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出版者:辽宁美术

作者:仲星明

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2007-8

价格:41.00元

装帧:

isbn号码:9787531438496

丛书系列:

图书标签:

• 数码造型
• 立体造型
• 现代设计
• 艺术设计
• 计算机图形学
• 3D建模
• 视觉艺术
• 设计灵感
• 创意设计
• 数字艺术

雕塑的呼吸：从传统到当代材料的形塑之道 图书简介 本书旨在深入探讨雕塑艺术在当代语境下的发展脉络、材料革新与观念重塑。我们聚焦于材料的内在精神与艺术家如何通过物质性的转译，实现对空间、时间乃至社会议题的深刻表达。这不是一部关于特定技术手册的指南，而是一场对雕塑本质的哲学叩问与实践探索。 第一部分：物质的觉醒——雕塑材料的文化基因与现代转型 雕塑的物质性是其存在的基石。本章将追溯古典时期对大理石、青铜等永恒材料的偏爱，分析这些材料如何承载了权力、神性与人类理想的重量。我们将探究古希腊“理想人体”的塑造如何依赖于材料的细腻打磨与光影捕捉，以及文艺复兴时期对透视与解剖学的精妙结合。 然而，现代主义的到来，彻底颠覆了材料的等级秩序。我们考察立体主义如何解构了传统雕塑的单一视角，引入拼贴与非传统材料（如铁丝、报纸）。20世纪初，工业革命遗留下来的钢铁、废弃金属，不再是卑微的副产品，而成为了表现现代都市的冰冷、速度与异化的载体。布朗库西（Brancusi）对“光洁度”的追求，实质上是对材料纯粹形式的提炼，试图揭示事物本质的光辉。 本部分重点分析了战后艺术运动对材料的解放。达达主义和后来的偶发艺术（Arte Povera）将“贫乏材料”（如碎石、麻布、泥土）提升至与贵重材料同等的地位，强调材料的即时性、脆弱性和与社会现实的直接关联。我们审视了这些材料选择背后的社会动因——对消费主义的反思、对自然资源的敬畏，以及对艺术品“光环”的消解。 第二部分：空间与时间的回响——场域、装置与身体的介入 现代雕塑早已超越了“三维实体”的定义，它开始积极地与环境对话，成为“场域”（Site）的一部分。本章探讨了环境雕塑（Land Art）的兴起，艺术家如何将创作活动延伸至广袤的自然景观，利用大地本身的物质性（土壤、水流、风化）作为媒介。这不仅是关于体积的创造，更是关于过程与时间性的记录——观看者需要随着季节、光线的变化来完整体验作品。 我们将深入剖析极简主义（Minimalism）对“物自体”（Objecthood）的强调。唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定物”（Specific Object）挑战了传统雕塑的底座观念，要求作品直接存在于观看者的空间之中，迫使观者关注作品与身体之间的距离、尺度和材料的真实质感。这种对空间的强调，使得观众的身体体验成为作品不可分割的一部分。 装置艺术（Installation Art）的兴起则标志着雕塑向体验性、叙事性的进一步拓展。艺术家不再仅仅关注“物”的形态，而是构建了一个可以被“进入”或“环绕”的叙事环境。例如，某些环境雕塑通过光影、声音的结合，模糊了雕塑、建筑与表演的界限，旨在制造一种沉浸式的心理状态。我们分析了这些作品如何利用观众的移动轨迹来“编排”叙事节奏。 第三部分：数字的触感与虚拟的实体——新媒介下的造型观念重塑 进入21世纪，艺术家的工具箱被前所未有地拓宽。本章聚焦于新材料、新技术的介入如何挑战了雕塑的传统“手工性”与“永恒性”。 首先，我们将探讨高性能聚合物、复合材料（如碳纤维、树脂）在当代雕塑中的应用。这些材料允许艺术家实现过去难以想象的轻盈感、透明度或极端的结构复杂性，使作品能够在视觉上挑战重力。 其次，我们关注3D打印技术对造型自由度的革命性影响。这项技术使得复杂的内部结构和几何形状得以实现，艺术家的“手”被数字模型取代，造型过程从物理雕刻转变为参数化设计。这引发了关于“原作性”的深刻讨论：当造型过程被自动化和可复制化时，作品的独特性和作者性如何界定？ 最后，本书将探讨虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术对雕塑概念的延伸。在虚拟空间中，作品不再受制于物理定律，材料的密度、重量、甚至材质本身都可以是流动的代码。这是否意味着雕塑正在回归到其最纯粹的状态——即“形式”与“空间关系”的纯粹表达，而摆脱了物质的束缚？我们考察了几位艺术家如何利用这些技术，在数字维度上“搭建”出具有触感幻觉的新型雕塑体验。 结语：面向未来的造型语言 本书最终导向的思考是：在材料和技术的边界不断拓宽的时代，雕塑的生命力何在？它不再仅仅是关于“塑造”一个物体，而是关于“定义”一个空间，关于“触发”一次体验，关于“质疑”物质的边界。本书致力于为读者提供一个广阔的视野，去理解雕塑艺术在不断演变的世界中，如何持续地发出其物质的、精神的和观念的呼吸。

