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出版者:Odyssey Publications

作者:Paul Fonoroff

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:1999-11-01

價格:USD 27.50

裝幀:Paperback

isbn號碼:9789622176416

叢書系列:

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《塵封的膠片：香港電影黃金時代的浮沉》 一部深入香港電影黃金時代幕後的史詩級編年史 內容提要： 本書並非對香港電影的浪漫化迴顧，而是一部旨在解構和剖析自上世紀六十年代邵氏兄弟崛起，至九十年代末期“港片”概念遭遇結構性挑戰的宏大曆史敘事。我們聚焦於推動香港電影工業從手工作坊模式邁嚮國際資本流動中堅力量的關鍵人物、技術革新以及難以言說的社會文化驅動力。通過詳實的檔案研究、未曾公布的行業內部文件以及對健在的製片人、導演、幕後技術人員的深度訪談，我們力求還原那個光怪陸離、充滿張力與創造力的時代。 本書分為上下兩捲，共計七個主要部分，力求做到對曆史脈絡的清晰梳理與對復雜人性掙紮的深刻描摹。 --- 第一捲：黎明前的積蓄與東西交匯 (1960s - 1970s中期) 第一章：南來的風與北上的火：邵氏與電懋的崛起 本章細緻考察瞭戰後上海電影人纔與資本南下香港的過程，剖析瞭邵逸夫（Run Run Shaw）如何利用其在東南亞發行的成熟網絡，迅速將邵氏兄弟（Shaw Brothers Studio）打造成亞洲最具規模的製片帝國。我們深入分析瞭“片場製度”（Studio System）在香港的獨特演變——它如何模仿好萊塢的垂直整閤，同時又深深植根於粵語片區的地方文化需求。 重點剖析瞭電懋（MP & GI）作為早期競爭者的角色，以及其在“彩色大製作”和中産階級審美構建上的嘗試。我們研究瞭從上海藝術電影的技藝到邵氏武俠片美學的關鍵技術轉移，特彆是攝影、燈光和服化道部門的“第一代”技術專傢的成長軌跡，他們如何用有限的資源創造齣令人驚嘆的視覺效果。本章還探討瞭早期審查製度對敘事風格的微妙影響。 第二章：功夫革命：從劍俠到拳道 這是香港電影史上最關鍵的轉摺點之一。本章不再停留在對李小龍（Bruce Lee）的個人崇拜上，而是將其置於全球反殖民思潮、美國黑人解放運動以及香港本地身份認同焦慮的交叉點進行考察。我們分析瞭李小龍如何通過其獨特的“截拳道”哲學，打破瞭傳統武術電影的敘事套路，開創瞭現代動作片的節奏感。 隨後，我們詳述瞭許冠文兄弟的喜劇浪潮如何對武俠片的嚴肅性進行解構，用尖銳的社會諷刺和市井語言，為中下層觀眾提供瞭宣泄的齣口。這一章強調瞭語言（國語、粵語、上海話）在市場區隔和身份構建中的復雜作用。 --- 第二捲：新浪潮的衝擊與工業的成熟 (1970s後期 - 1980s) 第三章：體製的鬆動與新血的湧入 隨著七十年代末期，電視媒體的衝擊以及原有片廠製度的僵化，一批受西方電影教育（如香港浸會學院電影係、海外留學）熏陶的新一代電影人開始尋求錶達。《的士司機》（1980）等作品標誌著香港電影開始關注“小人物”的生存睏境，而非僅僅是奇觀的堆砌。 本章詳細梳理瞭“香港新浪潮”的幾次關鍵聚會、資金來源（多依賴於本土中小型投資人而非傳統片廠）以及他們對電影本體論的探索。我們探討瞭徐剋等導演如何將好萊塢式的敘事節奏與香港的本土文化精神相結閤，形成瞭“快、狠、準”的獨特美學基調。 第四章：黑幫史詩與英雄的黃昏：類型片的精緻化 八十年代，香港電影迎來瞭其“工業化”的巔峰。本章重點分析瞭吳宇森和林嶺東如何將暴力美學提升到近乎歌劇般的層次。我們考察瞭許冠傑電影中反映的草根精神如何過渡到周潤發飾演的“浪漫化江湖人”身上——這種轉變不僅是角色設定，更是投資方對特定“英雄形象”市場價值的精確計算。 通過對《英雄本色》等關鍵影片幕後製作的還原，我們揭示瞭攝影指導、武術指導、以及後期剪輯師群體如何通過高度默契的閤作，實現比好萊塢同期作品更快的製作周期和更穩定的質量輸齣。 第五章：資本的流動與創作的張力：颱灣、好萊塢與迴歸焦慮 隨著八十年代末期，香港電影開始大量對海外市場（特彆是颱灣與北美）進行傾斜性製作，本土創作者的自主權受到挑戰。本章探討瞭“閤拍片”模式的早期探索，以及國際閤拍對香港電影敘事題材和節奏的微妙滲透。 重點分析瞭1980年代後期到1997年間，社會對“前途”的集體焦慮如何無意識地滲透進類型片，例如僵屍片（林正英係列）中對傳統秩序的維護，以及科幻片中對失控未來的預警。這一時期的電影預算顯著增加，但也伴隨著對署名權和後期控製權爭奪的加劇。 --- 第三捲：後黃金時代的結構性挑戰 (1990s後期 - 2000) 第六章：巨星的黃昏與人纔的稀釋 本章聚焦於九十年代中後期，香港電影工業麵臨的幾大結構性危機：人纔外流（導演、武術指導、攝影師前往好萊塢和中國大陸）、盜版光盤對本地票房的緻命打擊，以及亞洲金融風暴對投資信心的削弱。 我們研究瞭王傢衛等“作者電影”在國際影展上的成功，如何與本土商業片市場的疲軟形成對比。這種“雙軌製”的齣現，標誌著香港電影在國際上擁有瞭更高的藝術地位，但在本地市場卻日益萎縮。本章也記錄瞭多位重量級影人首次嘗試北上，以及由此帶來的文化適應性問題。 第七章：工業的收縮與身份的重塑 收官章總結瞭九七迴歸前後，香港電影如何開始尋找新的敘事立足點。隨著內地市場對港片興趣的轉變，以及香港本土敘事的邊際效應遞減，電影人開始大規模地擁抱閤拍片模式。 本書不再斷言一個“終結”，而是描繪瞭一個“過渡”。我們分析瞭從以本地審美和生活經驗驅動的電影工業，嚮以滿足大中華區市場需求為導嚮的影視製作模式轉變中的陣痛。通過對製片公司財務報錶的分析，揭示瞭港片在鼎盛時期的驚人盈利能力，以及隨後幾年內資本撤離的嚴峻數據。本書最後以對香港電影下一代技術人員的簡短迴顧作結，暗示瞭其未來發展的復雜性與不確定性。 --- 研究方法與資料來源： 本書的論證建立在對《南洋商報》、《明報》、香港電影資料館檔案、美國國會圖書館（針對早期發行的拷貝記錄）、以及颱灣中時資料庫的交叉比對之上。我們特彆依賴於對超過四十位業內人士的口述曆史記錄，這些記錄大多是首次公開發錶。本書嚴格避免使用未經證實的八卦傳聞，緻力於提供一個基於商業運作、技術迭代和社會政治背景的嚴謹分析。

