Mel Bay Walking Jazz Lines for Bass pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mel Bay Pubns

作者:Jay Hungerford

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2002-03

价格:USD 22.95

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9780786659968

丛书系列:

图书标签:

• KDNS-900
• 爵士乐
• 低音
• 行走的低音线
• Mel Bay
• 音乐教育
• 乐谱
• 即兴演奏
• 音乐理论
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• 贝斯

低音贝斯的旋律之舞：精选爵士行走贝斯线深度解析 内容概要： 本书旨在为低音贝斯演奏者提供一套全面、深入的爵士行走贝斯线（Walking Bass Lines）学习体系，专注于培养演奏者在即兴演奏中的根基稳定性和旋律流畅性。本书不局限于特定的教材或方法论，而是横跨多个历史时期和风格流派，精选最具代表性和教学价值的行走贝斯线实例进行剖析与实践。我们将从基础的和声构建出发，逐步深入到复杂的和声替代、节奏变化以及在不同曲式结构（如AABA、十二小节蓝调）中的应用。本书强调的是“理解”而非“记忆”，引导学习者掌握构建行走贝斯线的核心原则，使其能够自如地在任何和声进行中创造出既支撑和声又富于律动感的旋律线条。 第一章：行走贝斯的基石——节奏与音程的哲学 本章首先界定“行走贝斯线”在爵士乐中的核心功能：提供清晰的低音驱动力和精确的和声锚点。我们将详细探讨四分音符在爵士律动（Swing Feel）中的细微处理，区分直奏（Straight）与摇摆（Swung）八分音符对行走线条的影响。 基础构建模块： 根音（Root）、五音（Fifth）与三音（Third）的选择与位置。探讨如何利用八度跳跃来增加线条的活力，同时避免声音过于分散。 引导音（Guide Tones）的艺术： 深入分析三音和七音在连接和弦进行中的关键作用。如何利用导向下一个和弦的音符来创造清晰的“目标感”。 节奏的微妙变化： 介绍如何在保持四分音符主导地位的同时，巧妙地引入附点音符、切分音或短暂的休止，以增加线条的呼吸感和动态对比。 第二章：和声的蓝图——从基础和弦到复杂进行 行走贝斯线的质量直接取决于对背后和声的理解深度。本章将系统地分解不同类型的和弦结构，并为每种结构提供对应的贝斯线条构建策略。 大七和弦（Maj7）与小七和弦（m7）： 重点讨论如何利用自然音阶（Diatonic Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）在这些基础和弦上创建稳定且悦耳的线条。 属七和弦（Dom7）的处理： 这是行走贝斯线变化最丰富的领域。我们将详细解析属七和弦的张力与解决（Tension and Release），包括使用降五音（b5）、升四音（11）以及替代五音（如b13/b6）的技巧，确保线条既有“爵士味”又不会破坏和声的解决趋势。 半减七和弦（m7b5）与减七和弦（Dim7）： 探讨如何在这些半音色彩浓厚的和弦上，利用对称音程结构（如全音阶或减音阶）来制造平滑的过渡，而非生硬的停顿。 和弦替代（Chord Substitution）的实战应用： 分析tritone替代（三全音替代）对行走线条的影响。学习如何在不改变鼓点和节奏强弱的前提下，利用替代和弦的根音或五音来重塑原有的贝斯线条，增加即兴的广度。 第三章：经典曲目剖析——模式与范例的提炼 本章选取了爵士乐标准曲库中几个具有里程碑意义的和声进行，对其中经典的行走贝斯线进行逐句的解构与重构练习。 十二小节蓝调的变奏： 不仅限于基础的I-IV-V进行，我们将深入分析“快四”蓝调、包含ii-V-I的传统蓝调，以及融合了“Bebop”和弦替代的现代蓝调套路。重点展示如何在第9小节（IV级和弦）和第10小节（ii级和弦）之间进行平滑的音高连接。 AABA曲式（如《I Got Rhythm》与《All the Things You Are》）： A段的重复性与B段（中段）的和声转折是行走贝斯线的试金石。我们将分别针对A段的和声循环和B段的快速和声更迭，设计出兼顾支撑性和旋律性的线条。 ii-V-I的变式训练： 这是一个贯穿始终的主题。从基础的大三、小三ii-V-I，到使用属九、属十三和弦的复杂结构，提供一系列的“音符链”练习，确保学习者掌握从ii级和弦的导音直接导向V级和弦的根音或五音的技巧。 第四章：风格的演变——从摇摆到融合 行走贝斯线并非一成不变的教条，它随着爵士乐流派的发展而不断演变。本章着眼于不同风格对线条的特定要求。 摇摆时代（Swing Era）的清晰度： 强调音色的纯净和节奏的绝对稳定，线条偏向于基于五音和三音的稳定结构。 比波普（Bebop）的密度与张力： 探讨如何在高速度下，增加更多的半音经过音和延伸音（如9th, 13th），使得线条更具旋律性，同时保持极高的和声准确性。 冷爵士（Cool Jazz）的内敛与空间感： 分析如何通过使用更多的休止符、更长的音符值以及选择更“柔和”的和声音程（如避免过多的属七和弦的极端变化音）来营造松弛的氛围。 放克与融合（Funk/Fusion）的影响： 引入更复杂的节奏切分、幽灵音（Ghost Notes）以及对八度跳跃的更自由使用，以适应更强烈的律动感。 第五章：即兴的自由——构建你自己的语言 本章是理论指导下的实践升华。它不再提供具体的线条示例，而是提供构建框架和思维导图。 “填充”的逻辑： 如何识别和弦进行中的“空隙”，并用经过音或琶音片段来平滑地填充这些空隙，而不是仅仅重复根音-五音。 旋律片段的运用（Motivic Development）： 学习如何从一个简单的四音动机开始，通过音高、节奏或和声背景的改变，将其发展成贯穿数个小节的完整线条。 听力训练与反馈： 强调演奏者必须将自己创造的线条与鼓手和钢琴手的互动纳入考量。提供自我评估工具，帮助演奏者辨别何时线条过于“喧宾夺主”，何时又过于“平庸”。 目标读者： 具备基本五声音阶和音阶概念的低音贝斯学习者、希望将行走贝斯线从“固定套路”提升到“即兴艺术”的中级至高级演奏者，以及所有希望深化对爵士和声理解的乐手。本书的深度和广度确保了它不仅是一本练习手册，更是一本关于如何在低音区构建完整音乐叙事的指南。

