具体描述
张树新等编著的《服饰图案》是由中国服装设计师协会和清华大学美
术学院共同组织编写的服装设计专业系列教材之一。本书从服饰图案研究
的实质、图案发展、形态基础、具象形态、抽象形态、色彩配置等几方面
入手，阐述了服饰设计及服饰图案的基本知识。作者根据自己的研究、思
考和实践对服饰艺术的“精神本质”、“题材与主题”、“表现手段”三
要素，服装设计中的“负空间”，造型中的“开形、闭形、开闭形”的视
觉感受，设计中的“张力”、“束力”，色彩的“色调”、“情调”等问
题进行了论述和阐释，力求融理论性与实用性于一体，且图文并茂、深入
浅出。本书是在《现代服饰图案》、《服饰图案》两本教材的基础上重新
编写而成的，除内容更加精练、深入、系统、丰富以外，还增添了大量的
彩色图。
《服饰图案》可作为大专院校服饰图案课程的教材及报考清华大学美
术学院的学生作为图案指南之用，也可供服装行业的设计人员及广大的服
装爱好者学习参考。
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本《服饰图案》的书，我拿到手的时候，其实是带着一点点忐忑的。我一直对服装设计和美学抱有浓厚的兴趣，但总觉得自己的知识体系里缺了点“硬货”，尤其是那些深入到纹样和符号层面的东西。我期待它能像一本武功秘籍，揭示那些隐藏在华丽布料下的设计密码。然而，当我翻开第一页，我发现它更像是一本详尽的博物馆导览手册，而不是我预想中那种充满激情和创意的设计灵感库。它花了大量的篇幅去描绘不同历史时期、不同地域的服饰纹样是如何随着社会变迁而演化的，从古埃及的荷鲁斯之眼到中世纪的莨苕叶，再到近代的几何抽象，信息量是惊人的，简直是一部视觉人类学史。比如，关于中国传统刺绣中的“十二章纹”，书里细致入微地分析了每一种图案所代表的帝王德行，那种对细节的考究，让我这个外行人也感到肃然起敬。但是，老实说，对于一个急需快速获取灵感来应用到现代设计中的人来说，这种过于学院派的叙事节奏，读起来略显枯燥。我更希望看到一些现当代设计师是如何解构和重塑这些经典图案的案例分析，而不是单纯的图录式陈述。整本书的排版和印刷质量倒是没得说，图例清晰，色彩还原度很高，这在研究图案细节时至关重要，但内容上，它似乎更偏向于“记录历史”而非“启发未来”。我花了整整一周才啃完前三章，感觉自己像个历史学家，而不是一个时装设计师。
评分坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，它就像一部百科全书，将服饰图案的起源、发展脉络、社会功能和象征意义梳理得井井有条。但对于我这样一个实际操作层面的设计工作者而言，它更像是一座巍峨的知识殿堂，我站在外面仰望，知道里面藏着无价之宝，却找不到一座可以直接通往设计实践的电梯。我需要的是一个能将“理论”和“应用”无缝对接的媒介。例如，当书中详细描述了洛可可风格图案中那些繁复的C形和S形曲线的构成原理时，我立刻会想到，如何用现代的矢量软件去高效地重构它们，或者如何用极简的线条来提炼其核心动态美感。但这本书止步于描述和考证，后续的“如何做”或者“如何变”的探讨几乎没有。它像是给了一个顶级的调色盘和最纯净的颜料，却从未展示过如何用这些颜料去画出一幅能挂在现代画廊里的作品。因此，阅读这本书需要极大的耐心和强大的知识迁移能力——读者必须自己去完成从历史文本到当代创意的巨大跨越。我读完后，感觉自己的历史知识储备量得到了质的飞跃，但我的设计工具箱里，似乎并没有立刻多出几个可以立刻使用的“新工具”。总而言之，这是一部极好的历史著作，但作为一本“设计”指导手册，它的实用性稍显不足。