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翻開這本《At the Hong Kong Movies》的書，我仿佛被一股強勁的鏇風捲進瞭那個光影交錯、霓虹閃爍的年代。作者的文字功力實在令人驚嘆，他沒有采取那種平鋪直敘的流水賬式迴顧，而是用一種近乎詩意的筆觸，勾勒齣香港電影黃金時代裏那些標誌性的場景和人物的靈魂。我特彆喜歡他對武俠片中“俠義精神”的解讀，那不僅僅是刀光劍影的打鬥，更是對傳統道德倫理在現代社會中掙紮與堅守的深刻描繪。書裏提到某位導演對光影的運用，簡直是教科書級彆的剖析，那種對鏡頭語言的精妙拿捏，讓讀者在閱讀文字時，腦海中都能自動浮現齣那些經典畫麵的運鏡和構圖。再比如，他對早期喜劇片中那種特有的“市井幽默”的捕捉，那種帶著辛酸卻又充滿生命力的笑聲，被刻畫得淋灕盡緻。這本書的厲害之處在於，它不僅僅是在“介紹”電影，更是在“復活”電影背後的文化脈絡和時代情緒。每一頁都充滿瞭對細節的執著，無論是服裝的質地、布景的考究，還是演員一個眼神中的細微變化，都被作者捕捉並賦予瞭意義。讀完之後，我感覺自己對香港電影的理解，不再是停留在“看過”的層麵，而是深入到瞭“理解並感受”的層次。那種沉浸式的體驗，讓人不禁感嘆，文字的力量，有時比膠片本身還要持久。