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这本书，坦白说，拿到手上的时候，我心里是有点打鼓的。毕竟现在市面上关于“设计”或者“视觉艺术”的书籍多如牛毛，很多都是华而不实的理论堆砌，或者只是简单地罗列了软件操作步骤，缺乏真正的深度和启发性。我期待的是那种能真正触及设计内核，带我领略创意思维脉络的作品。这本书的装帧设计倒是挺现代，简约的配色和扎实的纸质给人一种专业感，这小小的细节，至少让我对后续内容的期待值稍微提高了一些。翻开目录，内容覆盖面还挺广，从基础的几何构建到复杂的空间关系处理，似乎想搭建一个比较完整的知识体系。我尤其关注了其中关于“光影与材质”的部分，这在很多同类书籍中往往是一笔带过，但却是塑造真实感和氛围感的关键。我希望它能提供一些非常规的视角，而不是简单地重复教科书上的知识点。总的来说，第一印象是谨慎的期待，希望它能在视觉传达和技术实践之间找到一个精妙的平衡点，真正能为我的日常创作带来一些新的启发和工具。

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这本书的排版设计，恕我直言，有些地方实在是不太友好。虽然整体风格偏向极简，但在一些关键的流程图和示意图那里，信息的密度过高，字体又相对较小，使得初次阅读时，信息的抓取效率大打折扣。我经常需要借助放大镜或者眯着眼睛才能看清那些细微的箭头指向和注解文字。这对于一本旨在传授“造型”技巧的书籍来说，是个不小的瑕疵，毕竟造型是视觉化的工作，图文的配合至关重要。如果能将关键步骤拆分成更清晰的模块，或者在关键点上使用更鲜明的色彩区分，体验感绝对会提升一个档次。当然，抛开排版上的小小“罪状”，内容本身的深度毋庸置疑。它似乎对“克制”的美学有着深刻的理解，很多造型的最终形态都体现了一种恰到好处的留白和呼吸感，而不是一味地追求繁复和炫技。这本书教你的，是如何在有限的资源内，表达出最大的张力，这比单纯教会你怎么堆砌多边形要高明得多。

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这本书最让我感到惊喜的是它对于“材料感”的探索和呈现方式。它并没有局限于传统的塑料、金属那种固定思维，而是花了大量篇幅去模拟那些介于虚拟与现实之间的“模糊材质”——比如半凝固的流体、带光晕的晶体、或者具有生命气息的有机体。作者在软件层面对这些非传统材质的控制技巧描述得极为详尽，简直像是一份“数字炼金术”的秘籍。更重要的是，它不仅仅停留在技术层面，还深入探讨了这些特殊材质在叙事中所扮演的角色——它们如何影响观众的情绪，如何烘托故事的氛围。读完相关章节后，我立刻尝试着用新的节点逻辑去构建一个“半透明、会呼吸”的界面元素，那种对光线折射和吸收的精细控制，让我对数字媒介的表现力有了全新的认识。这本书绝对值得那些对视觉表现的极限充满好奇心的创作者拥有，它打开了一个通往更深层、更具表现力的三维世界的大门。

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说实话，这本书的理论深度略微超出了我目前的实操水平。我是一个倾向于快速迭代和结果导向的设计师，而这本书似乎更偏向于“学院派”的系统构建。书中有一大段落详细讨论了文艺复兴时期雕塑的黄金比例在现代三维造型中的映射和抽象应用，这部分内容非常精彩，逻辑严密，但对于我这种主要做商业概念设计的人来说，实时应用的转化率稍显不足。我理解这种理论基础的重要性，它能保证你的设计有根有据，不会飘忽不定，但有时候我更希望看到一些“捷径”或者说“高效的经验法则”。不过，反过来想，正是这种对底层逻辑的挖掘，才让这本书区别于那些只教你“怎么做”而不告诉你“为什么这么做”的工具书。它迫使你停下来思考造型背后的哲学含义，这对于一个想要从“技工”蜕变为“艺术家”的人来说，是极其宝贵的精神食粮，即使当前可能消化不了所有的养分。

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我花了整整一个周末的时间来啃这本书，尤其是那些需要反复推敲的案例分析部分。不得不说，作者在讲解复杂概念时，展现出了一种近乎于工匠般的细致。比如，书中对“动态平衡”在三维空间中如何通过重量感和视觉流线来实现的阐述，那种深入骨髓的剖析，让我对过去许多模糊不清的认知都有了豁然开朗的感觉。它不是那种读起来轻松愉快的“快餐式”读物，你需要集中注意力去追踪作者的思维路径，甚至需要对照着自己的软件界面去实践那些微小的参数调整对最终效果带来的巨大差异。我最欣赏的是，它没有回避那些真正困难的技术瓶颈，而是直接把“丑陋的挣扎过程”也展示了出来，这种坦诚比任何完美的成品展示都更具说服力。读完关于材质纹理生成的那几章后，我立刻去重做了我手头一个项目中的一个道具贴图，效果提升之明显，让我忍不住拍案叫绝。这本书更像是一位经验丰富的导师，在你耳边轻声指导，而非一本冷冰冰的参考手册。

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