多声部音乐分析与写作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐

作者:王安国

出品人:

页数:373

译者:

出版时间:2007-9

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787807510727

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 音乐分析
• 多声部音乐
• 和声学
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音乐的结构与灵魂：一部深入浅出的和声学与对位法导论 本书旨在为音乐初学者和有志于提升音乐理论素养的实践者，提供一套全面、系统且富有启发性的音乐分析与创作基础框架。我们聚焦于西方音乐传统中至关重要的两大基石：和声学（Harmony）与对位法（Counterpoint），并辅以必要的曲式结构（Form）与配器基础（Orchestration Essentials）知识。 第一部分：和声的逻辑与色彩——调性世界的构建 本部分将引领读者从最基础的音高概念出发，逐步揭示调性音乐内部的逻辑关联与情感表达潜力。 第一章：音高、音程与和弦的胚胎 本章从物理声学基础切入，定义音高、频率与听觉感知。重点阐述音程的构成及其在听觉上的张力与协和度。随后，深入探讨三和弦的构建原理，包括大小三和弦、增三和弦与减三和弦的音响特征。我们将详尽分析转位现象，以及它们如何影响和弦在进行中的低音声部功能。 第二章：功能和声的骨架：主、属、下属体系 功能和声是理解西方音乐织体稳定性的关键。本章细致剖析主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）的绝对核心地位。通过大量实例，展示如何利用导音（Leading Tone）的力量来构建强烈的终止式（Cadence），区分完全终止、不完全终止和伪终止的戏剧效果。同时，探讨功能和弦的替代性运用，如利用六级和弦（Submediant, vi）作为主和弦的柔和替代。 第三章：和声的扩展与色彩的调配 在稳固的基础和弦之上，本章引入扩展色彩的和弦。七和弦的引入是音乐表情丰富化的重要里程碑，我们将详细辨析属七和弦的导向性、大七和弦的宁静以及小七和弦的忧郁。接着，深入研究副属和弦（Secondary Dominants），理解它们如何临时“借用”其他调性的属和弦，从而创造出流畅的转调（Modulation）效果。此外，本章还会介绍经过和弦（Passing Chords）和延留和弦（Suspension）在连接两个主要和弦时的润饰作用。 第四章：调性边缘的探索：半音和声与离调 本部分将挑战纯粹的功能框架，探讨那些增加色彩、制造不和谐或为转调铺路的半音现象。增六和弦（如意大利式、法国式、德国式）的结构、解决方式及其在浪漫主义音乐中的重要性将被详细解析。同时，变化和弦（Altered Chords）——特别是带有升降音的属和弦——如何制造强烈的、有时近乎“不安”的听觉体验，将通过具体的范例进行分析。 --- 第二部分：对位法的艺术——线条的独立与交织 对位法是音乐织体的“骨骼”，它强调旋律线条的独立性、逻辑性和美感。