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哇，我最近淘到了一本让人眼前一亮的吉他教材，简直是为我这种想在指弹世界里深耕的乐手量身定做的。这本书的编排逻辑非常清晰，它不像有些教程那样上来就堆砌复杂的乐理公式，而是用一种非常循序渐进的方式，带着你从最基础的和弦连接开始，一步步深入到更复杂的编配技巧。我尤其欣赏它在“律动”这个概念上的强调，作者似乎深谙，真正的音乐魅力不在于你弹得多快，而在于你弹得是否“有感觉”。书里有很多关于如何创造行走低音线（walking bass line）的章节，这对我这个一直想在爵士乐队里找到自己位置的贝斯手来说，简直是如获至宝。虽然我主要弹的是吉他，但理解和声的底层逻辑——也就是低音部的走向，对整体的音乐构建至关重要。书中对于不同调性下的根音移动规律讲解得透彻入微，配上大量的例句和实际的练习曲目，让你不光知道“是什么”，更能体会到“为什么”。而且，这本书的排版设计也很人性化，清晰的五线谱和六线谱对照，即便是习惯了看六线谱的朋友也能快速上手，不会因为复杂的记谱方式而感到畏惧。它真的提供了一个扎实的框架，让你能从“模仿”过渡到“创造”，这是我一直在寻找的进阶钥匙。

