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出版者:上海音乐

作者:威拉德

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2007-10

价格:60.00元

装帧:

isbn号码:9787807510475

丛书系列:

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音乐之旅的启航：经典钢琴基础教程与进阶精选 书籍一：《古典钢琴大师的足迹：从巴赫到德彪西的艺术精粹》 内容概要： 本书并非针对零基础初学者的入门教材，而是一部深度剖析西方古典音乐发展脉络与演奏技巧的专业指南。它聚焦于十七世纪至二十世纪初欧洲钢琴音乐的演变，以四位关键作曲家——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）、路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）和克劳德·德彪西（Claude Debussy）——的作品为例，进行精细的风格分析与演奏法探讨。 第一部分：巴赫的复调世界与对位技巧的精研 本部分深入解析巴赫《平均律钢琴曲集》的结构逻辑与演奏哲学。我们不教授如何找到“C”或“G”键，而是探讨如何清晰地分离与歌唱复调声部。书中详细拆解了赋格曲（Fugue）的呈示部、展开部、再现部的结构布局，以及“模仿”这一核心技巧在不同声部间的实现方式。对于手指的独立性与触键的颗粒感，我们提出了一套基于历史演奏实践的训练方法，强调重心的传递而非单纯的力量堆砌。书中包含了对《创意曲》中双声部与三声部织体的横向线条处理的详尽图解，旨在培养演奏者对同时处理多条独立旋律线的认知能力。这部分内容假设读者已掌握基本的五指位置和节奏划分概念。 第二部分：莫扎特与贝多芬：古典主义的清晰与激情 本章将目光投向古典主义时期钢琴作品的内在精神。对于莫扎特，我们强调其音乐中的“歌唱性”（Cantabile）与形态的完美平衡。书中详细分析了奏鸣曲快板乐章（Sonata Allegro Form）的呈示部、发展部与再现部的逻辑关系，阐释如何通过音色变化和触键的细微差别来区分主题的对比。我们着重讨论了装饰音（Ornamentation）在莫扎特作品中的实际演奏规范，区分颤音（Trill）的起音位置及长度。 转向贝多芬，本书侧重于其作品中展现的戏剧冲突与情感深度。我们选取了部分早期、中期和晚期的奏鸣曲片段，分析贝多芬如何突破传统框架，运用强烈的对比（如力度标记的突然变化、踏板的创新性使用）来表达个人意志。对于晚期奏鸣曲中出现的复杂和弦结构和对踏板的突破性运用，书中提供了基于当时钢琴制造工艺的演奏参考建议。 第三部分：浪漫主义的抒情与印象派的色彩 浪漫主义章节主要围绕肖邦（F. Chopin）的夜曲和练习曲展开，核心在于“鲁巴托”（Rubato）的艺术。我们探讨了严格意义上的“时间上的不均”如何服务于旋律线的流畅呼吸，区分了“自由的鲁巴托”与“节奏的混乱”。书中通过分析肖邦练习曲的特定技术难点（如快速琶音、宽广跨度、复杂的和弦进行），提供了针对性的大脑与手指协调训练方案，而非简单的“多弹多练”。 最后，我们进入德彪西及其代表的印象派音乐。本部分完全脱离传统的调性思维，专注于音色（Timbre）和氛围的营造。我们探讨了全音阶、五声音阶以及平行和弦在构建听觉“雾气”中的作用。书中特别讲解了如何通过踏板的“重叠”与“渗透”来模糊和弦边界，实现德彪西所追求的“声音的阴影”。这部分内容对读者的听觉想象力提出了极高的要求。 本书面向读者： 已具备三年以上钢琴学习经验，熟悉五线谱阅读，对古典音乐史有基本了解的业余或专业钢琴学习者。本书的目标是深化理解，提升演奏的音乐性与历史准确性，而非教授指法或识谱。 --- 书籍二：《即兴创作的自由之路：基于布鲁斯与爵士和声的实践手册》 内容概要： 本书完全脱离古典音乐的既定框架，是一本专注于现代音乐即兴演奏技巧、和声分析与实践应用的实用工具书。它不涉及任何古典时期的曲目或作曲家，而是将焦点完全锁定在二十世纪以来的布鲁斯、爵士乐以及融合（Fusion）音乐的和声语言上。 第一部分：布鲁斯的骨架：十二小节结构的解构与变奏 本章是即兴的基础构建，详细解析了最经典的十二小节布鲁斯（12-Bar Blues）的和声进行，包括I-IV-V级和弦的推进逻辑。我们教授的不是如何“弹”一个C大调，而是如何理解“布鲁斯音阶”（Blues Scale）与“大调/小调布鲁斯”在同一和声进行上的交织。书中提供了大量的和弦替代（Chord Substitution）练习，例如用ii-V-I来替代IV级和弦，或使用属七降九和弦（V7b9）来增强推进力。重点训练读者在固定节奏框架内，对和弦功能性的快速反应能力。 第二部分：爵士和声的深化：七和弦到九、十一、十三和弦的应用 本部分系统性地介绍了爵士乐中常用的延伸和弦（Extended Chords）。我们详细剖析了七和弦（7th）、九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）的构成音与“音色效果”。书中以“和弦音阶法”（Chord-Scale Theory）为核心，明确指出每一种延伸和弦应匹配的特定音阶（如Lydian Dominant, Altered Scale等），从而指导即兴旋律的构建。我们提供了大量的“根音行走”（Walking Bass Line）示例，并教授如何通过低音声部的驱动力来建立即兴的律动基础。 第三部分：即兴的“对话”：和弦进行与旋律逻辑 本书的实践核心在于“转换”（Voicing）与“动机发展”（Motivic Development）。我们不再满足于弹奏音阶，而是教授如何将和弦音作为旋律线条的支点。书中通过分析查理·帕克（Charlie Parker）和迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）等大师的即兴片段（片段选自其特定录音，不涉及古典乐段），展示了如何将一个短小的旋律动机（Motive）通过节奏变化、音区移动和和声转换进行无限展开，形成连贯的即兴叙事。 此外，本书还包含了对“和弦连接”（Chord Linking）的专题训练，如何平滑地从一个复杂和弦过渡到下一个和弦，避免“断裂感”。所有示例均使用C、F、Bb三个调性进行，强调在不同调性中对和声模式的识别能力。 本书面向读者： 具备基础钢琴演奏能力，熟悉大调、小调音阶，并对布鲁斯、爵士乐有浓厚兴趣，希望掌握即兴演奏、和声分析和现代音乐编配的进阶学习者。本书不涉及对位法、赋格曲或奏鸣曲结构的研究。