评分这本书的装帧和版式设计本身是无可挑剔的，纸张的质感很好，对于研究图案的纹理和细节来说是极大的帮助。然而，作为一本面向广泛爱好者的“图案”书籍，它在内容呈现上显得过于精英化和地域化了。大量的篇幅集中于欧洲中世纪和文艺复兴时期的宫廷服饰图案，以及一些被学界公认为“经典”的亚洲皇家纹样。虽然这些内容无疑是重要的，但对于那些对非主流文化、街头艺术或者新兴数字纹样设计感兴趣的读者来说，这本书提供的价值就相对有限了。我个人非常希望看到一些关于全球化背景下，不同文化图案是如何相互渗透、产生“混血”现象的讨论，或者至少是关于近几十年新兴设计运动如何颠覆传统图案美学的分析。可惜，书的内容仿佛被定格在了上世纪八十年代的学术研究高峰期，对当代设计思潮的捕捉略显迟钝。阅读过程中，我时常会想，这本书的受众定位究竟是历史学者还是在校的设计学生？如果是后者，他们需要的是能与他们当前处境产生共鸣的内容。这本书更像是一份详尽的“古代服饰图案图鉴”，而非一本探讨“图案”这一动态概念的书籍。它提供的深度无可置疑，但其广度和对现代性的回应，则是我在阅读过程中一直感到遗憾的部分。
评分说实话，这本书的体量让我有些望而生畏，拿到手里沉甸甸的，感觉不像是一本可以轻松阅读的书籍，更像是一本工具书或者参考辞典。我的初衷是想找一些能立刻激发我平面设计灵感的素材，最好是那种可以快速提取、修改和应用到我正在做的项目中的“现成”元素。但是，《服饰图案》给我的感觉，是更像在进行一场漫长而深入的田野调查。它似乎有一种强烈的使命感，要为读者构建一个关于“图案”的完整知识宇宙，而不是提供一个快速上手的“工具箱”。我特别关注了其中关于“色彩与图案的心理学关联”那一章，理论部分阐述得相当精妙，比如特定几何形状在不同文化中引发的集体潜意识反应，读起来颇有启发性。然而，书里提供的佐证案例，大多是古代文献中的记载或者民族志研究，缺乏将这些理论直接投射到现代商业设计中的桥梁。例如，书中提到某种特定花卉图案在维多利亚时代象征着“禁忌的爱恋”，但并没有给出当代设计师如何利用这种符号张力来设计现代内衣或晚礼服的实例。这种知识上的断层，让我感到有些用力过猛但收效平平。我理解作者想要传递的是图案背后的文化厚度，但对于追求效率的现代读者而言，这种厚度有时候成了阻碍快速吸收的“泥沼”。我只能自己动手，在阅读这些历史背景知识的同时，努力在脑海中建立起一个“古代符号——现代应用”的转换模型，这对我来说是额外的负担。
评分这本书的叙事风格异常的冷静和客观，仿佛作者是一位不带任何情感的档案管理员，将每一帧服饰图案的演变过程，都当作一个需要被精确记录的物证来对待。我原本期待能读到一些关于设计师是如何“感受”到图案，又是如何将这种感觉转化为视觉语言的心路历程，哪怕只有一小节也行。但这本书完全没有这种“人情味”。它的结构极其严谨，章节之间逻辑连接紧密到让人窒息——从纤维的起源讲到纺织技术的进步，再从宗教符号的传入讲到阶级制度对纹样的限制，一步一个脚印，不容许丝毫跳跃。我尝试在其中寻找一些“野史”或者“幕后故事”，比如某个著名设计师是如何因为一个偶然的街景而获得某个经典图案的灵感，但很抱歉，这本书里只有严谨的学术论证和清晰的年代划分。这使得阅读体验变成了一种智力上的挑战，而非精神上的享受。我需要不断地查阅附录和参考资料，才能完全理解某些特定术语的精确含义。对于一个视觉学习者来说，光是文字描述就足够费脑了，缺乏那些生动、戏剧性的故事来锚定这些沉重的知识点，让我的注意力很难长时间保持高度集中。读完一章，我感觉到的更多是“我学到了知识”，而不是“我获得了灵感”。
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