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說實話，我一開始對這類懷舊主題的書籍是持保留態度的，總覺得無非是老調重彈，重溫那些我們早已熟知的輝煌。但《At the Hong Kong Movies》完全顛覆瞭我的預期。它不像一本單純的影評集，更像是一部深入香港社會肌理的田野調查報告。作者的敘事視角非常獨特，他常常將電影的敘事綫索與當時的香港社會經濟變遷並行不悖地展示齣來。比如，在討論那些充滿漂泊感的都市愛情片時，他巧妙地將背景錨定在九七迴歸前的社會焦慮感上，那些在城市中找不到歸屬感的主角們，其實就是當年無數香港市民內心投射的縮影。這種宏大敘事與個體命運的交織，讓整本書的厚度瞬間增加瞭好幾層。我尤其欣賞作者在探討“類型片”演變時的那種批判性思維，他沒有盲目地歌頌，而是尖銳地指齣瞭某些商業化趨勢對藝術純粹性的侵蝕。行文風格上，它充滿瞭知識分子的思辨性，用詞精準，邏輯嚴密，但又絕不晦澀難懂。它需要你帶著思考去讀，讀完之後，你會忍不住停下來，重新審視自己曾經不以為意的那些老電影。它不是讓你去懷舊的，而是讓你去“反思”和“重估”的，這纔是真正有價值的閱讀體驗。

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這本書的裝幀和排版，透露著一種低調的精緻感，這或許也暗示瞭內容的深度。我是一個對電影音樂有特彆偏好的人，而這本書在論述配樂與氛圍營造方麵，簡直是神來之筆。作者沒有簡單地羅列經典配樂的名稱，而是深入分析瞭特定鏇律是如何與畫麵情緒産生共振，是如何成為角色記憶點的粘閤劑的。書中有一段關於某部黑幫片中主題麯使用的分析，簡直細緻入微，從音階的選擇到演奏樂器的配置，都與其描繪的江湖道義産生瞭奇妙的呼應。更讓我驚喜的是，作者對於幕後工作者的關注，他沒有將聚光燈完全打在颱前的巨星身上，而是用大量篇幅贊美瞭那些默默無聞的攝影師、剪輯師和美術指導。他描繪瞭某個場景的布景師如何為瞭追求一絲真實感，如何在狹小的影棚裏搭建齣媲美實景的街景，這種對工藝精神的尊重，讓人油然而生敬意。閱讀過程中，我感覺自己不再是一個單純的觀眾，更像是一個走進電影製作現場的學徒，被一種對完美的執著所感染。這本書真正做到瞭“見微知著”，從微小的技術細節中，窺見瞭香港電影工業的整個生態。

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我必須承認，我是在一個非常偶然的機會下接觸到《At the Hong Kong Movies》的。一開始，我隻是被它封麵上那種略帶膠片顆粒感的視覺風格所吸引。讀進去之後，我發現這本書的語言風格極其靈活多變，這與它所探討的主題——一個充滿多元文化的熔爐——形成瞭完美的契閤。有時，它的筆調是詼諧的，充滿港式俚語和生活智慧的火花，讓你在會心一笑中理解角色的動機；而有時，它又變得異常沉鬱和哲學化，探討身份認同、文化衝突這些深刻的議題。書中對不同時期電影的分類和梳理，也展現瞭作者極強的係統性思維，他不像某些評論傢那樣隻關注某幾個“神作”，而是對整個電影譜係——包括那些商業上不太成功但藝術上極具探索性的實驗作品——都給予瞭平等的、充滿洞察力的分析。這本書的閱讀體驗就像是跟隨一位學識淵博的嚮導，在香港電影這座巨大的迷宮裏穿梭，他既能帶你領略最璀璨的明珠，也能幫你發掘被遺忘在角落裏的珍寶。它提供瞭一種多維度的解讀框架，讓任何一個對電影有興趣的讀者，都能找到屬於自己的切入點，並且獲得極大的滿足感。

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這本書的重量級之處，在於它成功地架設起瞭一座溝通過去與現在的橋梁。它不僅僅是緬懷一個逝去的時代，更是清晰地指齣瞭香港電影美學對於全球影像文化所産生的持久影響。作者在分析某些經典橋段時，會毫不避諱地將其與同時期的歐美電影進行對比，這種跨文化的參照，極大地拓寬瞭讀者的視野。我深切地感受到，香港電影的影響力絕非局限在亞洲，它那種高效敘事、強烈視覺衝擊力和復雜人物情感的混閤體，早已滲透到瞭世界電影的血液之中。更讓我贊賞的是，作者對“身份”主題的反復探討。在不同時代背景下，電影中的角色如何定義“香港人”的身份，從早期的邊緣流離感到後期的文化自信，這種身份政治的演變，被作者娓娓道來，充滿瞭曆史的厚重感。讀完後，我發現自己看任何一部新的亞洲電影時，都會不自覺地將它放入作者構建的這個宏大的美學譜係中去審視。這本書帶來的不是閱讀的終結，而是一種新的、更具批判性的觀影習慣的開始，它成功地提升瞭我對光影藝術的鑒賞門檻，實在是一部不可多得的佳作。

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