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如果说市面上的很多教材都在教你如何跑马拉松，那么这本书就是在教你如何进行短跑冲刺，它专注于“节奏的精准度和冲击力”。这本书的训练方法非常独特，它几乎所有的练习都围绕着如何稳定地保持一个高速率的节奏，同时确保每一个音符的清晰度，这一点对于想要提高扫弦和分解节奏复杂度的乐手来说，简直是福音。我发现作者对“切分音”和“附点节奏”的讲解尤其精妙，他不是简单地用数学公式来定义，而是通过一系列听起来很“怪异”但实际听起来非常“酷”的节奏型练习，让你通过耳朵去内化这些节奏的“感觉”。我花费了大量时间去攻克其中关于“三连音与四连音的交替律动”的那几章，一开始简直是混乱不堪，但坚持下来后，我惊喜地发现，我对手中节奏的控制力有了质的飞跃，那种“卡在点上”的演奏感，是任何其他方法都难以提供的。这本书的严谨程度简直可以媲美节拍器，它逼迫你正视自己在节奏控制上的所有弱点，并提供了一套切实可行的方法去克服它们。

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这是一本真正意义上的“演奏思维”培养手册，而非简单的技巧堆砌。这本书的独特之处在于，它将“乐理知识”和“实际演奏场景”做了一个非常巧妙的嫁接，让你在学习每一个新概念时，都能立刻看到它在实际乐队合作中的应用。比如，它在讲解“琶音”时，不是孤立地教你如何快速弹奏琶音，而是将其置于一个“即兴旋律构建”的框架内，告诉你这个琶音如何能流畅地连接到下一个和弦的属音上，从而避免了演奏听起来像是在“背谱”的尴尬境地。我特别欣赏其中关于“动态控制”的讨论，作者强调，音乐的张力往往是通过音量、力度和音色的微妙变化来营造的，而不是仅仅依靠音符的数量。书中提供了大量的“动态记号”练习，要求你必须严格按照指示来控制每一个音符的强弱变化，这极大地增强了我的音乐表现力。读完这本书，我感觉自己对“乐句的呼吸感”有了全新的认识，它不再是一串被机械弹奏的音符集合，而是一个拥有生命、可以自由呼吸的有机体。

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这本书简直是为那些对布鲁斯即兴演奏心驰神往，但又苦于找不到有效门径的乐手准备的“武功秘籍”。它没有那种空泛的理论说教，而是直接聚焦于如何将布鲁斯音阶融入到旋律构建中去，而且是以一种极其“实用主义”的方式呈现的。我发现它特别注重“空间感”的培养，很多练习都巧妙地引导你思考：在不同的和弦转换之间，应该留出多少空白，这些空白又该如何用少量的音符来填满，才能达到最大的冲击力。作者似乎对布鲁斯音乐的“灵魂”有着深刻的理解，书中不只是教你弹奏固定的乐句，更像是赋予了你一套“语言系统”，让你能用自己的方式去“对话”。我特别喜欢其中关于如何运用“推弦”（bending）和“揉弦”（vibrato）的章节，这些细节的处理往往是区分业余和专业的关键，而这本书对这些技巧的描述细致到令人发指，连手指施力的角度和力度都有明确的指导。读完前面几个单元，我感觉自己对布鲁斯独有的那种“忧郁又洒脱”的语调的把握，一下子提升了好几个档次。这绝不是一本让你囫囵吞枣的教材，它要求你慢下来，去感受每一个音符背后的情感张力。

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我必须承认，起初我对这本关于和声与伴奏的书持保留态度的，因为市面上太多关于“如何弹奏和弦”的书籍了，大多是把和弦图谱简单罗列一遍，然后让你去背诵。但这本书彻底颠覆了我的看法。它真正做到的，是将“和声功能”与“指板上的实际位置”完美地结合起来。作者似乎是站在一个“指挥家”的角度来构建内容的，他不是告诉你“这个和弦是什么”，而是告诉你“在这个音乐情境下，为什么这个和弦会出现在这里，以及它将导向何方”。书中大量的图表展示了如何在不同把位上找到“替代和弦”和“延伸音”，这极大地拓宽了我的和声视野。过去我总是在一个把位上“死磕”，现在我能更流畅地在整个指板上穿梭，根据音乐的需要随时切换音色和织体。尤其令人称赞的是，它对“色彩和弦”的处理，例如如何巧妙地加入九音、十一音甚至十三音，让原本平淡的和声瞬间变得立体起来。这本书就像一个开启了新世界大门的钥匙，让我开始真正理解音乐的“深度”和“层次感”。

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