本部分将严格遵循经典对位法的规范，为读者打下严谨的线条写作基础。 第五章：基本对位：两条独立旋律的对话 本章是学习对位法的起点。我们首先定义对位法的核心原则：线条的独立性与音响的和谐性。随后，细致讲解巴赫风格下的“固定音高”（Nota Cambiata）处理规则。核心内容集中于五种节拍类型（Species Counterpoint）的教学： 1. 第一对位（音对音）：强调最纯粹的协和。 2. 第二对位（二对一）：引入节奏的对比与自由。 3. 第三对位（四对一）：增加线条的密度。 4. 第四对位（切分对位）：学习如何处理悬念和紧张的节奏冲突。 5. 第五对位（混合对位）：整合前四种技巧，实现复杂的复调织体。 第六章：两部与三部对位的发展 在掌握了基本规则后，本章将进阶到更复杂的织体构建。我们将研究两部对位中如何使两条旋律线在动机、节奏和轮廓上相互呼应，同时保持各自的完整性。随后，引入三部对位，重点讨论中声部（Alto）和内声部的处理技巧，特别是在处理上行或下行时的声部进行规律，确保所有声部都具有歌唱性。 第七章：赋格曲的织体：模仿与主题的展开 对位法的集大成者是赋格（Fugue）。本章将赋格视为对位法的最高应用。我们将解构赋格的基本要素：主题（Subject）、应答（Answer）（包括真实应答与移位应答）、间奏（Episode）。深入分析呈露部（Exposition）的结构，以及如何在入唱段（Middle Entries）中运用紧密模仿（Stretto）、逆行（Inversion）和增值/减值（Augmentation/Diminution）等主题变形手法，以增加织体的戏剧性和复杂性。 --- 第三部分：音乐的形态与宏观结构 和声与对位是微观层面的技术，而曲式则是宏观层面的蓝图。本部分将分析音乐作品的建筑结构。 第八章：小型曲式与主题的建构 本章探讨音乐中的“段落”划分。我们将分析二部曲式（AABB）和三部曲式（ABA’）的内在逻辑，尤其关注它们如何通过调性对比（如主调与属调或关系小调的对比）来实现结构平衡。同时，研究主题的内部组织，如对偶、问答的写作技巧。 第九章：奏鸣曲式：冲突与解决的戏剧结构 奏鸣曲式是古典主义音乐的核心。本章将详细拆解呈示部（Exposition）（主题一、过渡、主题二、结束部）、再现部（Recapitulation）和呈发展部（Development）的职能与技巧。分析调性冲突（特别是呈示部中I与V或I与III的对比）如何在发展部中被打破、重组，最终在再现部中回归统一。 --- 第四部分：音色与写作的边界 第十章：基础配器与织体处理 本章简要介绍管弦乐队的四大组别（弦乐、木管、铜管、打击乐）的基本音域、音色特点及常用写作手法。重点强调如何根据和声的需要，为不同的声部选择合适的乐器，以达到清晰的织体层次和预期的音响色彩。探讨如何在对位写作中有效地利用乐器音色的差异来区分独立线条。 总结：从分析到创造 本书的终极目标是培养读者的聆听分析能力与系统写作能力。通过对和声功能的理解和对位线条的掌握，读者将能够深入剖析巴赫、莫扎特、贝多芬乃至浪漫主义大师作品中的每一个细节，并能够运用这些原理进行具有逻辑性和表现力的音乐创作。我们鼓励读者将理论学习与实际的键盘演奏或乐器写作相结合，真正理解音乐结构在听觉中的生命力。

