汪峰:精选(4CD) [套装]

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出版者:内蒙古文化音像出版社/国际文化交流音像出版社/广州音像出版社
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页数:0
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出版时间:
价格:56.0
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isbn号码:9787885186654
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具体描述

摇滚巨匠的时代回响:一部未曾收录的音乐史诗 内容提要: 本书并非收录汪峰先生“精选(4CD)”套装中的任何一首歌曲或相关文字材料。它是一部深入探讨当代中国摇滚乐发展脉络、音乐人精神困境与时代变迁的宏大叙事,旨在解析“摇滚乐”这一文化符号在中国社会语境下的复杂嬗变。全书通过对多位代表性音乐人(不包括汪峰及其特定乐队作品)的深度访谈、音乐产业的结构性分析以及乐评界的争议焦点进行梳理,试图勾勒出一幅更加立体和多维度的中国摇滚图景。 --- 序章:迷失的旋律与回响的边界 中国摇滚乐,自上世纪八十年代末期破土而出,便承载了太多期望与误解。它既是反叛精神的出口,也是商业浪潮下的商品。本书的开篇,旨在审视这种“不确定性”是如何塑造了中国摇滚乐的生态。我们回避了那些被主流媒体反复提及的“金曲”,转而将目光投向那些在地下空间、小众Livehouse以及被遗忘的磁带中默默生长的声音。 我们首先考察了九十年代初,那些拒绝被简单贴上“校园民谣”或“都市流行”标签的乐队。他们的音乐中,混杂着后朋克的疏离感、西海岸垃圾摇滚的粗粝,以及根植于本土的文化焦虑。这些早期的探索者,如何在有限的设备和几乎没有商业支持的环境下,完成了最初的艺术构建?本书通过对早期地下演出记录和仅存的录音母带分析,揭示了他们对“真实性”的近乎偏执的追求,以及这种追求在日后商业化浪潮面前所遭遇的结构性困境。 第一部:城市病与边缘叙事 本书的第一个主要部分聚焦于“城市化”进程中,摇滚乐如何捕捉并放大那些被主流叙事忽略的“城市病”。我们考察了那些专注于描绘都市边缘群体的乐队和音乐人。他们的歌词不再是宏大的宣言,而是聚焦于个体在快速发展社会中的迷惘、身份认同的危机,以及在钢筋水泥森林中对“家园”的追问。 例如,我们对一个来自南方工业城市、以噪音摇滚闻名的三人组进行了长达两年的跟踪式记录。他们的音乐如同机器的轰鸣与故障的警报,直接而赤裸。本书详细分析了他们如何运用非传统的音色构建(如对工业废料的采样和电路反馈的滥用),来表达对快速工业化进程中“人被物化”的深刻反思。这部分内容强调,真正的反叛并非总以激昂的口号出现,有时它潜藏在最晦涩、最令人不适的音景之中。 此外,本书还深入探讨了女性音乐人在中国摇滚乐中的位置。在长期被男性主导的文化语境下,女性音乐人如何打破刻板印象,用自己的声音定义了“力量”与“脆弱”的辩证关系?我们对比了几位不同代际的女乐手,分析她们在创作中对性别议题的微妙处理,以及她们如何以音乐作为工具,重塑自我叙事的主导权。 第二部:技术革新与流派的裂变 进入二十一世纪,互联网的普及和数字音乐技术的成熟,彻底改变了摇滚乐的传播途径和创作模式。本书的第二部分探讨了技术如何导致摇滚乐内部的“流派裂变”。 我们详细分析了“后摇滚”(Post-Rock)在中国的发展轨迹。这个流派因其强烈的器乐导向和对情绪的铺陈,在特定听众群体中获得了巨大的共鸣。本书对比了不同地域的后摇乐队,如何将西方的克制美学,融入了东方山水画般的意境营造中。我们试图解析,为什么在歌词主导的华语乐坛,纯器乐的摇滚乐能够找到其精神的避难所。 同时,我们也对“金属乐”和“硬核朋克”的细分流派进行了梳理。这些更接近亚文化核心的音乐形态,如何在中国特定圈层中维持着其纯粹性和社群性,以及它们在面对商业诱惑时的自我净化机制。通过对几场小型音乐节的现场记录,我们揭示了这些“硬核”社群内部的仪式感和强烈的归属感,这种社群力量是维系其生命力的关键,远超任何一张精选集所能承载的意义。 第三部:记忆的碎片与未竟的对话 本书的最后一部分,着眼于“记忆”与“传承”的问题。中国摇滚乐走过了三十余年,早期的旗帜性人物许多已经淡出主流视野,而新的乐队又在不断涌现。这种代际更迭中,是否存在一种“记忆断裂”? 我们采访了那些曾与早期摇滚场景深度互动,但如今已转入幕后的乐评人、厂牌主理人和音响工程师。他们回忆了那些没有被正式记录的瞬间——在简陋录音棚里的争吵、为了筹集演出经费的奔波、以及音乐对于他们个人命运的决定性影响。这些“口述历史”构成了本书最珍贵的部分,它们是对“精选”概念的颠覆,强调了过程的重要性远大于最终的成果。 本书还探讨了“模仿”与“创新”的边界。在信息爆炸的时代,新乐队如何既能汲取前辈的能量,又能避免落入简单的“致敬”或“复制”的陷阱?我们通过对几支风格迥异的新生代乐队的创作过程分析,展示了他们如何在复杂的文化输入下,努力提炼出属于自己时代的、不可替代的声音。 结语: 本书拒绝为“中国摇滚乐”下一个最终定义。它不是一部颂歌,也不是一份讣告。它更像是一份详尽的田野调查报告,记录了在社会快速转型时期,一群音乐人如何通过他们的乐器、他们的汗水和他们的不妥协,试图在这个庞大而喧嚣的时代中,为自己和同路人凿开一个可以呼吸的缝隙。这些声音,独立于任何官方或商业的“精选”之外,构成了中国当代文化景观中最具生命力的肌理。它们的回响,值得被更细致地聆听和理解。

作者简介

目录信息

读后感

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这是汪峰07年度的最新专辑,有人在质疑:汪峰都能混到今天这种美好的地步,算是功成名就,怎么还会做出装逼之作《无名之辈》!心怎么还会发狂?!我也在思考这个问题呢!哈哈 这张CD给我同感的还是《觉醒》,因为不知不觉都这么多年都过去了,确有种茫然又不甘心变为废物...

