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出版者:中国轻工业出版社发行部

作者:华文图景企划

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:2007-6

价格:48.00元

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isbn号码:9787501959310

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《古韵瓷踪：细品传世之美》 自古以来，瓷器便以其温润的质地、雅致的釉色和精湛的工艺，承载着中华民族深厚的文化底蕴与审美情趣。这本《古韵瓷踪：细品传世之美》并非一本枯燥的器物考证，而是一次穿越时空的文化溯源之旅。它将带领读者走进 porcelain 的世界，感受从泥土到艺术的蜕变，领略不同时代、不同窑口的独特魅力。 本书不拘泥于单纯的断代和品级划分，而是着重于挖掘每一件瓷器背后所蕴含的时代精神、工艺演进以及人文故事。我们将一同探寻，在中国这片古老的土地上，是如何在火与土的交织中，孕育出如此多姿多彩的陶瓷艺术。 第一部分：溯源而上，领略早期瓷韵 我们将目光投向中国瓷器的源头。从新石器时代的陶器萌芽，到商周时期原始青瓷的雏形，再到汉代成熟青瓷的出现，书本将详细介绍这些早期瓷器在胎质、釉料、烧造技术上的突破与演变。读者将了解到，是什么样的社会背景和技术条件，促成了瓷器这一伟大发明的诞生。我们会重点解析越窑的青瓷，品味其“秘色瓷”的神秘与高贵，理解它在当时社会中的特殊地位。同时，也会关注江南地区早期窑口的发展，感受地域文化对瓷器风格的影响。 第二部分：繁花似锦，盛世王朝的瓷器风华 唐宋时期是中国瓷器发展的黄金时代，其成就足以令世界瞩目。本书将深入剖析这一时期最具代表性的窑口与品种。 唐代： 从长沙窑的民间生活气息，到唐三彩的绚丽多彩，再到北方邢窑的白瓷与南方越窑的青瓷，我们将看到中国瓷器在技术和艺术上的飞跃。我们将品味唐三彩如何将色彩的张力发挥到极致，又为何能成为丝绸之路上的耀眼明珠。我们也会探讨，唐代白瓷的出现，如何为后来的瓷器发展奠定基础。 宋代： 宋代的瓷器，是文人审美与匠人技艺完美结合的典范。本书将聚焦于“五大名窑”：汝窑的温润如玉、光华内蕴；官窑的端庄大气、紫口铁足；哥窑的开片如金丝铁线、意趣横生；钧窑的窑变釉色、如同晚霞；定窑的白如雪、薄如纸、纹饰精美。我们将细致解读这些名窑的胎质、釉色、造型、纹饰特点，以及其独特的烧造工艺。更重要的是，我们将尝试理解宋人为何能将瓷器提升到如此高的艺术境界，它们与宋代诗词、绘画、哲学之间又有着怎样的渊源？除了五大名窑，本书还会介绍龙泉窑的青瓷、磁州窑的白地黑花等，展现宋代瓷器百花齐放的盛况。 第三部分：变革与创新，元明清的瓷业图景 元明清时期，中国瓷器在继承前代技艺的基础上，又展现出新的活力和特色。 元代： 青花瓷的成熟与兴盛，是元代瓷业的标志性成就。我们将深入探讨元代青花瓷的钴料来源、绘画技法以及其对中国乃至世界瓷器发展产生的深远影响。从元青花“鬼谷子下山”图罐的壮丽，到“鱼龙海马”纹饰的生动，我们将品味元代瓷器粗犷豪放的艺术风格。此外，还会提及元代景德镇窑的崛起，为明清瓷器生产中心的确立奠定基础。 明代： 明代瓷器，特别是洪武、永乐、宣德、成化、嘉靖、万历等时期的代表性作品，将是本书浓墨重彩描绘的对象。我们将重点解析永乐、宣德青花钴料的不同，以及其绘画风格的演变。成化青花的淡雅细腻，嘉靖、万历时期五彩的丰富绚丽，都会被一一呈现。本书还将介绍明代景德镇官窑的制度，以及民窑的蓬勃发展，展现明代瓷器生产的规模与成就。我们也会关注景德镇以外的其他重要窑口，如德化窑的白瓷、龙泉窑的青瓷等。 清代： 清代是中国瓷器发展的又一个高峰，康乾盛世的景德镇更是集中国瓷业之大成。本书将详尽介绍康熙、雍正、乾隆三朝的瓷器特点。从康熙的釉里红、青花，到雍正的粉彩、珐琅彩、仿古瓷，再到乾隆的集大成与创新，我们将看到珐琅彩的宫廷华美、粉彩的细腻柔丽、郎窑红的绝美釉色，以及各种仿古瓷的精湛技艺。本书还会探讨清代瓷器在继承传统的同时，如何吸收西方工艺和审美，以及瓷器外销所带来的影响。我们也将关注清代民窑的发展，如景德镇民窑、淄博窑、潮州窑等，展现清代瓷器生产的广度和深度。 第四部分：艺术赏析，玩味瓷器的神韵 除了技术与历史的梳理，本书还将引导读者如何去“看”瓷器。我们将从造型、胎骨、釉色、纹饰、款识等多个维度，深入浅出地讲解如何欣赏一件瓷器的美。 造型之美： 从器物的比例、线条，到其所蕴含的时代精神，理解器物的功用与审美的平衡。 胎骨之辩： 感受不同时代、不同窑口胎质的细腻与粗犷，理解胎骨对器物整体质感的影响。 釉色之韵： 探索青釉、白釉、黑釉、彩釉等丰富多彩的釉色，感受釉色在光影下的流转变化，理解窑变的神奇力量。 纹饰之语： 解读器物上所承载的吉祥图案、历史故事、花鸟山水，理解纹饰的文化内涵与艺术表现力。 款识之秘： 了解不同朝代的年款、堂号款、人名款等，以及它们在瓷器鉴定中的作用。 本书旨在为广大瓷器爱好者提供一个系统而深入的视角，让我们不再仅仅是欣赏者，更能成为理解者和鉴赏者。通过对这些传世之美的细品，我们不仅能感受到中国传统工艺的精湛，更能触摸到历史的脉搏，品味中华文化的独特魅力。这不仅仅是一本书，更是一扇通往古老东方陶瓷艺术殿堂的钥匙，等待着您去开启。