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我不得不说，拿到这本书的时候，第一眼的感觉是“厚重”，但翻开后才发现，这种厚重感来自于其内容的扎实和体系的完整性，而不是文字的冗余。它不是那种只关注“是什么”的工具书，而是深入探讨“为什么会这样”的学术著作。作者的行文风格非常严谨，充满了学术的审慎态度，每一个概念的提出都配有充分的历史背景和理论依据。尤其是在介绍晚期浪漫主义和印象派和声语言的过渡时，作者的处理非常精妙，他没有武断地将这些新变化归类到旧体系中，而是小心翼翼地展示了作曲家们是如何在传统框架下进行探索和突破的。这本书的排版和图例设计也值得称赞，那些复杂的织体图和和声进行分析图，排得清晰易懂，极大地减轻了视觉负担。唯一的“不足”，也许是对于完全零基础的初学者来说，上手门槛略高，可能需要配合一些基础乐理知识才能完全吸收其中的精髓。但对于有一定基础，渴望深入研究作曲技法的人来说，这本书无疑是打开新世界大门的钥匙。

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这本书简直是音乐理论爱好者的福音！我一直苦于找不到一本能把复杂的对位法和和声学知识讲得既深入又易于理解的教材，市面上那些书要么过于晦涩，要么就是浅尝辄止。然而，这本《多声部音乐分析与写作》彻底颠覆了我的印象。作者的讲解方式非常独特，他没有一股脑地抛出规则，而是通过大量的实例和非常清晰的逻辑推导，引导读者一步步构建起对复调音乐结构的直观感受。特别是关于巴赫赋格曲的分析部分，简直是教科书级别的示范，他把看似无懈可击的声部逻辑剖析得淋漓尽致，让我这个原本对赋格望而生畏的人，忽然间看到了其中的美妙与精妙的数学之美。我尤其欣赏它在写作指导上的实用性，给出的练习题难度适中，既能巩固理论，又不至于让人产生挫败感。读完之后，我感觉自己对18世纪到19世纪的欧洲键盘音乐作品的理解提升了一个档次，那种“听懂了”的喜悦是无法替代的。对于任何想要从单纯的欣赏者蜕变为能够分析和创作的音乐学习者来说，这本书都是不可或缺的工具书。

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阅读体验上来说，这本书的深度和广度都令人印象深刻。它不仅涵盖了从文艺复兴盛期到巴洛克、古典主义时期的核心技术，对于20世纪初的各种非调性写作手法也有相当详尽的探讨，可以说是横跨了几个世纪的音乐写作技法集大成者。让我印象最深刻的是它对“声部独立性”与“整体和声连贯性”之间辩证关系的论述。很多教材要么过度强调声部间的界限，导致整体听起来支离破碎；要么就是过度追求和声的流畅，牺牲了各声部的个性。而这本书提供了一个优雅的平衡点，通过展示不同历史时期作曲家是如何权衡这两者的，为我们提供了丰富的实践指导。对于想要进行跨时代风格模仿的作曲家或者需要进行深度曲目改编的编曲家而言，这本书提供的工具箱是非常实用的，它不是教你如何复制，而是教你如何理解背后的结构原理，从而能举一反三地应对各种复杂的音乐情境。

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这本书的语言风格非常具有个人色彩，仿佛是一位经验丰富的导师在深夜的录音室里，耐心地为你剖析一首乐曲的每一个角落。它的叙述节奏把握得非常好，有时候会突然放慢速度，用非常生活化的比喻来解释一个晦涩的和声概念，比如将三和弦比作稳定的家庭结构，而七和弦则是有了潜在冲突的两人关系，这种接地气的讲解方式，极大地拉近了读者与严肃理论之间的距离。我特别欣赏的是它对“听觉想象力”的强调，作者反复提醒我们，所有书面上的分析最终都要回归到耳朵的判断，这与我过去在一些学院派教材中学到的那种“唯规则论”形成了鲜明的对比。这本书激发了我去尝试用不同的声部组合来重构已知作品的动机，这不仅锻炼了我的创作肌肉，也让我对“织体”（Texture）这个概念有了全新的认识。读完这本书，我感觉自己不再是机械地套用公式，而是真正开始拥有对声音世界的掌控感了。

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这本书的视角非常新颖，它不像传统的教程那样，将各个声部视为孤立的个体进行讲解，而是始终强调声部之间的“对话”和“张力”。我尤其喜欢其中关于“非传统对位”的章节，它超越了严格的对位法限制，开始探讨德彪西、拉威尔等人在声部进行上的自由探索，这对于我目前正在进行的现代音乐创作实践有着非常直接的指导意义。作者在分析这些现代作品时，没有使用一套僵硬的分析模板，而是根据作品本身的特性来量身定制分析框架，这种灵活性和批判性思维的培养，是比学会具体的技巧更宝贵的东西。书中穿插的一些音乐史小插曲，也非常有趣，它们帮助我理解了某些写作规范是如何在特定的社会文化背景下诞生的，让音乐的学习不再是孤立的技术训练，而是与历史脉络紧密相连的文化探索。总而言之，这本书不仅教会了我如何“写”，更重要的是，它教会了我如何去“听”和“思考”复调音乐。

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