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这本书给我最深刻的感受是它对“音乐性”的培养，而非仅仅是“机械演奏”的训练。很多教程教你如何把音符按对，但很少有教程告诉你，同样的音符，如何弹出不同的情感层次。这本书里，对于每一个小段落的演奏提示都非常富有诗意和指导性。例如，在处理一个延音时，它会建议你“想象你的手指是云朵，轻轻地滑过琴键，让声音在空气中多停留一秒钟，感受它的消散”。这种引导性描述，极大地激发了我的想象力，让我开始思考每一个音符背后的情感含义。我不再只是一个手指的执行者，而是一个小故事的讲述者。而且，书中对于和声的初步介绍也处理得非常柔和，它没有用复杂的和弦名称轰炸你，而是通过听觉体验，让你自然而然地分辨出“明亮”的和弦和“忧郁”的和弦。这种基于听觉感受去理解乐理的方式，远比死记硬背功能和名称要有效得多。可以说，这本书为我开启了一扇通往真正音乐世界的大门，让我相信自己有能力弹奏出有灵魂的音乐。

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对于一个成年人来说，学习钢琴最大的障碍之一就是手指的灵活性和协调性。我们的大脑理解了，但手指却不听使唤，这实在是很令人沮丧。这本书在这方面提供的解决方案，可以说是独具匠心，极大地减轻了我的挫败感。它没有直接抛出那些令人望而生畏的哈农练习，而是设计了一系列非常巧妙的“手指舞蹈”练习。这些练习往往以非常慢的速度开始，并且专注于解决特定手指的独立性和力量平衡问题，例如，单独强化小指和无名指的独立发力。这些练习的曲目本身听起来就是悦耳的小段子，而不是那种机械的重复音组。我发现，坚持做这些小练习，我的手指关节不再僵硬，而且在弹奏跨度较大的和弦时，准确率也明显提高了。此外，书中对“放松”这个概念的强调，也是我之前很多教材中忽略的重点。它反复提醒我们，紧张是音乐的大敌，并通过呼吸节奏来指导我们如何放松手腕和手臂，这一点对长期伏案工作的我来说，简直是福音，因为它不仅是钢琴技巧的提升，也是一种放松身心的方式。