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用户评价

评分

说实话,我更喜欢那种叙事性很强的、带有强烈个人色彩的非虚构作品。我购买这本书,是希望能看到作者以一种近乎小说笔法的描绘,将音乐家的生活场景立体化。我不太关心他拿了多少奖杯,我更想知道,在他创作某张具有里程碑意义的专辑的那个阶段,他的日常生活是怎样的?他每天早上是先看新闻还是先弹琴?他与乐队成员之间的摩擦和合作是如何影响最终音乐成果的?我希望看到那些关于巡演路上的趣闻轶事,那种在颠沛流离中依然保持创作火花的瞬间。那种描述要足够细腻,比如舞台灯光打在他脸上时的那种疲惫感,或者在寒冷的排练室里,大家围着一个老旧的暖气片讨论新歌的场景。我需要的是一种“在场感”,仿佛我就是那个坐在角落里,看着他们一起奋斗的见证者。这种书能让人感觉,音乐家也是有血有肉、会经历挣扎的普通人。

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我最近在整理我的黑胶唱片收藏,发现很多老唱片里的小册子信息量其实非常有限,所以一直想找一本能系统梳理某位重量级音乐人创作脉络的权威著作。我希望这本书能提供详尽的曲目解构,不只是歌词的罗列,而是对每一首代表作的和声进行简单的图示或文字说明,哪怕是业余爱好者也能从中窥见一二。比如,他们是如何巧妙运用五声音阶来营造那种独有的“东方”情怀的?或者在某一专辑中,是如何尝试跨界融合了电子乐元素,但又不失摇滚的内核?我更看重的是技术层面的探讨,而不是八卦绯闻。如果能附带一些未发表的手稿照片或者早期录音小样的对比分析,那就太给力了。我期待这本书能成为我理解那位音乐人艺术成就的“教科书”,而不是一本简单的传记。我对那些关于录音棚设备、混音理念的细节描述特别着迷,想知道他们是如何在有限的技术条件下,创造出震撼人心的听觉体验的。

评分

这本书,说实话,我期待了很久,拿到手的时候那种沉甸甸的感觉,就让人觉得物有所值。我主要关注的是摇滚乐坛的几位标杆性人物,想看看有没有关于他们早期创作思路的深入剖析。我尤其对那种关于歌曲从灵感到录音室打磨的全过程的文字感兴趣,比如某首经典曲目,究竟是哪个深夜的咖啡馆碰撞出的第一个音符,又是经历了多少次的编曲调整才最终定稿。这本书的封面设计虽然很简洁,但内页的排版和纸张质感确实看得出是用心了的。我希望能看到一些业内人士的访谈片段,那种不加修饰的、直面音乐本质的对话,而不是泛泛而谈的成功学。如果能深入探讨一下特定历史时期,比如上世纪末国内摇滚乐环境的变化,对几位重要音乐人创作心态的影响,那就更棒了。我期望的是那种能让我坐下来,泡上一壶茶,沉浸其中几个小时,并且每次重读都能发现新东西的深度内容,而不是那种走马观花的介绍性文字。

评分

我对音乐产业生态和幕后推手的人物研究非常感兴趣。这本书,我希望它能超越对音乐人本人的描述,更侧重于讲述他/他们如何在一个特定的音乐市场中摸爬滚打,最终建立起自己的品牌和话语权。我想了解的是那些关于版权交易、唱片公司谈判、以及如何应对主流媒体审查的细节。哪些决策是音乐人自己拍板的,哪些是经纪人或制作人强势介入的结果?如果书中能披露一些关于早期独立音乐场景的运作模式,比如如何通过地下演出和自制磁带积累第一批核心粉丝,那就太有价值了。我更看重的是战略层面的分析,而不是单纯的情感抒发。我希望这本书能像一部关于商业成功的案例分析,用音乐人的奋斗史来阐释特定时代文化产品的生产链条和商业逻辑。这种视角能让我看到,伟大的艺术背后,往往也蕴含着精明的市场运作。

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作为一个刚刚接触古典音乐理论不久的新手,我发现很多摇滚乐评论往往停留在情绪和感觉的层面,缺乏系统的乐理分析。我入手的这本书,主要是冲着它宣传的“深度解析”去的,希望能找到一些可以将摇滚乐结构与古典作曲法相联系的论述。比如,某首史诗般的长歌,它的结构是不是可以类比奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部?那些标志性的吉他Solo,其旋律进行和动机发展有没有遵循某种音乐主题的变奏规律?我特别想看到作者如何用专业的术语来描述那些我只能用“很燃”、“很悲壮”来形容的听感。如果这本书能提供一些关于音乐家对巴赫或者肖邦的借鉴,就更符合我的期望了。我不是想把摇滚乐“去神秘化”,而是想通过更严谨的分析框架,去更深层次地欣赏这种艺术形式的复杂性和精妙之处。这本书的厚度看起来不错,希望能装载足够的干货。

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不知不觉,这么多日子过去了,这么多日子。

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