动如何模拟建筑的视角，场景的布置如何体现一种“城市美学”的理念。这是一种非常间接、需要读者自行大量“脑补”的写作方式，让我感觉作者是在抛出一个个历史碎片，而读者需要自己去拼凑出与电影相关的图景。

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《Film Style and Technology》的某一章节，竟然深入探讨了19世纪末20世纪初的音乐发展，特别是印象派音乐（如德彪西）和早期现代音乐（如勋伯格）的出现。我当时非常困惑，为什么一本关于电影的书会花大量篇幅去分析音乐的变革？我本以为会看到电影配乐如何随着技术发展而演变，或者某些音乐风格如何影响了电影的叙事节奏和情感表达。然而，书中对音乐的分析，完全是音乐史层面的，详细阐述了和声的解构、节奏的自由化、以及音色探索等。我开始尝试将这些音乐概念与电影语言联系起来：印象派音乐的朦胧、流动的特质，是否可以类比于某些电影中模糊的叙事线索和梦境般的画面？而早期现代音乐的破碎、非线性结构，又是否预示了电影剪辑和蒙太奇手法的创新？书中还提到了音乐与绘画、文学等其他艺术形式之间的互动，这让我联想到，电影作为一个综合艺术，其风格的形成，很可能也是受到当时其他艺术领域变革的深刻影响。但依旧是那种“弦外之音”的感觉，作者没有明说，我只能根据自己的理解去猜测。

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当我看到《Film Style and Technology》中关于19世纪末的心理学发展，特别是弗洛伊德的精神分析理论的章节时，我彻底颠覆了对这本书的预期。我本以为会看到关于电影如何利用观众的心理，或者某些剪辑技巧如何触发观众的情感共鸣。然而，书中详细解释了潜意识、压抑、梦的解析等概念，并分析了这些理论对当时社会思想的影响。我开始思考，这是否意味着电影，作为一种高度依赖视觉和听觉刺激的媒介，能够直接触及观众的潜意识层面？电影中的象征、隐喻，是否与弗洛伊德所说的“象征性表达”有相似之处？书中还探讨了梦境的非线性、跳跃性叙事，这不正是电影蒙太奇的某种早期形态吗？作者似乎在暗示，电影的某些“风格”和“技术”，其实是无意识地呼应了当时心理学领域最前沿的探索。但这种联系是如此间接，以至于我需要花费大量精力去进行推演和类比。

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《Film Style and Technology》的某一章，竟然转向了对19世纪航海技术和地理大发现的详尽描述。我当时真是有点抓狂，这到底和电影有什么关系？我期待的是对摄影机镜头、胶片感光度、剪辑台上的齿轮咬合、或者是后期调色技术的细致讲解。然而，书中详细讲述了远洋帆船的结构、导航仪器的发展、以及探险家们如何绘制地图、征服未知海域。我费尽心思去寻找其中的关联：难道是说，电影在早期，“探索”和“发现”的精神，与地理大发现有着某种精神上的呼应？电影所呈现的异域风光，是否与探险家的发现有着类似的视觉冲击力？又或者，电影的“摄影机运动”，是否可以被视为一种“视觉导航”，带领观众穿越不同的空间和时间？书中也谈到了当时对“新大陆”的想象和描绘，这似乎可以类比于电影所构建的虚构世界。但我仍然觉得，这种联系是如此的曲折和间接，我花费了大量时间去揣摩作者的意图，但始终没有得到一个清晰的答案。

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《Film Style and Technology》这本书，竟然在其中一章详细讨论了19世纪末印刷术和大众传媒的兴起。我一开始觉得这与电影的“风格”和“技术”似乎关系不大，更像是在讲述媒体史。书中描述了报纸、杂志等印刷品如何以前所未有的速度和规模传播信息，如何塑造公众舆论，以及如何催生了新的叙事方式和阅读习惯。我开始思考，电影作为一种更具冲击力的视觉媒体，是否在某种程度上继承或发展了印刷媒体的某些功能？例如，新闻纪录片是否就是电影对早期新闻报道功能的延续？又或者，电影的叙事结构，是否受到当时小说等文学体裁的启发，并在此基础上有所创新？书中也提到了印刷术在知识传播和普及方面的作用，这或许可以类比于早期电影在向大众普及视觉文化方面所扮演的角色。但作者并没有明确将这些印刷媒体的特质与电影的“风格”或“技术”直接挂钩，我仍然需要自己去建立这种联系。