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我一直认为，学习任何一项技能，尤其是艺术技能，最关键的是找到那个能点燃你内心火花的“引子”。这本书在这方面做得无可挑剔。它不仅仅是一本教你弹奏技巧的书，更像是一位耐心的、充满激情的音乐导师在耳边轻声细语。它的选曲非常独到，没有采用那些老掉牙的、听起来就让人昏昏欲睡的练习曲，而是精选了一些旋律优美、结构相对简单的现代小品。我试着弹奏了其中一首叫做《阳光下的溜冰鞋》的小练习曲，那段旋律听起来是如此的轻快和自由，让我感觉自己真的能感受到阳光洒在脸上的温暖。更让我惊喜的是，它对踏板的运用讲解得极其到位，很多教程会把踏板的讲解放在很后面，让初学者一上来就弹得干巴巴的，但这本教材很早就引入了“声音的呼吸感”，教你如何用踏板来“涂抹”和“渲染”音乐的色彩。这种对音乐表现力的早期强调，使得即使是弹奏最简单的音符，也能发出悦耳动听的效果，这对于建立我的审美认知至关重要。我强烈推荐给所有追求弹奏“有感觉”而非仅仅是“弹对音高”的自学者。

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这本书的封面设计简直是太吸引人了！我是一个对音乐抱有浓厚兴趣，但又有点畏惧传统枯燥乐理的成年自学者。当我第一次在书店看到它时，那明亮的色彩和充满童趣的插图立刻抓住了我的眼球。它不像那些厚重的、布满五线谱的教材，反而像一本精美的图画故事书。迫不及待地翻开扉页，里面的排版布局非常清晰，每一个音符、每一个指法图示都处理得恰到好处，让人感觉学习钢琴不再是一项艰巨的任务，而是一场有趣的探险。特别是它在介绍基础知识时，那种循序渐进的方式，用非常生活化的语言来解释抽象的音乐概念，比如将八分音符比喻成某种节奏型的脚步声，这种巧妙的比喻方式，极大地降低了我的学习门槛。我特别欣赏作者在课程设计上的匠心独运，它没有一上来就强迫你死记硬背大量的音阶和琶音，而是巧妙地将它们融入到有趣的“小游戏”或者“故事场景”中，让你在不知不觉中就掌握了核心技巧。初学者的信心往往是很脆弱的，而这本书通过不断的小成功积累，让人产生强烈的继续学习的动力。光是光是看着这些活泼的插图和清晰的引导，就已经觉得心情舒畅，期待着每一个新的章节。

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坦白地说，我接触过不少号称是“零基础入门”的教材，但很多到后面都会陷入一种“两难”的境地：要么为了追求趣味性而牺牲了严谨的乐理基础，学完后发现自己一堆曲子弹得稀里糊涂，五线谱看不懂；要么就是过于注重传统规范，导致学习者在乐趣消退后很快放弃。然而，这本书成功地找到了一个极佳的平衡点。它的理论部分设计得非常“碎片化”和“情境化”。比如，在讲解C大调音阶时，它不会直接给你一张密密麻麻的谱子让你背诵指法，而是设计了一个“寻找森林中的七个精灵”的故事，每一个精灵对应一个音级，并通过小小的练习来巩固这个音阶的指位记忆。这种方式既保证了专业术语的准确性，又让记忆过程变得如同玩解谜游戏一般。最妙的是，它在很早期就开始穿插一些简单的视唱练耳的小练习，这些练习都融入在曲谱的空隙中，不突兀，却能潜移默化地提升你的听觉辨识能力。这种“润物细无声”的教学方法，才是真正能让人坚持下去的秘诀所在。

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