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这本书的封面设计得非常雅致，那种深邃的蓝色调，配上烫金的纹样，一下子就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，毕竟“解析”这个词听起来就让人头大，但翻开内页后，发现它完全不是那么回事。作者的文字功底极其深厚，叙事的方式流畅得像是在听一位经验丰富的老藏家娓娓道来他一生的见闻。比如，书中提到某个特定时期官窑的釉色变化，不是简单地罗列化学成分，而是通过描述光线下釉面呈现出的微妙层次感，那种“乍看平淡，细品方知其中三昧”的境界，描绘得淋漓尽致。我尤其喜欢它对“开门见山”这个概念的阐述，作者用了一整章的篇幅，通过对比几件不同窑口、不同时期的器物，教读者如何在最短的时间内抓住一件瓷器的精髓，避开那些华而不实的现代仿制品。那种手把手的指导感，让我觉得作者就是站在我身边，用他多年积攒的经验，为我清理前路上的迷雾。读完这部分的感受，简直就像是为我的鉴赏之眼做了一次彻底的“校准”。

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与市面上许多只关注“如何买到最贵的”的指南不同，这本著作的价值判断体系建立在深厚的历史语境之上。它花了相当大的篇幅去解析“器型”的演变逻辑，从唐代的三彩到宋代的五大名窑，再到明清的官民窑竞争，作者清晰地梳理出每一类器型如何在特定历史时期成为主流，以及这种主流地位背后的社会结构支撑。这种对“为什么会是这样”的追问，让阅读过程充满了智力上的愉悦。特别是它对一些被市场低估的“冷门”品种的推介，论证逻辑严密，引经据典，让我开始重新审视自己收藏清单上的优先级。读完后，我立刻将手边几件自己过去不太重视的器物重新拿出来，这一次，我看到了它们身上隐藏的、属于那个特定时代的文化印记，那种发现新大陆般的激动，实在难以言表。

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这本书最大的特点，在于它没有将收藏等同于财富的累积，而是将其提升到了一种生活哲学的高度。作者在论及“藏品与人”的关系时，有一段话写得尤其触动我：每一件传世的瓷器，都承载着过去某个瞬间的时间凝固。他引导读者去思考，我们收藏的，究竟是物质本身，还是那些凝固在泥土和釉彩里的记忆碎片？这本书提供了一套非常实用的“日常养护心经”，它避开了那些专业机构的复杂维护流程，而是针对普通藏家如何在家中，利用简单的工具和环境控制，最大限度地保护自己的心爱之物，写得既贴心又专业。例如，关于如何避免光照对釉色带来的隐性损害，作者给出的建议就非常具体，甚至连放置书籍时，如何调整书架的角度，都有细致的图解说明，体现了作者对藏家日常实践的深切关怀。

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我手里拿着这本厚厚的书，深感作者在资料搜集上的投入是空前的。它不仅仅停留在国内公认的经典范例上，更难能可贵的是，它对一些流失海外、鲜为人知的私人收藏品也有所涉猎和点评。这种广阔的视野，极大地拓宽了我对中国陶瓷史的认知边界。特别是有一章专门分析了清代外销瓷与内销瓷在纹饰和胎体上的细微差异，作者通过对比两件风格迥异的粉彩瓶，深入探讨了东西方审美趣味的碰撞与融合，这种跨文化的视角，令人耳目一新。阅读过程中，我常常会停下来，去查阅那些作者引用的早期文献或海外博物馆的资料索引，发现作者的引用和解读都非常精准到位，几乎没有含糊不清的地方。这本书提供的不仅仅是知识，更是一套严谨的学术研究方法论，教会我如何带着批判性的眼光去审视既有的定论。

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这本书的排版和装帧简直是艺术品级别的，每一个章节的过渡都处理得非常巧妙。我注意到，它在探讨不同器型——比如青花盘、单色釉瓶以及彩绘碗——的时候，所采用的图例选择都极具匠心。举个例子，在讲到明代永乐甜白的釉质时，它没有简单地放一张高清晰度的照片，而是配上了一张侧光拍摄的局部放大图，那光影下的温润与凝脂般的质感，隔着纸张似乎都能触摸到。这种对细节的极致追求，体现了作者对“眼学”的深刻理解。更让我惊喜的是，它在介绍古代工匠的制作工艺时，采用了大量的流程图和手绘草图，这些图示并非是机械式的复制，而是融入了作者对工艺难点的个人洞察。他分析某处笔触的力度，或是某个描金的厚度，如何反映了当时宫廷对该件作品的特殊要求，将冰冷的工艺步骤赋予了温度和历史的重量。这让我意识到，收藏不只是看“形”，更是要理解“心”。

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