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在阅读《Film Style and Technology》的过程中，我遇到的另一大惊喜（或者说惊吓）是，书中居然花费了相当大的篇幅来讨论18世纪启蒙运动时期欧洲的哲学思潮。一开始，我完全摸不着头脑，哲学家们的理性主义、经验主义、甚至是浪漫主义的萌芽，与电影的“风格”和“技术”能有什么关系？然而，随着阅读的深入，我开始捕捉到一些模糊的线索。比如，书中详细介绍了康德的“物自体”概念，以及其对人类感知世界的局限性的探讨。这让我联想到，电影在早期作为一种新兴的视觉媒介，是否也在尝试突破人类固有的感知方式？它所呈现的“现实”是真实的复制，还是经过了某种过滤和重塑？书中也讨论了卢梭对自然主义和情感表达的推崇，这似乎可以类比于某些电影风格对情感的直接、强烈抒发，或是对生活场景的“原生态”展现。更令我吃惊的是，书中还引用了黑格尔的辩证法来分析某些艺术形式的演变，我忍不住猜测，难道电影的叙事结构、剪辑节奏，甚至某种特定风格的出现和消亡，都被作者纳入了黑格尔式的历史发展进程中来考量？这种跨学科的、极其抽象的分析，与我期待的具体技术操作和美学实践相去甚远，但不得不承认，它提供了一个极具挑战性的视角，迫使我去思考电影作为一种艺术形式，其背后更深层次的认知和哲学基础。

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《Film Style and Technology》这本书，在某个章节突然转入了对19世纪中期工业革命时期，特别是蒸汽机技术发展及其对社会结构影响的详尽描述。我一开始感到非常茫然，心想蒸汽机和电影的“风格”或“技术”到底有什么联系？我本以为会看到关于早期电影放映设备（如卢米埃尔兄弟的摄影机）的机械原理，或者电力技术如何改变了灯光效果之类的讨论。然而，书中详细阐述了蒸汽机如何极大地提升了生产力，加速了城市化进程，改变了人们的生活节奏，并催生了新的社会阶级和文化现象。我开始猜测，也许作者的意图是，工业革命带来的整体社会变革，是电影这种新兴艺术形式得以诞生的土壤。例如，机械化的生产和大众化的娱乐需求，是否为电影的普及奠定了基础？又比如，工业化社会所带来的匿名性、速度感和异化感，是否在电影的早期风格中有所体现？书中还提到，工业革命也促进了科学研究和技术创新的精神，这或许也间接影响了电影技术的快速发展。但我仍然觉得，这种联系过于遥远和隐晦，作者并没有给出明确的“桥梁”，让我觉得这本书的标题与实际内容之间存在一种令人不安的张力。

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当我翻阅《Film Style and Technology》一书中关于17世纪荷兰黄金时代绘画艺术的章节时，我陷入了更深的迷茫。书中详细分析了伦勃朗的光影运用，维米尔对日常生活的细腻描绘，以及那个时代绘画如何反映了荷兰共和国的社会风貌和市民阶层的兴起。我绞尽脑汁也想不出，这些与电影的“风格”和“技术”有什么直接关联。难道是说，早期电影美学受到了一些荷兰画派的启发？比如，电影中的“明暗对照法”是否借鉴了伦勃朗式的布光？又或者，电影对现实生活场景的真实再现，与维米尔的静谧写实有异曲同工之妙？书中也谈到了那个时代对科学观察和精确描绘的重视，这或许可以类比于电影摄影机对细节的捕捉能力。然而，作者在这一章中，几乎没有提及任何与电影相关的词汇，完全是以艺术史的视角在进行分析。我感觉就像是在学习一门完全独立的学科，而我需要自己去扮演一个“解谜者”，将这些看似无关的知识点与“电影风格”和“技术”联系起来。这种阅读体验既具有挑战性，又让人感到些许挫败，因为它大大增加了理解的门槛，并要求读者具备相当的跨学科知识储备和联想能力。

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读的第三版, 不过只读了有关摄影机运动的部分.

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1st comprehensive treatment of film style (well, at least on the level of film devices)

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1st comprehensive treatment of film style (well, at least on the level of film devices)

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这本书差不多就是一个电影技术的线性历史，作者很明显持有一种反”理论“反”教条“的立场，但是同时持有”技术决定论“和非常严重的“反社”倾向，在书中，他批判被马克思主义胁迫的电影学，以及批判包括中国苏联在内的社会主义国家的电影技术和电影技巧。这本书虽然信息巨大，但是从研究生时期就引发我想撕逼的冲动。 不过如果想读一个好莱坞电影技术以及风格史，仍然隆重推荐“盐爷爷”这本老书！

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读的第三版, 不过只读了有关摄影机运动的部分.